Les débuts du théâtre à New YorkEdit
New York n’avait pas une présence théâtrale significative jusqu’à environ 1750, lorsque les acteurs-managers Walter Murray et Thomas Kean ont établi une compagnie théâtrale résidente au Theatre on Nassau Street, qui pouvait accueillir environ 280 personnes. Ils présentaient des pièces de Shakespeare et des opéras de ballades comme The Beggar’s Opera. En 1752, William Hallam a envoyé une compagnie de douze acteurs de Grande-Bretagne dans les colonies avec son frère Lewis comme manager. Ils ont établi un théâtre à Williamsburg, en Virginie, et ont ouvert avec Le Marchand de Venise et L’Anatomiste. La compagnie s’installe à New York en 1753 et présente des opéras et des farces de ballades comme Damon et Phillida. La guerre d’Indépendance a suspendu le théâtre à New York, mais celui-ci a repris en 1798, année de la construction du Park Theatre de 2 000 places sur Chatham Street (aujourd’hui appelé Park Row). Le Bowery Theatre a ouvert en 1826, suivi par d’autres.
Dans les années 1840, P.T. Barnum exploitait un complexe de divertissement dans le Lower Manhattan. En 1829, à l’angle de Broadway et de Prince Street, le Niblo’s Garden ouvre ses portes et devient rapidement l’un des principaux lieux de divertissement nocturne de New York. Le théâtre de 3 000 places présentait toutes sortes de divertissements musicaux et non musicaux. En 1844, le Palmo’s Opera House a ouvert ses portes et n’a présenté de l’opéra que pendant quatre saisons avant que la faillite ne conduise à sa reconversion en théâtre sous le nom de Burton’s Theatre. L’Astor Opera House a ouvert en 1847. Une émeute a éclaté en 1849 lorsque les clients de la classe inférieure du Bowery se sont opposés à ce qu’ils percevaient comme le snobisme du public de la classe supérieure de l’Astor Place : « Après l’émeute de l’Astor Place de 1849, les divertissements à New York ont été divisés en fonction des classes : l’opéra était principalement destiné aux classes moyennes et supérieures, les spectacles de ménestrels et les mélodrames à la classe moyenne, les spectacles de variétés dans les saloons de concert aux hommes de la classe ouvrière et de la classe moyenne qui s’encanaillent. »
Les pièces de William Shakespeare étaient fréquemment jouées sur la scène de Broadway à cette époque, notamment par l’acteur américain Edwin Booth qui était internationalement connu pour son interprétation d’Hamlet. Booth a joué le rôle pendant une centaine de représentations consécutives au Winter Garden Theatre en 1865 (la série s’est terminée quelques mois avant que John Wilkes Booth, le frère de Booth, n’assassine Abraham Lincoln), et a repris le rôle plus tard dans son propre Booth’s Theatre (qui a été géré pendant un certain temps par son frère Junius Brutus Booth, Jr). D’autres Shakespeariens de renom qui se sont produits à New York à cette époque sont Henry Irving, Tommaso Salvini, Fanny Davenport et Charles Fechter.
Naissance de la comédie musicale et après la guerre civileEdit
Le théâtre à New York s’est déplacé progressivement du centre-ville vers le centre de Manhattan à partir de 1850 environ, à la recherche de biens immobiliers moins coûteux. Au début du 19e siècle, la zone qui constitue aujourd’hui le Theater District était détenue par une poignée de familles et comprenait quelques fermes. En 1836, le maire Cornelius Lawrence ouvre la 42e rue et invite les habitants de Manhattan à « profiter de l’air pur et pur ». Près de 60 ans plus tard, l’entrepreneur de théâtre Oscar Hammerstein I a construit l’emblématique Victoria Theater sur la 42e Rue Ouest.
La première comédie musicale « longue durée » de Broadway était un succès de 50 représentations appelé The Elves en 1857. En 1870, le cœur de Broadway se trouvait à Union Square, et à la fin du siècle, de nombreux théâtres se trouvaient près de Madison Square. Les théâtres ne sont pas arrivés dans le quartier de Times Square avant le début des années 1900, et les théâtres de Broadway ne s’y sont pas regroupés avant qu’un grand nombre de théâtres ne soient construits autour de la place dans les années 1920 et 1930. Les représentations à New York restaient loin derrière celles de Londres, mais la « burletta musicale » The Seven Sisters (1860) de Laura Keene a pulvérisé les précédents records new-yorkais avec une série de 253 représentations. C’est lors d’une représentation de Our American Cousin par la troupe de Keene à Washington qu’Abraham Lincoln fut abattu.
La première pièce de théâtre conforme à la conception moderne d’une comédie musicale, ajoutant de la danse et de la musique originale qui aidait à raconter l’histoire, est considérée comme The Black Crook, dont la première a eu lieu à New York le 12 septembre 1866. La production durait cinq heures et demie, mais malgré sa longueur, elle a été jouée pendant 474 représentations, un record. La même année, The Black Domino/Between You, Me and the Post est le premier spectacle à se qualifier de « comédie musicale ».
Tony Pastor ouvre le premier théâtre de vaudeville à un pâté de maisons à l’est de Union Square en 1881, où se produit Lillian Russell. Les comédiens Edward Harrigan et Tony Hart ont produit et joué dans des comédies musicales à Broadway entre 1878 (The Mulligan Guard Picnic) et 1890, avec un livre et des paroles de Harrigan et une musique de son beau-père David Braham. Ces comédies musicales mettent en scène des personnages et des situations tirés de la vie quotidienne des classes populaires new-yorkaises et représentent une avancée significative par rapport au vaudeville et au burlesque, vers une forme plus lettrée. Elles mettaient en vedette des chanteuses de grande qualité (Lillian Russell, Vivienne Segal et Fay Templeton), au lieu des femmes de réputation douteuse qui avaient joué dans les formes musicales précédentes.
A mesure que les transports s’amélioraient, que la pauvreté diminuait à New York et que l’éclairage public rendait les déplacements nocturnes plus sûrs, le nombre de spectateurs potentiels pour les théâtres, de plus en plus nombreux, augmentait énormément. Les pièces pouvaient être jouées plus longtemps tout en attirant le public, ce qui permettait de réaliser de meilleurs profits et d’améliorer les valeurs de production. Comme en Angleterre, au cours de la seconde moitié du siècle, le théâtre a commencé à être assaini, la prostitution ayant diminué et empêchant les femmes de fréquenter le théâtre. Les succès familiaux des opéras comiques de Gilbert et Sullivan, à commencer par H.M.S. Pinafore en 1878, sont importés à New York (par les auteurs et aussi dans de nombreuses productions sans licence). Ils ont été imités à New York par des productions américaines telles que Robin des Bois de Reginald Dekoven (1891) et El Capitan de John Philip Sousa (1896), ainsi que par des opéras, des ballets et d’autres succès britanniques et européens.
Années 1890 et début 1900Modification
Charles H. Hoyt’s A Trip to Chinatown (1891) est devenue la championne de longue durée de Broadway, tenant la scène pendant 657 représentations. Ce chiffre ne sera pas dépassé avant Irene en 1919. En 1896, les propriétaires de théâtre Marc Klaw et A. L. Erlanger ont formé le Theatrical Syndicate, qui a contrôlé presque tous les théâtres légaux des États-Unis pendant les seize années suivantes. Cependant, les petites maisons de vaudeville et de variétés prolifèrent, et Off-Broadway est bien établi à la fin du XIXe siècle.
A Trip to Coontown (1898) est la première comédie musicale entièrement produite et interprétée par des Afro-Américains dans un théâtre de Broadway (largement inspirée des routines des minstrel shows), suivie par le ragtime-tinged Clorindy : The Origin of the Cakewalk (1898), et le très réussi In Dahomey (1902). Des centaines de comédies musicales ont été montées à Broadway dans les années 1890 et au début des années 1900, composées de chansons écrites dans la Tin Pan Alley de New York, avec des compositeurs tels que Gus Edwards, John Walter Bratton et George M. Cohan (Little Johnny Jones (1904), 45 Minutes From Broadway (1906) et George Washington Jr. (1906)). Malgré tout, les séries new-yorkaises continuent d’être relativement courtes, à quelques exceptions près, par rapport aux séries londoniennes, jusqu’à la Première Guerre mondiale.Quelques comédies musicales britanniques très réussies continuent de remporter un grand succès à New York, notamment Florodora en 1900-01.
1900-1925Edit
Dans les premières années du XXe siècle, les traductions d’opérettes continentales populaires de la fin du 19e siècle ont été rejointes par les spectacles du « Princess Theatre » des années 1910 par des auteurs tels que P. G. Wodehouse, Guy Bolton et Harry B. Smith. Victor Herbert, dont l’œuvre comprend quelques pièces musicales intimistes aux décors modernes ainsi que sa série de célèbres opérettes (The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle Modiste (1905), The Red Mill (1906) et Naughty Marietta (1910)).
À partir de The Red Mill, les spectacles de Broadway installèrent des enseignes électriques à l’extérieur des théâtres. Les ampoules de couleur brûlant trop vite, on utilisa des lumières blanches, et Broadway fut surnommé « The Great White Way ». En août 1919, l’Actors’ Equity Association a exigé un contrat standard pour toutes les productions professionnelles. Après une grève qui a entraîné la fermeture de tous les théâtres, les producteurs ont été contraints d’accepter. Dans les années 1920, les frères Shubert se sont levés pour reprendre la majorité des théâtres du syndicat Erlanger.
Pendant cette période, la pièce Lightnin’ de Winchell Smith et Frank Bacon devient le premier spectacle de Broadway à atteindre 700 représentations. Dès lors, elle allait devenir le premier spectacle à atteindre 1 000 représentations. Lightnin’ a été le spectacle de Broadway le plus longtemps en activité jusqu’à ce qu’il soit dépassé en nombre de représentations par Abie’s Irish Rose en 1925.
Concurrence avec les films cinématographiquesEdit
Le cinéma a lancé un défi à la scène. Au début, les films étaient muets et ne présentaient qu’une concurrence limitée. À la fin des années 1920, des films comme Le chanteur de jazz étaient présentés avec un son synchronisé, et les critiques se demandaient si le cinéma allait remplacer complètement le théâtre en direct. Si le vaudeville en direct ne pouvait pas rivaliser avec ces films bon marché qui mettaient en scène des stars du vaudeville et les principaux comiques de l’époque, d’autres théâtres ont survécu. Les comédies musicales des années folles, empruntant au vaudeville, au music-hall et à d’autres formes de divertissement léger, avaient tendance à ignorer l’intrigue pour mettre l’accent sur les acteurs et actrices vedettes, les grands numéros de danse et les chansons populaires. Florenz Ziegfeld produisait chaque année des revues de chant et de danse spectaculaires à Broadway, avec des décors extravagants et des costumes élaborés, mais il y avait peu de liens entre les différents numéros. Les productions légères comme Sally, Lady Be Good, Sunny, No, No, Nanette, Harlem, Oh, Kay ! et Funny Face sont typiques des années 1920. Leurs ouvrages étaient peut-être oubliables, mais ils ont produit des standards durables de George Gershwin, Cole Porter, Jerome Kern, Vincent Youmans et Rodgers and Hart, entre autres, et Noël Coward, Sigmund Romberg et Rudolf Friml ont poursuivi dans la veine de Victor Herbert. Le théâtre vivant a survécu à l’invention du cinéma.
Entre les guerresEdit
Laissant de côté ces divertissements comparativement frivoles et faisant avancer le drame d’un pas, Show Boat a été créé le 27 décembre 1927 au théâtre Ziegfeld. Il représentait une intégration complète du livre et de la partition, avec des thèmes dramatiques, racontés par la musique, les dialogues, le décor et le mouvement, tissés ensemble de manière plus transparente que dans les comédies musicales précédentes. Elle a donné 572 représentations.
Les années 1920 ont également donné naissance à une nouvelle ère de dramaturges américains avec l’émergence d’Eugene O’Neill, dont les pièces Beyond the Horizon, Anna Christie, The Hairy Ape, Strange Interlude, et Mourning Becomes Electra ont prouvé qu’il existait un public pour les pièces sérieuses à Broadway. Le succès d’O’Neill a ouvert la voie à de grands auteurs dramatiques tels qu’Elmer Rice, Maxwell Anderson, Robert E. Sherwood, Clifford Odets, etc. Sherwood, Clifford Odets, Tennessee Williams et Arthur Miller, ainsi que des auteurs de comédies comme George S. Kaufman et Moss Hart. Les reprises classiques se sont également avérées populaires auprès des amateurs de théâtre de Broadway, notamment John Barrymore dans Hamlet et Richard III, John Gielgud dans Hamlet, L’importance d’être constant et Beaucoup de bruit pour rien, Walter Hampden et José Ferrer dans Cyrano de Bergerac, Paul Robeson et Ferrer dans Othello, Maurice Evans dans Richard II et les pièces de George Bernard Shaw, et Katharine Cornell dans des pièces telles que Roméo et Juliette, Antoine et Cléopâtre et Candida.
À l’approche de la Seconde Guerre mondiale, une douzaine de drames de Broadway abordent la montée du nazisme en Europe et la question de la non-intervention américaine. Le plus grand succès fut Watch on the Rhine de Lillian Hellman, qui ouvrit ses portes en avril 1941.
1943-1970Edit
Après les années de vaches maigres de la Grande Dépression, le théâtre de Broadway était entré dans un âge d’or avec la superproduction Oklahoma ! », en 1943, qui donna 2 212 représentations. Selon les écrits de John Kenrick sur les comédies musicales de Broadway, « chaque saison voyait de nouvelles comédies musicales envoyer des chansons au sommet des hit-parades. La demande du public, une économie en plein essor et un talent créatif abondant ont permis à Broadway d’être en pleine effervescence. Aujourd’hui encore, les spectacles des années 1950 constituent le cœur du répertoire de la comédie musicale. » Kenrick note que « la fin des années 1960 marque une période de bouleversement culturel. Les changements allaient s’avérer douloureux pour beaucoup, y compris pour ceux qui se trouvaient dans les coulisses, ainsi que pour les spectateurs. » À propos des années 1970, Kenrick écrit : « Alors qu’il semblait que les comédies musicales traditionnelles sur livre étaient de nouveau à la mode, la décennie s’est terminée avec des critiques et des publics donnant des signaux mitigés. »
Ken Bloom a observé que « les années 1960 et 1970 ont vu une aggravation du secteur et une baisse du nombre de spectacles légitimes produits à Broadway. » À titre de comparaison, au cours de la saison 1950-1951 (de mai à mai), 94 productions ont ouvert à Broadway ; au cours de la saison 1969-1970 (de juin à mai), il y a eu 59 productions (quinze étaient des reprises). Dans les années vingt, il y avait 70 à 80 théâtres, mais en 1969, il n’en restait plus que 36.
Édition des années 1980
Au début de 1982, Joe Papp, le producteur et directeur de théâtre qui a créé le Public Theater, a mené la campagne « Save the Theatres ». Il s’agissait d’un groupe à but non lucratif soutenu par le syndicat Actors Equity pour sauver les bâtiments de théâtre du quartier de la démolition par des intérêts de développement monétaires de Manhattan. Papp a fourni des ressources, a recruté un publiciste et des acteurs célèbres, et a fourni des équipes audio, d’éclairage et techniques pour cet effort.
Sur l’ordre de Papp, en juillet 1982, un projet de loi a été présenté au 97e Congrès, intitulé « H.R.6885, A bill to designate the Broadway/Times Square Theatre District in the City of New York as a national historic site ». Cette législation aurait fourni certaines ressources et une assistance du gouvernement américain pour aider la ville à préserver le quartier. Face à une forte opposition et au lobbying de l’administration du maire Ed Koch et des intérêts de développement des entreprises de Manhattan, le projet de loi n’a pas été adopté. La campagne Save the Theatres s’est alors attachée à soutenir l’établissement du Theater District en tant que quartier historique enregistré. En décembre 1983, Save the Theatres a préparé « The Broadway Theater District, a Preservation Development and Management Plan », et a exigé que chaque théâtre du district soit classé monument historique. Le maire Ed Koch a finalement réagi en créant un conseil consultatif sur les théâtres, qui comprenait Papp.
Pandémie de COVID-19Edit
En raison de la pandémie de COVID-19, les théâtres de Broadway ont fermé le 12 mars 2020, arrêtant 16 spectacles qui jouaient ou étaient en cours d’ouverture. La fermeture a été prolongée d’abord jusqu’en avril, puis en mai, puis en juin, puis en septembre 2020 et en janvier 2021, puis jusqu’au 1er juin 2021. Les 74e Tony Awards ont également été reportés et devaient se tenir pratiquement plus tard en 2020, mais rien de nouveau n’a été annoncé après l’annonce des nominations aux Tony le 15 octobre 2020 par James Monroe Iglehart.