Frühes Theater in New YorkBearbeiten
New York hatte keine nennenswerte Theaterpräsenz bis etwa 1750, als die Schauspieler-Manager Walter Murray und Thomas Kean eine ansässige Theatertruppe im Theater an der Nassau Street gründeten, das etwa 280 Personen fasste. Sie führten Shakespeare-Stücke und Balladenopern wie The Beggar’s Opera auf. Im Jahr 1752 schickte William Hallam eine Truppe von zwölf Schauspielern aus Großbritannien in die Kolonien, deren Manager sein Bruder Lewis war. Sie gründeten ein Theater in Williamsburg, Virginia, und eröffneten mit The Merchant of Venice und The Anatomist. Die Truppe zog 1753 nach New York und führte Balladenopern und Balladenfarcen wie Damon und Phillida auf. Der Revolutionskrieg setzte das Theater in New York außer Kraft, aber danach wurde das Theater 1798 wieder aufgenommen, dem Jahr, in dem das Park Theatre mit 2.000 Plätzen in der Chatham Street (heute Park Row genannt) gebaut wurde. Das Bowery Theatre eröffnete 1826, weitere folgten.
In den 1840er Jahren betrieb P.T. Barnum einen Unterhaltungskomplex in Lower Manhattan. 1829 eröffnete an der Ecke Broadway und Prince Street das Niblo’s Garden, das bald zu einem der wichtigsten Nachtlokale New Yorks wurde. Das Theater mit 3.000 Plätzen präsentierte alle Arten von musikalischen und nicht-musikalischen Darbietungen. 1844 wurde das Palmo’s Opera House eröffnet, in dem nur vier Spielzeiten lang Opern aufgeführt wurden, bevor es nach dem Konkurs unter dem Namen Burton’s Theatre in ein Theater umbenannt wurde. Das Astor Opera House wurde 1847 eröffnet. 1849 kam es zu einem Aufstand, als die Unterschicht der Bowery sich über den von ihnen als Snobismus empfundenen Umgang mit dem Publikum der Oberschicht am Astor Place aufregte: „Nach dem Astor Place Riot von 1849 war die Unterhaltung in New York City entlang der Klassengrenzen geteilt: Die Oper war hauptsächlich für die obere Mittelschicht und die Oberschicht, Minstrel Shows und Melodramen für die Mittelschicht, Varieté-Shows in Konzertsalons für Männer der Arbeiterklasse und der Slum-Mittelschicht.“
Die Stücke von William Shakespeare wurden in dieser Zeit häufig auf der Broadway-Bühne aufgeführt, vor allem von dem amerikanischen Schauspieler Edwin Booth, der durch seine Darstellung des Hamlet international bekannt wurde. Booth spielte die Rolle in den berühmten 100 aufeinanderfolgenden Vorstellungen im Winter Garden Theatre im Jahr 1865 (wobei die Aufführung nur wenige Monate vor dem Attentat auf Abraham Lincoln durch Booths Bruder John Wilkes Booth endete) und ließ die Rolle später in seinem eigenen Booth’s Theatre wieder aufleben (das eine Zeit lang von seinem Bruder Junius Brutus Booth, Jr. geleitet wurde). Andere bekannte Shakespeare-Darsteller, die in dieser Zeit in New York auftraten, waren Henry Irving, Tommaso Salvini, Fanny Davenport und Charles Fechter.
Geburt des Musicals und nach dem Bürgerkrieg
Das Theater in New York zog ab etwa 1850 auf der Suche nach günstigeren Immobilien allmählich von Downtown nach Midtown Manhattan um. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts war das Gebiet, das heute den Theater District umfasst, im Besitz einer Handvoll Familien und bestand aus ein paar Farmen. Im Jahr 1836 eröffnete Bürgermeister Cornelius Lawrence die 42. Straße und lud die Einwohner Manhattans ein, „die reine, saubere Luft zu genießen.“ Knapp 60 Jahre später baute der Theaterunternehmer Oscar Hammerstein I. das kultige Victoria Theater in der West 42nd Street.
Das erste „Dauerbrenner“-Musical am Broadway war 1857 ein Hit mit 50 Aufführungen namens The Elves. Im Jahr 1870 befand sich das Herz des Broadways am Union Square, und bis zum Ende des Jahrhunderts waren viele Theater in der Nähe des Madison Square. Die Theater kamen erst in den frühen 1900er Jahren in die Gegend des Times Square, und die Broadway-Theater konsolidierten sich dort erst, als in den 1920er und 1930er Jahren eine große Anzahl von Theatern rund um den Platz gebaut wurde. Die Aufführungen in New York blieben weiterhin weit hinter denen in London zurück, aber Laura Keenes „Musical Burletta“ The Seven Sisters (1860) brach mit einer Laufzeit von 253 Aufführungen alle bisherigen New Yorker Rekorde. Bei einer Aufführung von Keenes „Our American Cousin“ in Washington, D.C., wurde Abraham Lincoln erschossen.
Das erste Theaterstück, das der modernen Vorstellung eines Musicals entsprach, indem es Tanz und Originalmusik hinzufügte, um die Geschichte zu erzählen, wird als The Black Crook angesehen, das am 12. September 1866 in New York uraufgeführt wurde. Die Inszenierung war fünfeinhalb Stunden lang, lief aber trotz ihrer Länge rekordverdächtige 474 Vorstellungen. Im selben Jahr war The Black Domino/Between You, Me and the Post die erste Show, die sich selbst als „Musical Comedy“ bezeichnete.
Tony Pastor eröffnete 1881 das erste Vaudeville-Theater einen Block östlich des Union Square, in dem Lillian Russell auftrat. Die Komödianten Edward Harrigan und Tony Hart produzierten und spielten zwischen 1878 (The Mulligan Guard Picnic) und 1890 Musicals am Broadway, mit Buch und Text von Harrigan und Musik von seinem Schwiegervater David Braham. Diese musikalischen Komödien zeigten Charaktere und Situationen aus dem Alltag der New Yorker Unterschicht und stellten einen bedeutenden Schritt weg vom Vaudeville und der Burleske hin zu einer literarischeren Form dar. In den Hauptrollen traten hochkarätige Sängerinnen auf (Lillian Russell, Vivienne Segal und Fay Templeton), statt der Frauen mit zweifelhaftem Leumund, die in früheren Musicalformen die Hauptrollen gespielt hatten.
Als sich die Verkehrsmittel verbesserten, die Armut in New York zurückging und die Straßenbeleuchtung für sicherere nächtliche Fahrten sorgte, stieg die Zahl der potenziellen Besucher für die wachsende Zahl von Theatern enorm. Die Stücke konnten länger laufen und trotzdem das Publikum anziehen, was zu besseren Gewinnen und verbesserten Produktionswerten führte. Wie in England begann man in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, das Theater zu säubern, wobei weniger Prostitution den Theaterbesuch von Frauen behinderte. Gilbert und Sullivans familienfreundliche komische Opernhits, beginnend mit H.M.S. Pinafore im Jahr 1878, wurden nach New York importiert (von den Autoren und auch in zahlreichen nicht lizenzierten Produktionen). Sie wurden in New York von amerikanischen Produktionen wie Reginald Dekovens Robin Hood (1891) und John Philip Sousas El Capitan (1896) nachgeahmt, ebenso wie Opern, Ballette und andere britische und europäische Hits.
1890er und frühe 1900er JahreBearbeiten
Charles H. Hoyts „A Trip to Chinatown“ (1891) wurde zum Dauerbrenner am Broadway und hielt die Bühne für 657 Vorstellungen. Dies sollte bis zu Irene im Jahr 1919 nicht mehr übertroffen werden. 1896 gründeten die Theaterbesitzer Marc Klaw und A. L. Erlanger das Theatrical Syndicate, das in den nächsten sechzehn Jahren fast jedes legale Theater in den USA kontrollierte. Jahrhunderts etablierte sich der Off-Broadway.
A Trip to Coontown (1898) war die erste Musikkomödie, die vollständig von Afroamerikanern in einem Broadway-Theater produziert und aufgeführt wurde (weitgehend inspiriert von den Routinen der Minstrel-Shows), gefolgt von dem Ragtime-Stück Clorindy: The Origin of the Cakewalk (1898) und dem sehr erfolgreichen In Dahomey (1902). In den 1890er und frühen 1900er Jahren wurden am Broadway Hunderte von musikalischen Komödien aufgeführt, die aus Liedern bestanden, die in der New Yorker Tin Pan Alley geschrieben wurden, und an denen Komponisten wie Gus Edwards, John Walter Bratton und George M. Cohan beteiligt waren (Little Johnny Jones (1904), 45 Minutes From Broadway (1906) und George Washington Jr. (1906)). Dennoch waren die Laufzeiten in New York bis zum Ersten Weltkrieg mit wenigen Ausnahmen relativ kurz im Vergleich zu denen in London.
Ein paar sehr erfolgreiche britische Musicals feierten in New York weiterhin große Erfolge, darunter Florodora (1900-01).
1900-1925Bearbeitung
In den ersten Jahren des 20, Jahrhunderts kamen zu den Übersetzungen beliebter kontinentaler Operetten des späten 19. Jahrhunderts die „Princess Theatre“-Shows der 1910er Jahre von Autoren wie P. G. Wodehouse, Guy Bolton und Harry B. Smith. Victor Herbert, dessen Werk einige intime musikalische Stücke mit modernen Schauplätzen sowie eine Reihe berühmter Operetten (The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) und Naughty Marietta (1910)) umfasste.
Angefangen mit The Red Mill installierten die Broadway-Shows elektrische Schilder vor den Theatern. Da farbige Glühbirnen zu schnell ausbrannten, wurden weiße Lichter verwendet, und der Broadway erhielt den Spitznamen „The Great White Way“. Im August 1919 forderte die Actors‘ Equity Association einen Standardvertrag für alle professionellen Produktionen. Nachdem ein Streik alle Theater lahmgelegt hatte, waren die Produzenten gezwungen, zuzustimmen. In den 1920er Jahren übernahmen die Shubert Brothers die Mehrheit der Theater vom Erlanger Syndikat.
In dieser Zeit wurde das Stück Lightnin‘ von Winchell Smith und Frank Bacon die erste Broadway-Show, die 700 Vorstellungen erreichte. Von da an sollte es die erste Show werden, die 1.000 Vorstellungen erreichte. Lightnin‘ war die am längsten laufende Broadway-Show, bis sie 1925 von Abie’s Irish Rose überholt wurde.
Konkurrenz zu KinofilmenBearbeiten
Der Kinofilm stellte eine Herausforderung für die Bühne dar. Zunächst waren die Filme stumm und stellten nur eine begrenzte Konkurrenz dar. Ende der 1920er Jahre wurden Filme wie The Jazz Singer mit synchronisiertem Ton präsentiert, und Kritiker fragten sich, ob das Kino das Live-Theater ganz ersetzen würde. Während das Live-Varieté nicht mit diesen preiswerten Filmen konkurrieren konnte, in denen Vaudeville-Stars und große Komiker der Zeit auftraten, überlebten andere Theater. Die Musicals der Roaring Twenties, die Anleihen beim Vaudeville, der Music Hall und anderen Unterhaltungsformen machten, neigten dazu, die Handlung zu vernachlässigen und stattdessen Starschauspieler und -schauspielerinnen, große Tanzeinlagen und populäre Lieder in den Vordergrund zu stellen. Florenz Ziegfeld produzierte jährlich spektakuläre Song-and-Dance-Revuen am Broadway mit extravaganten Bühnenbildern und aufwändigen Kostümen, aber es gab wenig, was die verschiedenen Nummern miteinander verband. Typisch für die 1920er Jahre waren leichtherzige Produktionen wie Sally; Lady Be Good; Sunny; No, No, Nanette; Harlem; Oh, Kay! und Funny Face. Ihre Bücher mögen vergesslich gewesen sein, aber sie brachten dauerhafte Standards hervor, u. a. von George Gershwin, Cole Porter, Jerome Kern, Vincent Youmans und Rodgers and Hart, und Noël Coward, Sigmund Romberg und Rudolf Friml setzten die Linie von Victor Herbert fort. Das Live-Theater hat die Erfindung des Kinos überlebt.
Zwischen den Kriegen
Diese vergleichsweise frivolen Unterhaltungen hinter sich lassend und das Drama einen Schritt vorwärts bringend, wurde Show Boat am 27. Dezember 1927 im Ziegfeld-Theater uraufgeführt. Es stellte eine vollständige Integration von Buch und Partitur dar, wobei die dramatischen Themen, die durch die Musik, die Dialoge, das Setting und die Bewegung erzählt wurden, nahtloser als in früheren Musicals miteinander verwoben wurden. Es lief in 572 Vorstellungen.
Die 1920er Jahre brachten auch ein neues Zeitalter amerikanischer Dramatiker mit dem Aufkommen von Eugene O’Neill hervor, dessen Stücke Beyond the Horizon, Anna Christie, The Hairy Ape, Strange Interlude, und Mourning Becomes Electra bewiesen, dass es ein Publikum für ernsthafte Dramen am Broadway gab, und O’Neills Erfolg ebnete den Weg für bedeutende Dramatiker wie Elmer Rice, Maxwell Anderson, Robert E. Sherwood, Clifford Odets, Tennessee Williams und Arthur Miller, sowie Komödienautoren wie George S. Kaufman und Moss Hart. Auch Wiederaufführungen von Klassikern waren bei den Broadway-Besuchern beliebt, insbesondere John Barrymore in Hamlet und Richard III, John Gielgud in Hamlet, The Importance of Being Earnest und Much Ado About Nothing, Walter Hampden und José Ferrer in Cyrano de Bergerac, Paul Robeson und Ferrer in Othello, Maurice Evans in Richard II und den Stücken von George Bernard Shaw sowie Katharine Cornell in Stücken wie Romeo und Julia, Antony and Cleopatra und Candida.
Als sich der Zweite Weltkrieg näherte, thematisierten ein Dutzend Broadway-Dramen den Aufstieg des Nazismus in Europa und die Frage der amerikanischen Nichteinmischung. Das erfolgreichste war Lillian Hellmans Watch on the Rhine, das im April 1941 Premiere hatte.
1943-1970Edit
Nach den mageren Jahren der Großen Depression begann für das Broadway-Theater ein goldenes Zeitalter mit dem Blockbuster-Hit Oklahoma! von 1943, der 2.212 Vorstellungen erlebte. In John Kenricks Schriften über Broadway-Musicals heißt es: „Jede Saison schickten neue Bühnenmusicals die Songs an die Spitze der Charts. Die öffentliche Nachfrage, eine boomende Wirtschaft und reichlich kreatives Talent hielten den Broadway in Schwung. Bis zum heutigen Tag bilden die Shows der 1950er Jahre den Kern des Musiktheaterrepertoires.“ Kenrick merkt an, dass „die späten 1960er Jahre eine Zeit des kulturellen Umbruchs markierten. Die Veränderungen sollten sich für viele als schmerzhaft erweisen – sowohl für diejenigen hinter den Kulissen als auch für die Zuschauer.“ Über die 1970er Jahre schreibt Kenrick: „Gerade als es schien, dass traditionelle Buchmusicals wieder in Mode waren, endete das Jahrzehnt mit gemischten Signalen der Kritiker und des Publikums.“
Ken Bloom beobachtete, dass „die 1960er und 1970er Jahre eine Verschlechterung des Gebiets und einen Rückgang der Anzahl von legitimen Shows, die am Broadway produziert wurden, sahen.“ Zum Vergleich: In der Saison 1950 bis 1951 (Mai bis Mai) eröffneten 94 Produktionen am Broadway; in der Saison 1969 bis 1970 (Juni bis Mai) waren es 59 Produktionen (fünfzehn waren Wiederaufnahmen). In den zwanziger Jahren gab es 70-80 Theater, aber 1969 waren es nur noch 36.
Aus den 1980er Jahren
Anfang 1982 führte Joe Papp, der Theaterproduzent und Regisseur, der das Public Theater gegründet hatte, die Kampagne „Save the Theatres“ an. Es handelte sich um eine gemeinnützige Gruppe, die von der Gewerkschaft Actors Equity unterstützt wurde, um die Theatergebäude in der Nachbarschaft vor dem Abriss durch monetäre Entwicklungsinteressen in Manhattan zu retten. Papp stellte Ressourcen zur Verfügung, rekrutierte einen Publizisten und berühmte Schauspieler und stellte Audio-, Beleuchtungs- und Technik-Crews für die Bemühungen zur Verfügung.
Auf Papps Betreiben wurde im Juli 1982 ein Gesetzentwurf im 97. Kongress eingebracht, mit dem Titel „H.R.6885, A bill to designate the Broadway/Times Square Theatre District in the City of New York as a national historic site“. Die Gesetzgebung hätte der Stadt bestimmte Ressourcen und Unterstützung der US-Regierung zur Verfügung gestellt, um das Viertel zu erhalten. Angesichts des starken Widerstands und der Lobbyarbeit der Regierung von Bürgermeister Ed Koch und der Interessen der Unternehmen zur Entwicklung von Manhattan wurde das Gesetz nicht verabschiedet. Die „Save the Theatres“-Kampagne wandte sich daraufhin der Unterstützung der Einrichtung des Theater Districts als eingetragener historischer Bezirk zu. Im Dezember 1983 erstellte „Save the Theatres“ den „The Broadway Theater District, a Preservation Development and Management Plan“ und forderte, dass jedes Theater im Distrikt unter Denkmalschutz gestellt wird. Bürgermeister Ed Koch reagierte schließlich mit der Gründung eines Theater Advisory Council, dem auch Papp angehörte.
COVID-19-Pandemie
Als Folge der COVID-19-Pandemie schlossen die Broadway-Theater am 12. März 2020 und machten 16 Shows dicht, die gerade spielten oder kurz vor der Premiere standen. Die Schließung wurde zunächst auf April, dann auf Mai, dann auf Juni, dann auf September 2020 und Januar 2021, und später auf den 1. Juni 2021 verlängert. Die 74. Tony Awards wurden ebenfalls verschoben und sollten praktisch später im Jahr 2020 stattfinden, aber es wurde nichts Neues bekannt gegeben, nachdem die Tony-Nominierungen am 15. Oktober 2020 von James Monroe Iglehart bekannt gegeben wurden.