Velázquez‘ Kunst
In seiner frühen Periode (1618-1623) malte Velázquez Porträts sowie Genre- und religiöse Themen in einem von der Kunst Caravaggios beeinflussten Realismus mit scharfen Hell-Dunkel-Kontrasten und häufig mit einem schweren Impasto. Man hat Velázquez zu Unrecht einen Mangel an religiöser Überzeugung unterstellt, weil er ein religiöses Thema in einer scheinbar beiläufigen Beziehung zu einer alltäglichen, zeitgenössischen Szene behandelte. Im Gegenteil, dies war ein sorgfältig geplanter Kunstgriff, der dem Rat des heiligen Ignatius von Loyola entsprach, dass man, um jemanden vom Glauben zu überzeugen, dort beginnen sollte, wo er ist, und nicht dort, wo man ihn gerne hätte.
Christus im Haus von Maria und Martha (ca. 1619-1620) ist ein Beispiel dafür. Im Vordergrund arbeitet ein missmutiges junges Küchenmädchen hinter einem Tisch, während eine freundliche alte Frau sie auf die kleine Szene im rechten Hintergrund aufmerksam macht, die zeigt, wie Christus Martha ermahnt, während Maria zufrieden zu seinen Füßen sitzt. Nachdem Martha sich bei Christus darüber beschwert hatte, dass sie die ganze Arbeit macht, während ihre Schwester einfach nur sitzt, antwortete Christus, dass Maria den besseren Teil gewählt hat, der ihr nicht genommen wird (Lukas 10:38-42). Diese biblische Begebenheit ist als Rechtfertigung für das kontemplative Leben einer Nonne angeführt worden. Es scheint also, dass die alte Frau die Küchenmagd an die Wahl erinnert, die ihr offensteht, wenn sie in der aktiven Rolle keine Zufriedenheit findet.
Bezeichnenderweise streiten sich die Kunsthistoriker darüber, ob es sich bei der winzigen Szene des Titels um ein Wandgemälde, eine Spiegelung oder eine tatsächliche Szene handelt, die durch eine Öffnung in der Wand betrachtet wird. Diese Zweideutigkeit ist der Kern von Velázquez‘ Absicht, die Zeitlosigkeit der Botschaft Christi zu verkünden. Das Gemälde veranschaulicht auch eine Konstante in seiner Kunst, ganz gleich, ob es sich um eine religiöse, genrehafte, mythologische oder historische Szene oder einfach um ein Porträt handelt: seine Kunst erfordert eine aufmerksame Betrachtung, die mit einem Einblick in die tiefe, spirituelle Empathie belohnt wird, die der Künstler für sein Thema oder sein individuelles Modell hatte.
Velázquez wurde von Ovids Metamorphosen inspiriert, den Triumph des Bacchus (Die Trunkenen; 1628-1629) zu malen, aber er vertrat eine im 17. Jahrhundert übliche Sichtweise auf die Mythologie, die das Wirken heidnischer Gottheiten als weniger göttlich und das Verhalten der Menschen unter ihrem Einfluss als weniger christlich ansah. So ist sein Bacchus ein gefühlloser, übergewichtiger Jüngling mit schlaffen Muskeln; die betrunkenen Landbewohner sind Possenreißer. Velázquez zeigt seine Moral auf der rechten Seite, wo ein Bettler von einem der Bacchanten mit falschem Bedauern abgewiesen wird. Mars (1639-1642) veranlasste im 19. Jahrhundert einen Engländer zu dem Ausruf: „Why, he’s nothing but an undressed bobby .“ Er verstand unwissentlich Velázquez‘ Absicht, den Ruhm des Krieges zu entlarven.
Viele von Velázquez‘ Werken weisen Pentimenti auf, das heißt Veränderungen, die entweder zum Zeitpunkt der Ausführung oder viel später vorgenommen wurden. Offenbar fertigte er nur wenige vorbereitende Skizzen an und suchte lieber auf der Leinwand selbst nach der richtigen Form, der sensiblen Harmonie der Farben, der Streuung des Lichts in einem luftigen Raum und der Synthese des Ganzen. Im Laufe der Jahre wurde sein Pinselstrich impressionistischer, sein Pigment flüssiger und seine Oberflächen glänzender, und er vereinfachte seine Kompositionen, indem er das Helldunkel abschwächte. Schließlich wurde seine Fähigkeit, das Göttliche zu enthüllen – die Zerbrechlichkeit der Kindheit, wie im Porträt des Prinzen Philipp Prosper (1659), oder die verletzte Persönlichkeit, wie im Gemälde Philipps IV. (1652-1653) im Prado, oder die Noblesse des Handelns, wie in der berühmten Kapitulation von Breda (1634-1635) – so beredt, dass der Betrachter sofort versteht und mit Velázquez, dem mitfühlenden Ritter, eins wird.