Andere Projekte und Schriften
Als die Medici 1530 zurückkehrten, kehrte Michelangelo zurück, um an ihren Familiengräbern zu arbeiten. Sein politisches Engagement galt wohl eher der Stadt als solcher als einer bestimmten Regierungsform. Zwei separate Projekte von Statuen aus dieser Zeit sind der Apollo oder David (seine Identität ist problematisch), der als Geschenk für eine neu mächtige politische Figur gedacht war, und der Sieg, eine Figur, die einen besiegten Feind, einen alten Mann, zertritt. Wahrscheinlich war es für das nie vergessene Grabmal von Papst Julius bestimmt, denn das Motiv war in den Plänen für dieses Grabmal vorhanden gewesen. Sieger und Verlierer haben beide äußerst komplizierte Posen; der Verlierer wirkt wie in einen Block gepackt, der Sieger bildet – wie der Apoll – eine geschmeidige Spirale. Die Victory-Gruppe wurde zum Lieblingsmodell für jüngere Bildhauer der manieristischen Gruppe, die die Formel auf viele allegorische Themen anwandten.
Im Jahr 1534 verließ Michelangelo Florenz zum letzten Mal, obwohl er immer hoffte, zurückzukehren, um die Projekte zu beenden, die er unvollendet gelassen hatte. Er verbrachte den Rest seines Lebens in Rom und arbeitete an Projekten, die in einigen Fällen ebenso großartig, in den meisten Fällen aber von ganz neuer Art waren. Aus dieser Zeit ist eine große Anzahl seiner Briefe an seine Familie in Florenz erhalten; viele von ihnen befassen sich mit Plänen für die Heirat seines Neffen, die für die Erhaltung des Familiennamens unerlässlich war. Michelangelos Vater war 1531 gestorben und sein Lieblingsbruder etwa zur gleichen Zeit; er selbst zeigte sich zunehmend besorgt über sein Alter und seinen Tod. Gerade zu dieser Zeit schrieb der fast 60-jährige Künstler Briefe, in denen er starke Gefühle der Verbundenheit mit jungen Männern ausdrückte, vor allem mit dem talentierten Aristokraten Tommaso Cavalieri, der später in der römischen Bürgerschaft aktiv war. Diese wurden natürlich als Hinweise darauf interpretiert, dass Michelangelo schwul war, aber seine sexuelle Orientierung kann nicht bestätigt werden, da keine ähnlichen Hinweise auftauchten, als der Künstler jünger war. Die Korrelation dieser Briefe mit anderen Ereignissen könnte darauf hindeuten, dass er einen Ersatzsohn suchte und zu diesem Zweck einen jüngeren Mann wählte, der in jeder Hinsicht bewundernswert war und die Rolle willkommen heißen würde.
Michelangelos Poesie ist ebenfalls in Menge aus dieser Zeit erhalten. Er begann offenbar, kurze Gedichte zu schreiben, wie es unter Laien in dieser Zeit üblich war, als eine Art eleganter Brief, entwickelte sich aber zu einer originelleren und ausdrucksvolleren Form. Unter den etwa 300 erhaltenen Gedichten, die Fragmente von ein oder zwei Zeilen nicht mitgerechnet, befinden sich etwa 75 fertige Sonette und etwa 95 fertige Madrigale, Gedichte von etwa gleicher Länge wie Sonette, aber von lockererem formalen Aufbau. In englischsprachigen Ländern neigt man dazu, von „Michelangelos Sonetten“ zu sprechen, als ob alle seine Gedichte in dieser Form geschrieben wären, zum Teil, weil die Sonette in englischen Übersetzungen aus der viktorianischen Zeit weit verbreitet waren und zum Teil, weil das Madrigal in der englischen Dichtung unbekannt ist. (Es ist nicht die Art von Lied, die in der elisabethanischen Musik bekannt ist, sondern ein Gedicht mit unregelmäßigem Reimschema, Zeilenlänge und Zeilenzahl.) Doch die Tatsache, dass Michelangelo eine große Anzahl von Sonetten, aber nur sehr wenige Madrigale unvollendet ließ, deutet darauf hin, dass er die letztere Form bevorzugte. Diejenigen, die bis etwa 1545 geschrieben wurden, haben Themen, die auf der Tradition von Petrarca’s Liebesgedichten und einer Philosophie basieren, die auf dem Neoplatonismus beruht, den Michelangelo als Junge am Hof von Lorenzo dem Prächtigen aufgesogen hatte. Sie bringen das Thema zum Ausdruck, dass die Liebe dem Menschen in seinem schwierigen Bemühen, zum Göttlichen aufzusteigen, hilft.
Im Jahr 1534 kehrte Michelangelo nach einem Vierteljahrhundert zur Freskomalerei zurück und schuf für den neuen Papst Paul III. das riesige Jüngste Gericht für die Stirnwand der Sixtinischen Kapelle. Dieses Thema war im Mittelalter und bis etwa 1500 ein beliebtes Thema für große Stirnwände von Kirchen in Italien gewesen, danach war es aus der Mode gekommen. Es wird oft vermutet, dass diese Erneuerung einer frommen Tradition von denselben Impulsen ausging, die damals zur Gegenreformation unter der Ägide von Paul III. führten. Das Werk ist in einem Malstil gehalten, der sich merklich von dem der 25 Jahre zuvor unterscheidet. Die Farbgebung ist schlichter als die der Decke: Fleischtöne vor einem strahlend blauen Himmel. Die Figuren haben weniger Energie und ihre Formen sind weniger artikuliert, die Torsi neigen dazu, einzelne fleischige Massen ohne Taille zu sein. Oben in der Mitte hebt Christus als Richter – umgeben von einer Schar von Aposteln, Heiligen, Patriarchen und Märtyrern – einen Arm, um die zu seiner Rechten zu retten, und lässt den anderen Arm fallen, um die zu seiner Linken zu verdammen, was im Idiom der Epoche an eine Waage erinnert, auf der die Menschen gewogen werden. Die geretteten Seelen erheben sich langsam durch die schwere Luft, während die verdammten sinken. Am unteren Ende der Wand steigen Skelette aus den Gräbern, ein Motiv, das direkt aus mittelalterlichen Vorbildern übernommen wurde. Rechts überquert Charon die Seelen über den Fluss Styx, ein heidnisches Motiv, das Dante in seiner Göttlichen Komödie für die Christen akzeptabel gemacht hatte und das um 1500 von dem umbrischen Künstler Luca Signorelli in die Malerei eingeführt worden war. Michelangelo bewunderte diesen Künstler für seine Fähigkeit, dramatische Gefühle durch anatomische Exaktheit auszudrücken. Das Jüngste Gericht, konzipiert als eine einzige, einheitliche, grandiose Szene ohne architektonische Elemente, die den Raum unterteilen und definieren, ist durchdrungen von einem Gefühl der dynamischen Intensität, die sich aus den emotionalen Gesten und Ausdrücken der Verurteilten ergibt.