Les meilleurs lauréats des Oscars de la cinématographie du 21e siècle, classés

La cinématographie est un aspect essentiel de la réalisation de grands films. Sans un directeur de la photographie fort avec un point de vue, un film peut être quelque peu défaillant, même si tous les autres aspects du film tirent sur tous les cylindres. Le film est un support visuel après tout, et une grande cinématographie a le pouvoir de transporter les spectateurs dans un nouveau monde, de les mettre dans la peau d’un personnage, ou même de relayer un thème en utilisant une métaphore visuelle.

L’un des plus grands directeurs de la photographie qui ait jamais vécu est Roger Deakins, dont l’œil naturaliste a apporté des images inoubliables à des films allant de L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford à Skyfall. Après 14 nominations en carrière, Deakins a finalement remporté l’Oscar de la meilleure photographie en 2018 pour son travail exceptionnel sur Blade Runner 2049, et en 2019 Alfonso Cuarón est devenu le premier réalisateur à remporter l’Oscar de la meilleure photographie pour son propre film. Mais comment les anciens lauréats se comparent-ils les uns aux autres ?

Pour le savoir, je me suis lancé et j’ai classé tous les lauréats de l’Oscar de la meilleure photographie du 21e siècle jusqu’à présent, en remontant jusqu’à Tigre et Dragon cachés de 2000. Cette liste est étonnamment variée et il est intéressant de voir comment l’art de la cinématographie a évolué au cours des deux dernières décennies, avec l’arrivée de la photographie numérique. Aucun de ces lauréats n’est « mauvais » en soi, donc j’hésite à dire que nous commençons par le pire, mais voici les 18 lauréats de l’Oscar de la meilleure cinématographie du 21e siècle classés.

20. Mémoires d’une Geisha (2005)

Le travail du directeur de la photographie Dion Beebe ici n’est définitivement pas mauvais, il est juste assez oubliable – un peu comme le film lui-même. Mémoires d’une geisha était la suite du réalisateur Rob Marshall à sa version oscarisée de Chicago, mais le film s’est en quelque sorte évaporé dans l’air. L’utilisation de la lumière par Beebe est la plus remarquable ici, mais ouais, au-delà de ça, celui-ci est juste un peu fin.

Ce qui aurait dû gagner : Le Nouveau Monde – Emmanuel Lubezki

19. Avatar (2009)

OK oui, Avatar est révolutionnaire, mais sur un plan purement cinématographique, le travail de Mauro Fiore ici est juste correct. En réalité, on a l’impression que ce prix récompense davantage la prouesse technique de la capture des performances et des scènes tout en images de synthèse, ce qui est bien, mais si l’on parle de l’art de la photographie ici, les images que Fiore et James Cameron font apparaître sont en fait assez basiques. Encore une fois, cependant, la victoire ici est compréhensible compte tenu de la façon dont ce film a ouvert la voie à la prise de vue des acteurs de performance-capture et des environnements tout-CG.

Ce qui aurait dû gagner : Harry Potter et le Prince de sang-mêlé – Bruno Delbonnel

18. Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000)

Le travail de Peter Pau dans Crouching Tiger, Hidden Dragon est surtout remarquable pour sa fluidité, le réalisateur Ang Lee capturant les cascades de haut vol de ses acteurs. Et c’est cool, beau et soigné, mais en contraste direct avec le travail révolutionnaire de Roger Deakins sur O Brother, Where Art Thou ? qui a expérimenté le processus photochimique pour des résultats stupéfiants, il tombe bien, bien court.

Ce qui aurait dû gagner : O Brother, Where Art Thou ?

17. Master and Commander : The Far Side of the World (2003)

Le film Master and Commander du réalisateur Peter Weir : The Far Side of the World est un film largement sous-estimé, mais il est agréable de savoir que le film est reparti avec une victoire dans cette catégorie. Il est notoirement difficile de tourner en pleine mer, mais le directeur de la photographie Russell Boyd parvient à donner vie à cette aventure maritime d’une manière qui place le spectateur à bord du navire. Le cadre brumeux imite la nature solitaire de la position de l’équipage, et les batailles de navires sont rendues vivantes avec vivacité et enthousiasme.

Ce qui aurait dû l’emporter : Master and Commander : The Far Side of the World

16. Le Labyrinthe de Pan (2006)

Le magistral conte de fées Le Labyrinthe de Pan de Guillermo del Toro a marqué un choix quelque peu surprenant pour ce prix en 2006, mais le directeur de la photographie de longue date du cinéaste, Guillermo Navarro, a fait un excellent travail. L’utilisation de la couleur en particulier est formidable, tout comme le mouvement fluide de la caméra qui maintient l’attention du public. Et pourtant, face au travail phénoménal d’Emmanuel Lubezki dans Children of Men, on a l’impression que l’Académie s’est trompée sur ce point.

Ce qui aurait dû gagner : Children of Men – Emmanuel Lubezki

15. Hugo (2011)

Hugo a été le film des premières fois pour le réalisateur Martin Scorsese. Il s’agissait non seulement de son premier film réalisé spécifiquement pour un public plus jeune, mais aussi de son premier travail avec le format 3D. En historien du cinéma qu’il est, Scorsese n’utilise pas ici la 3D comme un simple gadget, et en travaillant avec le directeur de la photographie Robert Richardson, il trouve des moyens intrigants et passionnants d’utiliser le format 3D pour souligner les principes de base de la réalisation de films. Cela va de pair avec le sujet du film, qui traite des premiers jours du cinéma et de la façon dont l’art de l’image en mouvement est né, et on imagine que seul Scorsese pouvait réaliser un film en 3D aussi intentionnel.

Ce qui aurait dû gagner : Hugo

14. Slumdog Millionaire (2008)

Le directeur de la photographie Anthony Dod Mantle s’est fait un nom avec le mouvement Dogme 95, donnant vie au cinéma expérimental de manière passionnante. Il a continué à repousser les limites du vérisme avec le réalisateur Danny Boyle sur 28 jours plus tard, mais leur collaboration sur Slumdog Millionaire reste leur plus frappante et impressionnante à ce jour. C’est un film qui semble vivant grâce à la caméra active et agressive de Mantle, et cela sert formidablement bien l’histoire et les personnages. Même en se mesurant à quelque chose d’aussi frappant que The Dark Knight, l’Académie a eu raison sur ce point.

Ce qui aurait dû gagner : Slumdog Millionaire

13. Life of Pi (2012)

Le cinéma numérique a fait d’énormes progrès dans les années 2010, et le travail du réalisateur Ang Lee avec le directeur de la photographie Claudio Miranda sur Life of Pi est un brillant exemple de tissage sans faille entre des acteurs et des décors pratiques et des personnages et des arrière-plans numériques. Le résultat est vraiment stupéfiant, surtout lorsqu’on le compare à d’autres films à écran vert. L’utilisation de la lumière par Miranda donne au temps passé par Pi en mer un aspect tactile et réel, tout en étant quelque peu surréaliste, à l’image de l’histoire elle-même. Rétrospectivement, La vie de Pi a été une pierre de touche de la cinématographie numérique et se maintient bien mieux que de nombreux autres films à forte composante de synthèse réalisés aujourd’hui. Et pourtant, il était confronté à une catégorie empilée cette année-là, qui comprenait certains des meilleurs travaux de Janusz Kaminski dans Lincoln et le stupéfiant Skyfall de Roger Deakins tourné en numérique.

Ce qui aurait dû gagner : Skyfall, Lincoln, ou Life of Pi

12. Inception (2010)

Le cinéaste Christopher Nolan a le don de garder la magie de ses films secrète, et en effet, à mesure que le public était témoin des effets pratiques hallucinants d’Inception, le travail du directeur de la photographie Wally Pfister devenait d’autant plus impressionnant. Les mouvements et les visuels très spécifiques nécessaires pour créer ces paysages de rêve dans des environnements pratiques ont nécessité un niveau de compétence énorme, et Pfister a plus que relevé le défi.

Ce qui aurait dû gagner : Inception

11. Roma (2018)

Le réalisateur Alfonso Cuarón avait initialement prévu de refaire équipe avec son directeur de la photographie de Gravity, Emmanuel Lubezki, pour Roma (il a d’ailleurs dédié sa victoire aux Oscars à « Chivo »), mais Lubezki a été contraint de quitter l’ambitieux drame en raison de conflits de calendrier. C’est alors que Cuarón a pris le relais, donnant vie à sa propre vision avec des détails étonnants. La cinématographie de Roma est révolutionnaire dans la mesure où Cuarón relègue la caméra dans le coin d’une pièce ou sur le côté d’un mur, et oblige le public à assister aux événements en tant qu’observateur objectif. Il n’y a pas de grands mouvements de caméra à proprement parler, mais le placement de la caméra et la composition des plans de Cuarón sont extrêmement précis. Chaque décision prise ici était au service de l’histoire – c’est en noir et blanc 4K croustillant afin d’évoquer un souvenir sans nostalgie – et le résultat est une œuvre vraiment hypnotique.

Ce qui aurait dû gagner : Roma (mais A Star Is Born obtient une forte mention honorable)

10. Le Seigneur des Anneaux : La Communauté de l’Anneau (2001)

Le regretté et grand Andrew Lesnie a été responsable de l’élaboration du monde de la Terre du Milieu tel que nous le connaissons, et tout a commencé avec Le Seigneur des Anneaux : La Communauté de l’Anneau. La richesse du cadre de Lesnie suinte de l’écran pour envelopper le public dans ce monde fantastique, mais il n’a jamais éclipsé les personnages, surtout avec La Communauté. Il s’agit d’un couronnement dans l’histoire du cinéma, et il est dommage que Lesnie nous ait quittés trop tôt, car le gars avait sans doute encore beaucoup de grandeur à partager avec le monde.

Ce qui aurait dû gagner : Le Seigneur des Anneaux : La Communauté de l’Anneau

9. La La Land (2016)

Dans la grande guerre de La La Land de 2016, j’ai l’impression que nous n’avons pas assez parlé du travail du directeur de la photographie Linus Sandgren. Tout le monde était tellement concentré sur la bataille du meilleur film, mais Sandgren a offert le meilleur travail de sa carrière jusqu’à présent dans le contexte de la comédie musicale de Damien Chazelle. Son utilisation de la couleur, en particulier, est formidable, sans parler de ce numéro Astaire/Rogers-esque tourné à Magic Hour qui semble à la fois transcendant et incroyablement réel. Les comédies musicales sont faites de mouvement, et la caméra de Sandgren tourne autour des amoureux du film comme s’il s’agissait d’un personnage à part entière. Sérieusement, c’est de l’excellent, de l’excellent et, même face à une concurrence acharnée comme le magistral Silence de Rodrigo Prieto, se sent comme une victoire méritante.

Ce qui aurait dû gagner : La La Land

8. The Aviator (2004)

L’Aviateur est le genre de film que vous obtenez lorsque l’un des plus grands historiens du cinéma de tous les temps se trouve également être l’un des plus grands cinéastes de tous les temps. En racontant l’histoire d’Howard Hughes, le réalisateur Martin Scorsese et le directeur de la photographie Robert Richardson ont décidé de capturer chaque époque de la vie de Hughes de la manière dont les films étaient réalisés à cette période particulière, en recréant l’aspect des premiers films couleur bipack ainsi que du Technicolor à trois bandes. C’est le nirvana pour les nerds cinéphiles, et cela reste une réalisation étonnante à ce jour.

Ce qui aurait dû gagner : The Aviator

7. Birdman (2014)

En tant que seul directeur de la photographie à remporter l’Oscar de la meilleure cinématographie trois fois de suite, Emmanuel Lubezki a solidifié sa place dans l’histoire des Oscars – mais c’est aussi entièrement mérité. Quoi que vous pensiez de Birdman lui-même, la réussite de Lubezki à faire en sorte que le film ressemble à une seule prise continue est formidable, et bien que cette technique ait déjà été réalisée, il n’y a personne d’autre comme Chivo.

Ce qui aurait dû gagner : Birdman

6. Les chemins de la perdition (2002)

Les chemins de la perdition est un film d’ombres, ce qui est approprié compte tenu du sujet traité. Le légendaire directeur de la photographie Conrad L. Hall montre sa touche magistrale tout au long de ce qui serait son dernier film, et d’ailleurs son Oscar a été décerné à titre posthume. Ce que Hall fait avec la lumière dans ce film est miraculeux, et lui et le réalisateur Sam Mendes trouvent un moyen merveilleux de raconter cette histoire à travers les yeux d’un enfant grâce à des mouvements de caméra, des plans et des blocages motivés. Alors que le film lui-même a été quelque peu oublié, le travail de Hall ici tient toujours la route 15 ans plus tard.

Ce qui aurait dû gagner : Les Chemins de la Perdition

5. The Revenant (2015)

Mais dans la bataille entre les films de Lubezki et d’Alejandro G. Iñárritu, je donne ici un léger avantage à The Revenant pour sa formidable utilisation de la lumière naturelle. Ce n’est pas une tâche facile, surtout dans les lieux utilisés pour ce film, mais Lubezki la fait fonctionner à merveille pour obtenir des images obsédantes les unes après les autres. Le danger de la nature sauvage prend merveilleusement vie à travers l’objectif de Lubezki, et on sent vraiment la qualité viscérale de la réalisation filtrer à travers l’écran.

Ce qui aurait dû l’emporter : The Revenant

4. Blade Runner 2049 (2017)

Le film qui a finalement valu l’Oscar à Roger Deakins se trouve également comporter certains de ses meilleurs travaux. Blade Runner 2049 donne vie à des environnements futuristes à couper le souffle, en utilisant un mélange d’effets pratiques et d’effets de synthèse. Mais ce sont les subtilités de la cinématographie qui élèvent Blade Runner 2049 à ce niveau supérieur. La méticulosité nécessaire pour créer la séquence Joi/Mariette et la faire atterrir comme elle le fait est phénoménale, et la façon dont Deakins utilise l’eau et la lumière pour éclairer l’espace d’habitation de Wallace est stupéfiante. La façon dont Deakins utilise l’eau et la lumière pour éclairer la maison de Wallace est stupéfiante. Le fait que le directeur de la photographie ait réalisé tout cela en utilisant principalement des éclairages pratiques plutôt que des filtres de couleur ou des effets numériques rend le tout encore plus impressionnant. Pour une fois, un Oscar attendu depuis longtemps n’a pas été attribué comme un prix de consolation – celui-ci était amplement mérité.

Ce qui aurait dû gagner : Blade Runner 2049

3. Gravity (2013)

La plus grande réussite d’Emmanuel Lubezki est son travail avec Alfonso Cuaron sur Gravity. Maintenant, je sais que j’ai un peu critiqué Avatar pour avoir été entièrement numérique, mais cette image dans le film de Cameron est assez plate – elle a gagné simplement parce que la capture de performance n’avait jamais été faite de cette façon auparavant. Avec Gravity, Lubezki apporte son style naturaliste caractéristique à un projet à forte intensité d’effets visuels, tandis que Cuaron et lui mêlent les acteurs aux environnements de synthèse de manière étonnante. Que Lubezki soit capable de conjurer plusieurs « oners » ici qui frappent le public avec le même impact que quelque chose de The Revenant ou Children of Men est un témoignage des talents de Lubezki et Cuaron, et Gravity reste une réalisation cinématographique étonnante.

Ce qui aurait dû gagner : Gravity

2. 1917

« Tout ce que tu peux faire, je peux le faire mieux », dit Roger Deakins à Lubezki. Pas vraiment, mais 1917 – un film sur la Première Guerre mondiale raconté entièrement en une seule prise continue – ressemble à un peu d’oneupsmanship dans le sillage de la montée en puissance du « oner » comme trope au cours de la dernière décennie environ. Mais 1917 n’est pas seulement une merveille technique, c’est aussi en accord avec l’histoire. Cette prise de vue continue a un but, celui de créer un film de guerre expérientiel qui vous plonge dans la tête du caporal William « Will » Schofield. L’ode du réalisateur Sam Mendes aux anciens combattants honore leur mémoire en nous permettant de vivre la terreur et l’adrénaline de ce soldat, qui s’efforce de remettre une lettre qui pourrait sauver des milliers de vies. Le travail de Deakins est à la fois obsédant et musclé, poétique et intense. C’est l’une des meilleures scènes (et films) de  » oner  » jamais réalisées.

Ce qui aurait dû gagner : 1917

1. There Will Be Blood (2007)

L’année 2007 a été une année faste pour la cinématographie. Dans cette catégorie, Roger Deakins s’est affronté à lui-même pour un travail incroyable sur L’assassinat de Jesse James et No Country for Old Men, mais Robert Elswit est reparti avec la victoire pour son travail époustouflant sur There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson. Le cadre est tout ce qui compte dans ce sombre drame d’époque, et Robert Elswit relate la vie de Daniel Plainview avec des détails étonnants. Les images sont vitales pour ce film, et le cadrage qu’Elswit met en place ici, ainsi que son utilisation de l’éclairage, complètent de façon phénoménale l’histoire d’une manière qui en souligne l’impact. Et pourtant, même si je place cette victoire si haut dans cette liste, je pense toujours qu’il y avait un nominé plus méritant dans ce peloton, car le travail de Deakins sur Jesse James est l’une des meilleures pièces de cinématographie de tous les temps.

Ce qui aurait dû gagner : L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford – Roger Deakins