Beste Kinematographie-Oscar-Gewinner des 21. Jahrhunderts, Rangliste

Kinematographie ist ein wichtiger Aspekt des großen Filmemachens. Ohne einen starken Kameramann, der einen Blickwinkel hat, kann ein Film etwas mangelhaft sein, selbst wenn jeder andere Aspekt des Films auf allen Zylindern feuert. Film ist schließlich ein visuelles Medium, und großartige Kinematographie hat die Macht, den Zuschauer in eine neue Welt zu versetzen, ihn in die Lage einer Figur zu versetzen oder sogar ein Thema mit Hilfe visueller Metaphern zu vermitteln.

Einer der größten Kameramänner, die je gelebt haben, ist Roger Deakins, dessen naturalistisches Auge unvergessliche Bilder in Filmen wie Die Ermordung des Jesse James durch den Feigling Robert Ford oder Skyfall geschaffen hat. Nach 14 Nominierungen in seiner Karriere gewann Deakins 2018 endlich den Oscar für die beste Kameraführung für seine herausragende Arbeit an Blade Runner 2049, und 2019 wurde Alfonso Cuarón der erste Regisseur, der den Oscar für die beste Kameraführung für seinen eigenen Film gewann. Aber wie stehen die bisherigen Gewinner im Vergleich zueinander?

Um das herauszufinden, habe ich eine Rangliste aller bisherigen Oscar-Gewinner für die Beste Kamera des 21. Jahrhunderts erstellt, die bis zu „Crouching Tiger, Hidden Dragon“ aus dem Jahr 2000 zurückreicht. Die Liste ist überraschend vielseitig und es ist interessant zu sehen, wie sich die Kunst der Kinematographie in den letzten zwei Jahrzehnten entwickelt hat, als sich die digitale Fotografie durchgesetzt hat. Keiner dieser Gewinner ist per se „schlecht“, so dass ich zögere zu sagen, dass wir mit dem schlechtesten beginnen, aber hier sind alle 18 Oscar-Gewinner der besten Kinematographie des 21.

20. Memoirs of a Geisha (2005)

Die Arbeit von Kameramann Dion Beebe ist definitiv nicht schlecht, sie ist nur ziemlich vergesslich – genau wie der Film selbst. Memoirs of a Geisha war der Nachfolger von Regisseur Rob Marshalls Oscar-gekröntem Film Chicago, aber der Film hat sich irgendwie in Luft aufgelöst. Beebes Einsatz von Licht ist hier am bemerkenswertesten, aber ja, darüber hinaus ist dieser Film einfach nur ziemlich gut.

Was hätte gewinnen sollen: The New World – Emmanuel Lubezki

19. Avatar (2009)

Okay, ja, Avatar ist bahnbrechend, aber auf einer reinen Kinematographie-Ebene ist Mauro Fiores Arbeit hier nur in Ordnung. Wirklich, dieser Preis fühlt sich an, als wäre er mehr für die technische Leistung der Performance Capture und All-CG-Szenen, was in Ordnung ist, aber wenn wir hier über die Kunst der Fotografie sprechen, sind die Bilder, die Fiore und James Cameron zaubern, eigentlich ziemlich einfach. Aber auch hier ist der Sieg verständlich, wenn man bedenkt, wie dieser Film den Weg für die Aufnahme von Performance-Capture-Darstellern und All-CG-Umgebungen ebnete.

Was hätte gewinnen sollen: Harry Potter und der Halbblutprinz – Bruno Delbonnel

18. Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000)

Die Arbeit von Peter Pau in Crouching Tiger, Hidden Dragon ist vor allem für ihre Flüssigkeit bemerkenswert, mit der Regisseur Ang Lee die hochfliegenden Stunts seiner Schauspieler einfängt. Und es ist cool und schön und ordentlich, aber im direkten Kontrast zu Roger Deakins‘ bahnbrechender Arbeit an O Brother, Where Art Thou? die mit dem fotochemischen Prozess zu atemberaubenden Ergebnissen experimentierte, fällt sie weit, weit zurück.

Was gewonnen haben sollte: O Brother, Where Art Thou?

17. Master and Commander: The Far Side of the World (2003)

Regisseur Peter Weir’s Master and Commander: The Far Side of the World ist ein weit unterschätzter Film, aber es ist schön zu wissen, dass der Film in dieser Kategorie einen Sieg erringen konnte. Auf offener See zu drehen ist bekanntermaßen schwierig, aber Kameramann Russell Boyd schafft es, dieses auf dem Meer angesiedelte Abenteuer so zum Leben zu erwecken, dass der Zuschauer sich direkt auf dem Schiff befindet. Der neblige Rahmen ahmt die Einsamkeit der Position der Crew nach, und die Schiffsschlachten werden mit Lebendigkeit und Gusto zum Leben erweckt.

Was hätte gewinnen sollen: Master and Commander: The Far Side of the World

16. Pans Labyrinth (2006)

Guillermo del Toros meisterhaftes Märchen Pan’s Labyrinth war 2006 eine etwas überraschende Wahl für diesen Preis, aber der langjährige Kameramann des Filmemachers, Guillermo Navarro, leistete hervorragende Arbeit. Besonders der Einsatz von Farbe ist großartig, ebenso wie die fließende Bewegung der Kamera, die das Publikum bei der Stange hält. Und doch fühlt es sich so an, als ob die Academy sich gegen die phänomenale Arbeit von Emmanuel Lubezki in Children of Men geirrt hat.

Was hätte gewinnen sollen: Children of Men – Emmanuel Lubezki

15. Hugo (2011)

Hugo war für Regisseur Martin Scorsese ein Film der Premieren. Es war nicht nur sein erster Film, der speziell für ein jüngeres Publikum gedreht wurde, sondern auch sein erstes Mal, dass er mit dem 3D-Format arbeitete. Als Filmhistoriker setzt Scorsese 3D hier nicht einfach als Gimmick ein, sondern findet in Zusammenarbeit mit Kameramann Robert Richardson faszinierende und spannende Wege, das 3D-Format zu nutzen, um grundlegende Prinzipien des Filmemachens zu unterstreichen. Das geht Hand in Hand mit der Thematik des Films, die sich mit den Anfängen des Kinos und der Geburtsstunde der Kunst des bewegten Bildes beschäftigt, und man kann sich vorstellen, dass nur Scorsese einen 3D-Film machen kann, der so gewollt ist.

Was hätte gewinnen sollen: Hugo

14. Slumdog Millionaire (2008)

Kameramann Anthony Dod Mantle machte sich mit der Dogme-95-Bewegung einen Namen, indem er das experimentelle Filmemachen auf aufregende neue Weise zum Leben erweckte. Zusammen mit Regisseur Danny Boyle hat er die Grenzen der Verite bei 28 Days Later weiter verschoben, aber ihre Zusammenarbeit bei Slumdog Millionaire bleibt ihre bisher eindrucksvollste und beeindruckendste. Dank Mantles aktiver, aggressiver Kamera fühlt sich dieser Film lebendig an, und das kommt der Geschichte und den Figuren ungemein zugute. Selbst wenn er gegen einen so beeindruckenden Film wie The Dark Knight antritt, hat die Academy hier alles richtig gemacht.

Was hätte gewinnen sollen: Slumdog Millionaire

13. Life of Pi (2012)

Das digitale Filmemachen hat in den 2010er Jahren enorme Fortschritte gemacht, und die Arbeit von Regisseur Ang Lee und Kameramann Claudio Miranda an Life of Pi ist ein brillantes Beispiel für die nahtlose Verflechtung von praktischen Schauspielern und Sets mit digitalen Charakteren und Hintergründen. Das Ergebnis ist wirklich atemberaubend, besonders wenn man es mit anderen Greenscreen-lastigen Filmen vergleicht. Mirandas Einsatz von Licht lässt Pis Zeit auf dem Meer greifbar und real aussehen und fühlt sich gleichzeitig irgendwie surreal an – passend zur Geschichte selbst. Im Nachhinein betrachtet war Life of Pi ein Prüfstein für die digitale Kinematographie und hält sich weit besser als viele andere CG-lastige Filme, die heute gemacht werden. Und doch musste der Film in diesem Jahr gegen eine sehr starke Kategorie antreten, zu der auch einige von Janusz Kaminskis besten Arbeiten in Lincoln und Roger Deakins‘ atemberaubende digitale Aufnahmen von Skyfall gehörten.

Was hätte gewinnen sollen: Skyfall, Lincoln, oder Life of Pi

12. Inception (2010)

Filmemacher Christopher Nolan hat ein Händchen dafür, die Magie seiner Filme geheim zu halten, und in der Tat wurde die Arbeit von Kameramann Wally Pfister umso beeindruckender, als das Publikum Zeuge der atemberaubenden praktischen Effekte von Inception wurde. Die sehr spezifischen Bewegungen und Bilder, die benötigt wurden, um diese Traumlandschaften in praktischen Umgebungen zu erschaffen, erforderten ein enormes Maß an Können, und Pfister wurde dieser Herausforderung mehr als gerecht.

Was hätte gewinnen sollen: Inception

11. Roma (2018)

Regisseur Alfonso Cuarón hatte ursprünglich geplant, bei Roma wieder mit seinem Oscar-prämierten „Gravity“-Kameramann Emmanuel Lubezki zusammenzuarbeiten (und widmete seinen Oscar-Gewinn tatsächlich „Chivo“), aber Lubezki musste das ambitionierte Drama aufgrund von Terminkonflikten verlassen. Daraufhin sprang Cuarón ein und erweckte seine eigene Vision in atemberaubenden Details zum Leben. Die Kinematographie in Roma ist bahnbrechend, da Cuarón die Kamera in die Ecke eines Raumes oder an die Seite einer Wand verlegt und den Zuschauer zwingt, das Geschehen als objektiver Beobachter zu verfolgen. Es gibt keine offensichtlich großen Kamerabewegungen, und doch ist Cuaróns Kameraplatzierung und Bildkomposition äußerst präzise. Jede Entscheidung, die hier getroffen wurde, diente der Geschichte – der Film ist in gestochen scharfem 4K-Schwarzweiß gehalten, um eine Erinnerung ohne Nostalgie hervorzurufen – und das Ergebnis ist ein wahrhaft hypnotisierendes Werk.

Was gewonnen haben sollte: Roma (aber A Star Is Born bekommt eine starke ehrenvolle Erwähnung)

10. Der Herr der Ringe: Die Gefährten des Rings (2001)

Der verstorbene, großartige Andrew Lesnie war verantwortlich für die Erschaffung der Welt von Mittelerde, wie wir sie kennen, und es begann alles mit Der Herr der Ringe: The Fellowship of the Ring. Der Reichtum von Lesnies Rahmen sickerte aus der Leinwand und hüllte das Publikum in diese Fantasiewelt ein, aber er überschattete nie die Charaktere – besonders nicht bei Fellowship. Dies ist eine krönende Leistung in der Geschichte des Kinos, und es ist eine Schande, dass Lesnie uns alle zu früh verlassen hat, da der Mann zweifellos noch viel mehr Großartiges mit der Welt zu teilen hatte.

Was hätte gewinnen sollen: Der Herr der Ringe: The Fellowship of the Ring

9. La La Land (2016)

In den großen La La Land-Kriegen von 2016 haben wir meiner Meinung nach nicht annähernd genug über die Arbeit von Kameramann Linus Sandgren gesprochen. Alle waren so sehr auf den Kampf um den besten Film fokussiert, aber Sandgren bot im Kontext von Damien Chazelles Musical die beste Arbeit seiner bisherigen Karriere. Vor allem sein Einsatz von Farbe ist großartig, ganz zu schweigen von der Astaire/Rogers-esken Nummer in der Magic Hour, die sich gleichzeitig transzendent und unglaublich real anfühlt. In Musicals geht es um Bewegung, und Sandgrens Kamera wirbelt um die Liebenden des Films, als wäre sie eine Figur für sich. Im Ernst, das ist großartiges Material und selbst gegen starke Konkurrenz wie Rodrigo Prietos meisterhaftes Silence fühlt es sich wie ein verdienter Sieg an.

Was gewonnen haben sollte: La La Land

8. The Aviator (2004)

The Aviator ist die Art von Film, die man bekommt, wenn einer der größten Filmhistoriker aller Zeiten auch einer der größten Filmemacher aller Zeiten ist. Um die Geschichte von Howard Hughes zu erzählen, entschieden sich Regisseur Martin Scorsese und Kameramann Robert Richardson dafür, jede Ära von Hughes‘ Leben in der Art und Weise einzufangen, wie Filme in der jeweiligen Zeit gemacht wurden, indem sie den Look der frühen Bipack-Farbfilme und des Drei-Streifen-Technicolor nachstellten. Das ist das Nirwana für cinephile Nerds, und bleibt bis heute eine atemberaubende Leistung.

Was hätte gewinnen sollen: The Aviator

7. Birdman (2014)

Als einziger Kameramann, der dreimal in Folge den Oscar für die beste Kameraführung gewonnen hat, hat Emmanuel Lubezki seinen Platz in der Oscar-Geschichte gefestigt – aber er hat ihn auch verdient. Was auch immer man von Birdman selbst halten mag, Lubezkis Leistung, den Film wie eine einzige fortlaufende Einstellung aussehen zu lassen, ist gewaltig, und obwohl diese Technik schon einmal angewandt wurde, gibt es niemanden sonst wie ihn.

Was hätte gewinnen sollen: Birdman

6. Road to Perdition (2002)

Road to Perdition ist ein Film der Schatten, was angesichts des Themas angemessen ist. Der legendäre Kameramann Conrad L. Hall zeigt in seinem letzten Film sein meisterhaftes Können, und tatsächlich wurde ihm posthum der Oscar verliehen. Was Hall in diesem Film mit dem Licht macht, ist wunderbar, und er und Regisseur Sam Mendes finden einen wunderbaren Weg, diese Geschichte durch die Augen eines Kindes zu erzählen, durch motivierte Kamerabewegungen, Einstellungen und Blocking. Während der Film selbst etwas in Vergessenheit geraten ist, steht Halls Arbeit hier auch 15 Jahre später noch hoch im Kurs.

Was gewonnen haben sollte: Road to Perdition

5. The Revenant (2015)

Aber im Kampf zwischen Lubezkis Alejandro G. Iñárritu-Filmen gebe ich The Revenant hier einen leichten Vorsprung für seinen enormen Einsatz von natürlichem Licht. Das ist keine leichte Aufgabe, vor allem an den Schauplätzen, die für diesen Film verwendet wurden, aber Lubezki schafft es auf wunderbare Weise, ein eindringliches Bild nach dem anderen zu erzeugen. Die Gefahr der Wildnis wird durch Lubezkis Linse wunderbar zum Leben erweckt, und man spürt förmlich, wie die viszerale Qualität des Filmemachens durch die Leinwand sickert.

Was hätte gewinnen sollen: The Revenant

4. Blade Runner 2049 (2017)

Der Film, der Roger Deakins schließlich den Oscar einbrachte, zeigt auch einige seiner besten Arbeiten. Blade Runner 2049 erweckt atemberaubende futuristische Umgebungen zum Leben und verwendet eine Mischung aus praktischen und CG-Effekten. Aber es sind die Feinheiten der Kinematographie, die Blade Runner 2049 in diese Spitzenklasse heben. Die sorgfältige Akribie, die notwendig ist, um die Joi/Mariette-Sequenz zu kreieren und sie so landen zu lassen, wie sie es tut, ist phänomenal, und die Art und Weise, wie Deakins Wasser und Licht einsetzt, um Wallace‘ Wohnbereich zu beleuchten, ist atemberaubend. Dass der Kameramann all dies hauptsächlich mit praktischer Beleuchtung und nicht mit Farbfiltern oder digitalen Effekten gemacht hat, macht es umso beeindruckender. Ausnahmsweise wurde ein längst überfälliger Oscar nicht als Trostpreis vergeben – er war hochverdient.

Was hätte gewinnen sollen: Blade Runner 2049

3. Gravity (2013)

Emmanuel Lubezkis krönende Leistung ist seine Arbeit mit Alfonso Cuaron an Gravity. Ich weiß, dass ich Avatar ein wenig kritisiert habe, weil es komplett digital ist, aber das Bild in Camerons Film ist ziemlich flach – es hat einfach gewonnen, weil Performance-Capture noch nie so gemacht wurde. Mit Gravity bringt Lubezki seinen charakteristischen naturalistischen Stil in ein Projekt mit vielen visuellen Effekten ein, da er und Cuaron die Schauspieler auf verblüffende Weise mit der CG-Umgebung verschmelzen. Dass Lubezki in der Lage ist, hier mehrere „Einser“ zu zaubern, die den Zuschauer mit der gleichen Wucht treffen wie etwas aus The Revenant oder Children of Men, ist ein Beweis für Lubezkis und Cuarons Talente, und Gravity bleibt eine atemberaubende filmische Leistung.

Was hätte gewinnen sollen: Gravity

2. 1917

„Alles, was du kannst, kann ich besser“, sagt Roger Deakins zu Lubezki. Nicht wirklich, aber 1917 – ein Film aus dem Ersten Weltkrieg, der komplett in einer einzigen, fortlaufenden Einstellung erzählt wird – fühlt sich an wie ein bisschen Selbstüberschätzung im Zuge des Aufstiegs des „Oners“ als Trope in den letzten zehn Jahren oder so. Aber 1917 ist nicht nur ein technisches Wunderwerk, es passt auch zur Geschichte. Es gibt einen Grund für diese kontinuierliche Aufnahme, und dieser Grund ist es, einen erfahrbaren Kriegsfilm zu schaffen, der Sie in den Kopf des Lance Corporal William „Will“ Schofield versetzt. Regisseur Sam Mendes‘ Ode an die Veteranen ehrt ihr Andenken, indem er uns den Terror und das Adrenalin dieses Soldaten hautnah miterleben lässt, während er daran arbeitet, einen Brief zu überbringen, der Tausende von Leben retten könnte. Deakins‘ Arbeit hier ist eindringlich und doch muskulös, poetisch und doch intensiv. Es ist eine der besten „Oner“-Szenen (und Filme), die je gemacht wurden.

Was hätte gewinnen sollen: 1917

1. There Will Be Blood (2007)

2007 war ein hervorragendes Jahr für die Kinematographie. In dieser Kategorie trat Roger Deakins mit seiner unglaublichen Arbeit an The Assassination of Jesse James und No Country for Old Men gegen sich selbst an, aber Robert Elswit gewann für seine atemberaubende Arbeit an Paul Thomas Andersons There Will Be Blood. Der Rahmen ist alles in diesem düsteren Historiendrama, und Elswit zeichnet das Leben von Daniel Plainview in atemberaubenden Details nach. Das Visuelle ist für diesen Film von entscheidender Bedeutung, und das Framing, das Elswit hier aufbaut, und sein Einsatz von Licht ergänzen die Geschichte auf phänomenale Weise, was ihre Wirkung unterstreicht. Und obwohl ich diesen Sieg so weit oben auf dieser Liste platziert habe, denke ich immer noch, dass es einen würdigeren Nominierten in diesem Haufen gab, denn Deakins‘ Arbeit an Jesse James ist eines der besten Werke der Kinematographie überhaupt.

Was hätte gewinnen sollen: The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford – Roger Deakins