Sublime Landschaftsgemälde gehören zu den theatralischsten und emotionalsten Sujets der Kunstgeschichte und vereinen Schönheit, Dramatik und Verwüstung in gleichem Maße. Der Begriff „erhaben“ wurde 1757 von dem Philosophen Edmund Burke in A Philosophical Enquiry into the Origin of Our Ideas of the Sublime and Beautiful als Schönheit definiert, die mit einem gewissen Extra, einer gewissen Gefahr, Furcht oder Schrecken, geschnürt ist, oder wie er es nannte: „alles, was in irgendeiner Weise furchtbar ist oder mit furchtbaren Gegenständen in Verbindung steht oder in einer dem Schrecken ähnlichen Weise wirkt.“ Burke nannte das Erhabene auch nicht weniger als die mächtigste Emotion, die der Geist empfinden kann – kein Wunder, dass sich Künstler diesen Stil gerne zu eigen machten!
Erhabene Landschaftsmalerei im Laufe der Geschichte
Obwohl der Begriff des Erhabenen verschiedene Sujets beschreiben kann, gehören erhabene Landschaftsgemälde zu den dauerhaftesten und fesselndsten von allen. Schon vor Burkes berühmtem Text haben Maler seit dem Mittelalter wirbelnde Gewitterwolken, scharfe Felswände und zerklüftete, schneebedeckte Berge in Szene gesetzt, um dem gefesselten Publikum ein überwältigendes Staunen und Entsetzen zu vermitteln. Lassen Sie uns in einige der ehrfurchtgebietendsten, erhabensten Landschaftsgemälde aller Zeiten eintauchen, von der Renaissance bis zur modernen und zeitgenössischen Zeit.
1. Pieter Brueghel der Ältere, Landschaft mit der Flucht nach Ägypten, 1563
Pieter Brueghel der Ältere, Landschaft mit der Flucht nach Ägypten, 1563, ist ein typisches Beispiel für die erhabene Landschaftsmalerei der nördlichen Renaissance, die eine atemberaubende Landschaft mit einer religiösen Erzählung verbindet. Die winzigen Figuren von Maria und Joseph wanken entlang einer gefährlichen Felswand im Vordergrund, auf der Flucht vor der Verfolgung in Bethlehem. Die Szenerie ist eng mit ihrer Geschichte verbunden, da die blasse, ferne Landschaft das vertraute Land repräsentiert, das sie hinter sich lassen, während der dunkle, ahnungsvolle Vordergrund, auf den sie zusteuern, von der Dunkelheit und Gefahr des Unbekannten umhüllt ist. Breughel versuchte, Bereiche der Stille und Bewegung innerhalb dieses einen Bildes zu kontrastieren, indem er die Felsen und Berge als eine stetige und unbewegliche Konstante malte, im Vergleich zu der ständig fließenden Bewegung von Wasser, Menschen und Vögeln. Dieses Gleichgewicht der Gegensätze zwischen Dunkelheit/Licht, Zerbrechlichkeit/Beständigkeit und Stille/Bewegung ist der Grund, warum dieses erhabene Landschaftsgemälde zu einem der dauerhaftesten Bilder aller Zeiten geworden ist.
2. Philip James De Loutherbourg, Eine Lawine in den Alpen, 1803
Der in Großbritannien lebende und in Frankreich geborene Philip James De Loutherbourg malte An Avalanche in the Alps im Jahr 1803, zu einer Zeit, als die malerischen und doch gefährlichen französischen Alpen eine zunehmend beliebte Verkörperung der erhabenen Landschaft waren. De Loutherbourg arbeitete nicht nur als Maler, sondern auch als Bühnenbildner für das Theater, eine Rolle, die es ihm ermöglichte, seinen Gemälden durch starke Beleuchtung, Tiefe und Bewegung eine überwältigende Dramatik zu verleihen. Hier beginnen die fernen französischen Berge in eine Lawine zu zerbröckeln, die erschreckend große Wolken aus wogendem Staub und Rauch über die Szene wirft und den Himmel darüber verdunkelt. Ein weißer Lichtblitz in der Mitte lenkt den Blick auf die winzigen, verängstigten Schaulustigen, die angesichts der herabstürzenden Felsen um sie herum winzig sind und bald von den Urgewalten der Natur zerstört werden.
3. Joseph Mallord William Turner, Snow Storm: Hannibal und seine Armee bei der Überquerung der Alpen, 1812
J.M.W. Turners Schneesturm: Hannibal and his Army Crossing the Alps, 1812, verkörpert die quälende Schönheit der Romantik mit monströsen, sich wölbenden Gewitterwolken, die sich über die kleinen Menschen unter ihnen erheben. Das Gemälde ist Hannibal Barca gewidmet, dem Befehlshaber der karthagischen Armee in den Jahren 200-100 v. Chr. Es zeigt Hannibals Soldaten, die 218 v. Chr. versuchen, die Alpen zu überqueren, wobei salassische Stammesangehörige gegen Hannibals Nachhut kämpfen. Hier wird der Sturm zu einer starken Metapher für den lebensbedrohlichen Kampf, da schwarze, wütende Wolken einen furchterregenden, wirbelnden Strudel bilden, der sich gegen die winzigen, hilflosen Soldaten drängt. In der Ferne ist die Sonne eine glühende Kugel aus hypnotisierendem Licht, ein Hoffnungsschimmer inmitten der Tragödie des Krieges. Doch jenseits narrativer Bezüge ist diese erhabene Landschaft Turners letztlich eine Reflexion über die schiere, zerstörerische Brutalität der Natur, die die Menschen unter sich zu verschlingen droht.
4. Caspar David Friedrich, Wanderer über dem Meeresnebel, 1817
Eines der ikonischsten und erhabensten Landschaftsgemälde aller Zeiten, Caspar David Friedrichs Wanderer über dem Seenebel, 1817, verkörpert den träumerisch-idealistischen Geist der europäischen Romantik. Einsam auf einem hohen, dunklen Felsen stehend, sinniert eine einsame Gestalt über ihren Platz im Universum, während Nebelschwaden über den fernen Tälern und Bergen dahinter wabern. Friedrich stellt die erhabene Landschaft hier als unwirtliches und unerkennbares Terrain dar und spiegelt damit die Faszination des neunzehnten Jahrhunderts für die wilde, ungezügelte Natur wider. Jahrhunderts widerspiegelt.
Im Gegensatz zu anderen Künstlern der Epoche, die dazu neigten, kleine Figuren zu schaffen, um die Größe der Landschaft zu betonen, gibt Friedrich seiner Figur eine zentrale Rolle, aber wenn man sie von hinten sieht, behält sie ihre Anonymität als abstrakter „Wanderer“, der als Symbol für alle sehnsüchtigen Träumer des 19.Jahrhunderts und darüber hinaus dient. Jahrhunderts und darüber hinaus. Die Szene ist eine imaginäre Aufnahme der deutschen Gebirgslandschaft; um solche mystischen Orte zu schaffen, suchte Friedrich nach innen und schrieb: „Schließe dein physisches Auge, damit du dein Bild zuerst mit dem geistigen Auge sehen kannst. Dann bringe das, was du im Dunkeln gesehen hast, ins Licht, damit es von außen nach innen leuchtend auf andere wirken kann.“
5. Karl Eduard Biermann, Das Wetterhorn, 1830
Karl Eduard Biermanns Das Wetterhorn, 1830, verkörpert die erhabene Landschaftsmalerei des deutschen Malers mit einem weiten, zerklüfteten Gelände inmitten einer dramatischen, theatralischen Beleuchtung. Der zerklüftete Vordergrund ist sorgfältig in satten, dunklen Grün- und Brauntönen gemalt und führt uns zu einem Band aus Bäumen und Felsen, die in schwarzen Schatten verschwinden. Im Hintergrund wird ein epischer Gebirgszug von einem Sonnenstrahl beleuchtet, der seine eisigen, spitzen Spitzen als einen mystischen und unerreichbaren Ort hervorhebt, während Wolken über dem Bild schweben, als ob sie drohen, in einen Sturm auszubrechen. Wie viele Maler der Romantik unterstreicht Biermann die Ehrfurcht, das Staunen und das erschreckende Ausmaß der Szene, indem er zwei winzige Figuren in den Vordergrund stellt, die uns erlauben, uns selbst inmitten der Szene vorzustellen. Sie versuchen, über unebene Felsen und sumpfiges Gras zu klettern, während ein wütender Wasserfall an ihnen vorbeirauscht und das Licht wie ein Blitz einfängt, der ihre gefährliche Reise auseinanderreißt.
6. Arnold Bocklin, Die Toteninsel, 1880
Eines der eindringlichsten und erhabensten Landschaftsgemälde, das je gemalt wurde, ist die Toteninsel des deutschen Malers Arnold Bocklin von 1880, die eine imaginäre Insel darstellt, die sich vor einem dunklen, grüblerischen Himmel aus dem Meer erhebt. Das Gemälde wurde von der kürzlich verwitweten Marie Berna in Auftrag gegeben, die sich nur „ein Bild zum Träumen“ wünschte. Um ihrer Bitte nachzukommen, versah Bocklin sein Bild mit Anspielungen auf Tod und Trauer. Im Vordergrund wird eine geisterhafte weiße Gestalt auf einem kleinen Ruderboot neben einem sargähnlichen Gegenstand auf die Insel zugesteuert. Der Ruderer wurde mit der altgriechischen Figur des Charon, dem Bootsmann, verglichen, der die Seelen der Toten über den Fluss Styx zum Hades brachte. Die Insel ist gesäumt von Reihen bedrohlich dunkler Zypressen, die traditionell mit Friedhöfen assoziiert werden, während die zerklüfteten, glühenden Felsen dahinter mit sepulkralen Türen und Fenstern versehen sind. Im Gegensatz zu vielen erhabenen Landschaften durchdringt gespenstische Stille die Szene und verleiht ihr eine unheimliche Stille; Bocklin selbst beschrieb das Werk sogar als „so still, dass man sich erschrecken würde, wenn es an der Tür klopft.“
7. Edvard Munch, Weiße Nacht, 1901
Edvard Munch schuf Weiße Nacht, 1901, in seiner späteren Karriere, zu einer Zeit, als er die Figuration zugunsten atmosphärischer Landschaften aufgegeben hatte, aber die gleiche durchdringende Unruhe seiner früheren Kunst blieb. Dieses erhabene Landschaftsgemälde zeigt seine Heimat Norwegen im tiefsten Winter, mit Blick über bedrohlich dunkle Bäume auf einen zugefrorenen Fjord. Ein Fichtenwald bildet eine zackige Kante, scharf wie eine Sägekante, eine Warnung vor dem gefährlichen Eis dahinter. Schwarze Bäume im Vordergrund deuten Gesichter oder Phantomgestalten an, die aber unter dem Mantel der Nacht kaum zu erkennen sind. Indem er das gleißende Mondlicht mit diesen Qualitäten von Gefahr und Bedrohung kombiniert, fängt Munchs nächtliche Winterszene die erhabene Schönheit des norwegischen Winters ein. Über die Art und Weise, wie seine Landschaftsszenen Beobachtungen mit dem inneren Geist verschmelzen konnten, schrieb Munch: „Die Natur ist nicht nur alles, was für das Auge sichtbar ist… sie beinhaltet auch die inneren Bilder der Seele.“
8. Akseli Gallen-Kallela, Lake Keitele, 1904
Askeli Gallen-Kallelas Lake Keitele, 1904, zeigt den berühmten finnischen See als einen hypnotisierenden Lichtspiegel, der von zickzackförmigen Windströmen durchzogen ist. Das Gemälde entstand zu einer Zeit, als in ganz Finnland ein wachsender Wunsch nach Unabhängigkeit zu spüren war. Dieses erhabene Landschaftsgemälde, das die große unberührte Wildnis des Landes feiert, wurde zu einem starken Symbol für finnischen Nationalismus und Stolz. Obwohl es keine Anzeichen von menschlichem Leben gibt, waren die natürlichen Bewegungsströme, die man durch das Wasser laufen sieht, ein bekanntes Merkmal des Sees. Diese Bewegungsschlieren waren historisch so bekannt, dass sie in der alten finnischen Kultur mit der mythologischen Figur des Väinämöinen in Verbindung gebracht wurden, von dem es hieß, dass er Wellen hinterließ, wenn er über den See reiste. Diese subtilen Darstellungen der Bewegung besaßen für Gallen-Kallela eine große nationalistische Symbolik, die die geheimnisvolle und rätselhafte Schönheit der alten finnischen Kultur und ihre enge Verbundenheit mit dem Land feierte. Er beschrieb sie als „silberne Streifen auf der Oberfläche des ruhigen Wassers sind die Wellen, die die kommende Leidenschaft ankündigen.“
9. Thomas Moran, Der Grand Canyon des Colorado, 1904
In Thomas Morans The Grand Canyon of the Colorado, 1904, wird die enorme Weite dieses berühmten Nationalparks in einem riesigen, panoramischen Maßstab von sieben mal zehn Fuß vermittelt. Der amerikanische Maler Moran, ein führender Vertreter der Hudson-River- und der Rocky-Mountain-Schule, war von der gefährlichen Schönheit der unberührten Landschaft des Colorado so fasziniert, dass er tief in eine Landschaft eintauchte, in die sich vor ihm nur wenige gewagt hatten, und mehr als dreißig Szenen malte, die diese einzigartige, erhabene Landschaft festhielten. Er beobachtete mit Faszination die große Weite, die hinter ihm lag, und schrieb: „Seine gewaltige Architektur erfüllt einen mit Staunen und Bewunderung, und seine Farben, Formen und Atmosphäre sind so hinreißend schön, dass sich einem, wie weit gereist man auch sein mag, eine neue Welt eröffnet, wenn man in den Grand Canyon blickt.“
Diese Szene vermittelt eine idealisierte und romantisierte Vision des Grand Canyon, wenn scharfe Felsen in das Licht fallen und wieder verschwinden, bevor sie am fernen Horizont verschwinden, während sich ein herannahender Sturm über dem Kopf zusammenbraut. Das Publikum war von Morans Darstellungen der großen amerikanischen Wildnis so geblendet, dass man ihm heute zuschreibt, die Schaffung des Nationalparksystems beeinflusst zu haben, das die Integrität von Amerikas erhabener Landschaft bewahrt hat.
10. Peter Doig, Ski Jacket, 1994
Die Skijacke des schottischen Malers Peter Doig, 1994, ist ein Wirbel aus schneebedeckter Energie und Bewegung. Basierend auf einem fotografischen Bild mit lernenden Skifahrern, die über einen japanischen Berg verstreut sind, verzerrt und stört Doig das Originalbild absichtlich, indem er es in der Mitte in zwei Teile zerschneidet und wieder zusammensetzt, um einen unheimlichen gespiegelten Rorschach-Effekt zu erzeugen. Doig ist dafür bekannt, dass er fotografisches Material mit malerischen Zeichen verschmilzt und die beiden gegensätzlichen Stile gegeneinander ausspielen lässt, wie in diesem Bild zu sehen ist, in dem sorgfältig gemalte Bäume von locker geschichteten Lavierungen in Rosa, Weiß und Grün umgeben sind. Diese wässrigen Farbschichten suggerieren die kalten, glitschigen Eigenschaften von Eis und Schnee, die das Bild durchdringen und ihm eine gefährliche Ungewissheit verleihen, die die Angst der winzigen Skifahrer, die gegen das tückisch steile Gelände um sie herum kämpfen, noch verstärkt.
Legacy Of Sublime Landscape Painting
Das Erhabene wurde im 19. Jahrhundert für „veraltet“ erklärt und verblasste zugunsten des französischen Impressionismus. Die erhabene Landschaftsmalerei erlebte jedoch im 20. Jahrhundert ein Comeback, als die abstrakten Expressionisten dieselben existenzialistischen, transzendenten Themen in ihrer Malerei erforschten. Künstler wie Mark Rothko, Clyfford Still und Robert Smithson haben alle Elemente des Erhabenen in ihren Werken verwendet.