Les peintures de paysages sublimes sont l’un des sujets les plus théâtraux et émouvants de l’histoire de l’art, combinant à parts égales beauté, drame et dévastation. Le terme « sublime » a été défini par le philosophe Edmund Burke dans son ouvrage A Philosophical Enquiry into the Origin of Our Ideas of the Sublime and Beautiful, publié en 1757, comme une beauté agrémentée de quelque chose en plus, un certain danger, de la peur ou de l’horreur, ou ce qu’il appelait : « tout ce qui est en quelque sorte terrible ou qui a trait à des objets terribles ou qui fonctionne d’une manière analogue à la terreur ». Burke a également qualifié de sublime rien de moins que l’émotion la plus puissante que l’esprit puisse ressentir – pas étonnant que les artistes aient eu envie d’adopter ce style !
La peinture de paysage sublime à travers l’histoire
Bien que le terme sublime puisse décrire divers sujets, les peintures de paysage sublime ont été parmi les plus durables et les plus captivantes de toutes. Même avant le célèbre texte de Burke, les peintres, depuis l’époque médiévale, ont fait grimper en flèche les nuages d’orage tourbillonnants, les falaises abruptes et les montagnes dentelées et enneigées pour transmettre un émerveillement et une terreur accablants à des publics captivés. Perdons-nous dans quelques-unes des peintures de paysages les plus impressionnantes et les plus sublimes de tous les temps, de l’époque de la Renaissance aux temps modernes et contemporains.
1. Pieter Brueghel l’Ancien, Paysage avec la fuite en Égypte, 1563
Pieter Brueghel l’Ancien, Paysage avec la fuite en Égypte, 1563, est typique de la sublime peinture de paysage de la Renaissance du Nord, combinant des paysages à couper le souffle avec un récit religieux. Les minuscules personnages de Marie et Joseph vacillent le long d’une falaise périlleuse au premier plan, fuyant les persécutions à Bethléem. Le décor est étroitement lié à leur histoire : le paysage pâle et lointain représente la terre familière qu’ils laissent derrière eux, tandis que le premier plan sombre et inquiétant vers lequel ils se dirigent est enveloppé de l’obscurité et du danger de l’inconnu. Breughel a cherché à contraster les zones d’immobilité et de mouvement dans cette seule image, en peignant les rochers et les montagnes comme une constante stable et immobile, en comparaison avec le mouvement constant de l’eau, des gens et des oiseaux. Cet équilibre des oppositions entre obscurité/lumière, fragilité/permanence, et immobilité/mouvement est la raison pour laquelle cette sublime peinture de paysage est devenue l’une des images les plus durables de tous les temps.
2. Philip James De Loutherbourg, Une avalanche dans les Alpes, 1803
Le britannique Philip James De Loutherbourg, né en France, a peint Une avalanche dans les Alpes en 1803, à une époque où les pittoresques mais dangereuses Alpes françaises étaient une incarnation de plus en plus populaire du paysage sublime. En plus d’être peintre, De Loutherbourg était également décorateur de théâtre, un rôle qui lui permettait de donner à ses toiles une dimension dramatique grâce à un éclairage brutal, à la profondeur et au mouvement. Ici, les lointaines montagnes françaises commencent à s’effondrer sous l’effet d’une avalanche, projetant sur la scène des nuages terrifiants de poussière et de fumée et obscurcissant le ciel. Un éclair de lumière blanche au centre attire notre regard sur les spectateurs minuscules et terrifiés qui sont minuscules face aux rochers qui tombent autour d’eux, bientôt détruits par les forces élémentaires de la nature.
3. Joseph Mallord William Turner, Tempête de neige : Hannibal et son armée traversant les Alpes, 1812
Tempête de neige de J.M.W. Turner : Hannibal et son armée traversant les Alpes, 1812, est typique de la beauté angoissante de l’ère du romantisme, avec des nuages de tempête monstrueux et arqués qui planent au-dessus des petites personnes en dessous. Dédié à Hannibal Barca, commandant de l’armée carthaginoise en 200-100 avant J.-C., le tableau représente les soldats d’Hannibal tentant de franchir les Alpes en 218 avant J.-C., avec des tribus salassiennes combattant l’arrière-garde d’Hannibal. La tempête devient ici une puissante métaphore de la lutte pour la vie, les nuages noirs et furieux formant un tourbillon terrifiant qui repousse les minuscules soldats impuissants. Au loin, le soleil est un orbe rougeoyant de lumière hypnotique, une lueur d’espoir au milieu de la tragédie de la guerre. Mais au-delà des références narratives, ce paysage sublime de Turner est en fin de compte une réflexion sur la brutalité pure et destructive de la nature, qui menace d’engloutir sans ménagement les gens en dessous.
4. Caspar David Friedrich, Vagabond au-dessus du brouillard marin, 1817
L’une des peintures de paysage les plus iconiques et les plus sublimes de tous les temps, le Wanderer Above Sea Fog, 1817, du peintre allemand Caspar David Friedrich, incarne l’esprit idéaliste et rêveur du romantisme européen. Debout sur un haut rocher sombre, un personnage solitaire contemple sa place dans l’univers, tandis qu’un brouillard envahit les vallées et les montagnes lointaines. Friedrich transmet ici le paysage sublime comme un terrain inhospitalier et inconnaissable, reflétant la fascination du XIXe siècle pour la nature sauvage et débridée.
Contrairement à d’autres artistes de l’époque qui avaient tendance à créer de petites figures pour souligner l’ampleur du paysage, Friedrich donne à son personnage un rôle central mais, vu de dos, il conserve son anonymat de » vagabond » abstrait, agissant comme un symbole pour tous les rêveurs nostalgiques du XIXe siècle et au-delà. La scène est une interprétation imaginaire de la campagne montagneuse de l’Allemagne ; pour créer de tels lieux mystiques, Friedrich s’est tourné vers l’intérieur, écrivant : « Ferme ton œil physique, afin que tu puisses voir ton image d’abord avec l’œil spirituel. Apporte ensuite à la lumière ce que tu as vu dans l’obscurité, afin que cela puisse avoir un effet sur les autres, en rayonnant de l’extérieur vers l’intérieur. »
5. Karl Eduard Biermann, Le Wetterhorn, 1830
Le Wetterhorn de Karl Eduard Biermann, 1830, résume le sublime style de peinture de paysage du peintre allemand, avec un vaste terrain accidenté mis en scène dans un éclairage théâtral dramatique. Le premier plan escarpé est peint avec soin dans de riches tons sombres de vert et de brun, nous conduisant vers une bande d’arbres et de rochers qui disparaissent dans l’ombre noire. À l’arrière-plan, une chaîne de montagnes épique est éclairée par un rayon de soleil, soulignant ses flèches glacées et pointues comme un lieu mystique et inaccessible, tandis que les nuages grouillent au-dessus de nos têtes comme s’ils menaçaient d’éclater en tempête. Comme de nombreux peintres romantiques, Biermann souligne la crainte, l’émerveillement et l’échelle terrifiante de la scène en plaçant deux minuscules personnages au premier plan qui nous permettent de nous imaginer au milieu de la scène. Ils tentent d’escalader des rochers inégaux et de l’herbe marécageuse, tandis qu’une cascade furieuse jaillit devant eux et accroche la lumière comme un éclair, divisant leur périlleux voyage.
6. Arnold Bocklin, L’île des morts, 1880
L’une des peintures de paysage les plus sublimes et les plus obsédantes jamais réalisées, L’île des morts du peintre allemand Arnold Bocklin, 1880, traduit une île imaginaire émergeant de la mer sur un ciel sombre et inquiétant. Le tableau a été commandé par Marie Berna, veuve depuis peu, qui souhaitait seulement « un tableau pour rêver ». En réponse à sa demande, Bocklin a investi son image d’allusions à la mort et au deuil. Au premier plan, une silhouette blanche fantomatique est dirigée vers l’île sur un petit bateau à rames, à côté d’un objet ressemblant à un cercueil. Le rameur a été comparé au personnage grec ancien de Charon, le batelier, qui faisait traverser le Styx aux âmes des morts jusqu’à Hadès. L’île est bordée de rangées de cyprès menaçants et sombres, traditionnellement associés aux cimetières, tandis que les rochers luisants et déchiquetés sont percés de portes et de fenêtres sépulcrales. Contrairement à de nombreux paysages sublimes, une immobilité effrayante imprègne la scène, lui conférant un silence sinistre ; Bocklin lui-même a même décrit l’œuvre comme « si silencieuse que vous auriez peur quand on frappe à la porte ».
7. Edvard Munch, White Night, 1901
Edvard Munch a réalisé Nuit blanche, 1901 à la fin de sa carrière, à une époque où il avait abandonné la figuration au profit de paysages atmosphériques, mais la même anxiété omniprésente de son art antérieur est restée. Cette sublime peinture de paysage dépeint sa Norvège natale au cœur de l’hiver, regardant vers le bas à travers des arbres sombres et menaçants vers un fjord gelé. Une forêt d’épicéas forme une arête dentelée aussi tranchante qu’une lame de scie, un avertissement de la glace dangereuse qui se trouve au-delà. Les arbres noirs au premier plan suggèrent des visages ou des créatures fantômes, mais ils sont à peine reconnaissables sous le manteau de la nuit tombée. En associant le clair de lune scintillant à ces qualités de danger et de menace, la scène hivernale nocturne de Munch capture la beauté sublime de l’hiver norvégien. Réfléchissant à la façon dont ses scènes de paysage pouvaient fusionner les observations avec l’esprit intérieur, Munch a écrit : » La nature n’est pas seulement tout ce qui est visible à l’œil… elle comprend aussi les images intérieures de l’âme. «
8. Akseli Gallen-Kallela, Lac Keitele, 1904
Le lac Keitele d’Akseli Gallen-Kallela, 1904, traduit le célèbre lac finlandais comme un miroir hypnotique de lumière déchiré par des courants de vent en zigzag. Le tableau a été réalisé à une époque où un désir croissant d’indépendance se faisait sentir dans toute la Finlande. Célébrant la grande nature sauvage du pays, cette sublime peinture de paysage est devenue un puissant symbole du nationalisme et de la fierté finlandais. Bien qu’il n’y ait aucun signe de vie humaine, les courants naturels qui traversent l’eau sont une caractéristique bien connue du lac. Ces stries de mouvement étaient si connues que dans l’ancienne culture finlandaise, elles étaient liées au personnage mythologique de Väinämöinen, dont on disait qu’il laissait des ondulations en traversant le lac. Ces représentations subtiles du mouvement revêtaient un grand symbolisme nationaliste pour Gallen-Kallela, célébrant la beauté mystérieuse et énigmatique de l’ancienne culture finlandaise et ses liens étroits avec la terre. Il les décrivait ainsi : » les bandes argentées à la surface de l’eau sereine sont les vaguelettes annonçant la passion à venir. «
9. Thomas Moran, Le Grand Canyon du Colorado, 1904
Dans Le Grand Canyon du Colorado de Thomas Moran, 1904, la vaste étendue de ce célèbre parc national est transmise sur une énorme échelle panoramique de sept pieds sur dix. Chef de file de l’école de la rivière Hudson et de l’école des Rocheuses, le peintre américain Moran a été si fasciné par la beauté dangereuse du Colorado qu’il s’est profondément immergé dans un paysage où peu s’étaient aventurés avant lui, peignant plus de trente scènes illustrant ce paysage unique et sublime. Observant avec fascination le grand espace ouvert qui se trouve au-delà de lui, il écrit : » sa formidable architecture suscite l’émerveillement et l’admiration, et ses couleurs, ses formes et son atmosphère sont d’une beauté si ravissante que, quel que soit le voyageur, un monde nouveau s’ouvre à lui lorsqu’il regarde le Grand Canyon. »
Cette scène transmet une vision idéalisée et romancée du Grand Canyon, alors que des roches pointues tombent dans la lumière avant de s’effacer dans l’horizon lointain, tandis qu’un orage imminent prend de l’ampleur au-dessus de nos têtes. Les spectateurs étaient tellement éblouis par les représentations de Moran de la grande nature américaine qu’on lui attribue aujourd’hui le mérite d’avoir influencé la création du système de parcs nationaux qui a préservé l’intégrité du sublime paysage américain.
10. Peter Doig, Ski Jacket, 1994
La veste de ski du peintre écossais Peter Doig, 1994, est un déferlement d’énergie et de mouvement aux pics de neige. À partir d’une image photographique représentant des skieurs apprenants éparpillés sur une montagne japonaise, Doig déforme et perturbe délibérément l’image originale, la tranchant en deux parties par le milieu et la reconstituant pour créer un effet de miroir sinistre. Doig est connu pour sa fusion de matériel photographique et de marques picturales, permettant à ces deux styles contradictoires de jouer l’un sur l’autre, comme on le voit dans cette image, où des arbres soigneusement peints sont entourés de lavis de rose, de blanc et de vert en couches lâches. Ces passages aqueux de peinture suggèrent les qualités froides et glissantes de la glace et de la neige qui imprègnent l’image et lui confèrent une incertitude dangereuse, renforçant la peur des minuscules skieurs luttant contre le terrain traîtreusement escarpé qui les entoure.
Légitimité de la peinture de paysage sublime
Le sublime a été déclaré » dépassé » au 19e siècle, s’effaçant au profit de l’impressionnisme français. Cependant, la peinture de paysage sublime a fait son retour au 20e siècle lorsque les expressionnistes abstraits ont exploré les mêmes thèmes existentialistes et transcendants dans leur peinture. Des artistes tels que Mark Rothko, Clyfford Still et Robert Smithson ont tous utilisé des éléments du sublime dans leurs œuvres.
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