L’un des artistes les plus créatifs et avant-gardistes de notre époque, la profondeur et l’ampleur de la carrière solo de l’ex-frontal de Genesis a englobé la musique du monde, la power-pop énervée, les bandes sonores de films, les hymnes édifiants, l’activisme, l’introspection, et pas quelques grands succès.
Tout simple top dix relèvera toujours des péchés d’omission notables sur une toile aussi large, pourtant voici dix des meilleurs – chacun révélant un aspect différent de la production aux multiples facettes de Peter Gabriel.
10) Sledgehammer (1986)
Toujours défini par sa vidéo et peut-être historiquement entaché par la sursaturation et l’exposition, le premier numéro 1 américain de Gabriel. 1 américain de Gabriel est essentiellement cinq minutes d’allusions au pénis (Big Dipper, Sledgehammer, Train, Bumper Car) et une demande d’être montré » autour de votre fruitcage « . Ce n’est pas exactement ambigu.
Bien que plus léger tonalement que beaucoup de ses autres travaux, la section de cuivres pimpante – le groupe maison du label Stax – ajoute un peu de piquant à un tempo juste du bon côté du boudin.
9) I Don’t Remember (1980)
Se qualifiant lui-même de » pourvoyeur de clichés psychiatriques amateurs « , cette étude sur l’amnésie est un exemple classique de la capacité de Gabriel à écrire une chanson pop assassine shootée dans une bizarrerie déroutante.
Ce n’est pas à un million de kilomètres de David Bowie de la même époque, bien que le refrain soit plus expansif que tout ce qu’il aurait tenté. Fortement traité tout au long et relativement lourd en guitare, il a également un seau de groove conduit par Tony Levin squelchy bass/chapman stick.
8) Shock The Monkey (1982)
Sortie des blocs avec un motif circulaire énervé et troublant, le rythme staccato et syncopé se répète tout au long, apportant une netteté et un sens de l’espace à une petite histoire nerveuse de jalousie vaguement placée dans l’espace-idée des tests sur les animaux.
Grandement repris, les outsiders du nu-metal Coal Chamber l’ont un jour abordé avec Ozzy Osbourne au chant : tout compte fait, on préfère prendre l’ECT.
7) Don’t Give Up (1986)
Présentant la rupture de son mariage, et la douleur des relations – Gabriel : » gérer l’échec est l’une des choses les plus difficiles que nous devons apprendre à faire » – ce duo à la thématique universelle a été initialement proposé à Dolly Parton.
Comme Everybody Hurts de R.E.M, son sujet tout public, exprimé simplement, l’a élevé dans la conscience du grand public. La vidéo – Kate Bush et Gabriel dans une étreinte continue en une seule fois – a encore capitalisé sur la maîtrise du médium qu’il avait conquise avec Sledgehammer plus tôt la même année.
6) San Jacinto (1982)
Comme Solsbury Hill, une autre chanson inspirée par des divagations en pleine nature – cette fois les montagnes bordant Palm Springs – Gabriel examine l’expérience amérindienne dans l’un de ses morceaux les plus évocateurs et les plus expansifs.
Un enregistrement numérique précoce, l’utilisation extensive d’échantillons (sur le Fairlight CMI alors tout nouveau) ajoute des carillons, des rythmes en boucle et des couches profondes et chaudes à une performance largement retenue.
5) The Rhythm Of The Heat (1982)
Souvent utilisé comme ouverture de son set, ce raz-de-marée de batterie inspiré de Jung charrie des territoires loin, très loin de certaines des autres pépites pop de cette liste. De portée et d’ambiance cinématographiques – il a été recyclé dans la bande originale de Birdy – il préfigure à la fois ceci et Passion, sa bande originale de La dernière tentation du Christ.
Moins une chanson, plus un créateur d’ambiance, l’utilisation d’une danse de guerre tribale ghanéenne comme point d’entrée dans l’inconscient collectif est, quelle que soit votre opinion sur ces choses, superlativement efficace.
4) Biko (1980)
La première véritable incursion de Gabriel dans le militantisme et la musique du monde, l’histoire de la mort du militant anti-apartheid Steve Biko en garde à vue en Afrique du Sud, a bouclé la boucle lorsqu’elle a été interprétée lors des célébrations du 70e anniversaire de Nelson Mandela à Wembley, en 1988.
Fusionnant un chant funèbre africain avec des rythmes du monde et, bizarrement, des cornemuses, le poids hymnique de la chanson a résonné dans le monde entier depuis sa sortie ; inspirant Steve Van Zandt, Paul Simon, Joan Baez et Robert Wyatt, sans compter d’innombrables citoyens ordinaires.
3) Jeux Sans Frontières (1980)
Invariablement mal entendu dans les cours de récréation des comprehensive schools britanniques, le refrain français de la chanson – Jeux Sans Frontières – était un défi linguistique, se manifestant parfois par » she’s so funky, yeah ? » et (le plus proche, il est vrai) » she’s so hot, Pierre « .
Sur fond de paranoïa des années 80 ; les jeux de guerre comme jeux d’enfants, la névrose olympique, l’attaque nucléaire, son message austère est renforcé de façon glaçante par la guitare atonale de David Rhodes, dans le style de Fripp, et par l’utilisation la plus sinistre de sifflements dans le rock. Le génie de Gabriel à utiliser la crèche pour nourrir le cauchemar en fait une polémique anti-guerre extrêmement puissante.
2) Red Rain (1986)
Un hymne incroyablement assuré, Gabriel ajoute une métaphore du sida à son embrayage de peurs et d’inquiétudes des années 80. La production inégalée de Daniel Lanois étincelle encore 30 ans plus tard, le pilier de la basse et tout-venant Tony Levin joue hors de sa peau et le charleston de Stewart Copeland (simulant la pluie du titre) est un cours de maître pour batteur.
Les thèmes aqueux pimentent la carrière de Gabriel (Here Comes The Flood, Down The Dolce Vita), et une idée de film jadis en gestation – Mozo – devait raconter l’histoire de villageois punis par une pluie rouge sang, nom mystérieusement référencé dans tous les titres ci-dessus plus On The Air et Exposure.
1) Solsbury Hill (1977)
Aussi aéré et ensoleillé que la balade spirituelle qui l’a inspiré, le premier album post-Genesis de Gabriel laboure un sillon autobiographique atypique, méditant sur la rupture avec le passé et ce que l’avenir pourrait apporter.
Comme pour beaucoup d’artistes de bonne foi, il y a une distance émotionnelle en jeu, se considérant presque lui-même et ses sentiments à la troisième personne. La simplicité de la chanson – relative bien sûr, elle est en temps 7/4 – et son optimisme, l’ont vu perdurer à travers le spectre de la télévision et du cinéma, maintenant fermement établi comme un classique authentique.
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