Sublime landschapsschilderijen behoren tot de meest theatrale en emotionele onderwerpen uit de kunstgeschiedenis, waarbij schoonheid, drama en verwoesting in gelijke mate worden gecombineerd. De term ‘subliem’ werd in 1757 door de filosoof Edmund Burke in A Philosophical Enquiry into the Origin of Our Ideas of the Sublime and Beautiful gedefinieerd als schoonheid doorspekt met iets extra’s, een zeker gevaar, angst of afschuw, of wat hij noemde: “alles wat op enigerlei wijze verschrikkelijk is of omgaat met verschrikkelijke objecten of werkt op een manier die overeenkomt met terreur.” Burke noemde subliem ook niet minder dan de krachtigste emotie die de geest kan voelen – geen wonder dat kunstenaars de stijl graag overnamen!
Sublime Landschapsschilderkunst door de geschiedenis heen
Hoewel de term subliem ook verschillende onderwerpen kan beschrijven, behoren sublieme landschapsschilderijen tot de meest beklijvende en fascinerende van allemaal. Zelfs vóór Burke’s beroemde tekst hebben schilders sinds de middeleeuwen wervelende stormwolken, scherpe rotswanden en grillige, met sneeuw bedekte bergen opgevoerd om een overweldigende verwondering en terreur over te brengen op een geboeid publiek. Laten we eens verdwalen in enkele van de meest ontzagwekkende, sublieme landschapsschilderijen aller tijden, van de Renaissance tot de moderne en hedendaagse tijd.
1. Pieter Brueghel de Oudere, Landschap met de Vlucht naar Egypte, 1563
Pieter Brueghel de Oude’s Landschap met de Vlucht naar Egypte, 1563 is typerend voor de sublieme landschapsschilderkunst van de Noordelijke Renaissance, waarin een adembenemend landschap wordt gecombineerd met een religieuze vertelling. Op de voorgrond wankelen de piepkleine figuurtjes van Maria en Jozef langs een gevaarlijke rotswand, op de vlucht voor de vervolging in Bethlehem. Het landschap is nauw verbonden met hun verhaal: het bleke, verre landschap stelt het vertrouwde land voor dat ze achterlaten, terwijl de donkere, dreigende voorgrond waar ze naartoe gaan, gehuld is in de duisternis en het gevaar van het onbekende. Breughel heeft geprobeerd om in dit ene beeld gebieden van stilte en beweging tegenover elkaar te zetten, door de rotsen en bergen als een constante en onbeweeglijke constante te schilderen, in vergelijking met de voortdurend vloeiende beweging van water, mensen en vogels. Dit evenwicht van tegenstellingen tussen donker/licht, breekbaarheid/duurzaamheid, en stilte/beweging is de reden waarom dit sublieme landschapsschilderij een van de meest blijvende beelden aller tijden is geworden.
2. Philip James De Loutherbourg, Een lawine in de Alpen, 1803
De in Groot-Brittannië gevestigde, in Frankrijk geboren Philip James De Loutherbourg schilderde An Avalanche in the Alps in 1803, in een tijd waarin de schilderachtige maar gevaarlijke Franse Alpen een steeds populairdere belichaming van het sublieme landschap werden. De Loutherbourg was behalve schilder ook decorontwerper, een rol die hem in staat stelde een overweldigende dramatiek in zijn doeken te leggen door middel van grimmige belichting, diepte en beweging. Hier beginnen de Franse bergen in de verte af te brokkelen in een lawine, die angstaanjagend grote wolken van opbollend stof en rook over de scène verspreidt en de hemel erboven verduistert. Een flits van wit licht in het midden vestigt onze aandacht op de kleine, doodsbange toeschouwers die minuscuul zijn in het licht van de vallende rotsen om hen heen, die spoedig zullen worden vernietigd door de elementaire krachten van de natuur.
3. Joseph Mallord William Turner, Snow Storm: Hannibal and his Army Crossing the Alps, 1812
J.M.W. Turner’s Snow Storm: Hannibal and his Army Crossing the Alps, 1812, typeert de kwellende schoonheid van de Romantiek, met monsterlijke, overhangende stormwolken die boven de kleine mensen beneden zweven. Het schilderij is opgedragen aan Hannibal Barca, bevelhebber van het Carthaagse leger in 200-100 v.C., en toont de soldaten van Hannibal die in 218 v.C. de Alpen proberen over te steken, terwijl Salassische stamleden Hannibals achterhoede bevechten. Hier wordt de storm een krachtige metafoor voor een levensgevaarlijke strijd als zwarte, woedende wolken een angstaanjagende, kolkende draaikolk vormen die terugduwt tegen de kleine, hulpeloze soldaten. In de verte is de zon een gloeiende bol van betoverend licht, een sprankje hoop temidden van de tragedie van de oorlog. Maar afgezien van de narratieve verwijzingen is dit sublieme landschap van Turner uiteindelijk een reflectie op de pure, destructieve wreedheid van de natuur, die de mensen eronder hardvochtig dreigt op te slokken.
4. Caspar David Friedrich, Wanderer Above Sea Fog, 1817
Een van de meest iconische en sublieme landschapsschilderijen aller tijden, Wanderer Above Sea Fog, 1817 van de Duitse schilder Caspar David Friedrich, belichaamt de dromerige idealistische geest van de Europese romantiek. Alleen op een hoge donkere rots overdenkt een eenzame figuur zijn plaats in het universum, terwijl mistige nevel wervelt over de verre valleien en bergen daarachter. Friedrich geeft het sublieme landschap hier weer als onherbergzaam en onkenbaar terrein, een weerspiegeling van de negentiende-eeuwse fascinatie voor de wilde, ongebreidelde natuur.
In tegenstelling tot andere kunstenaars uit die tijd, die de neiging hadden kleine figuren te maken om de grootsheid van het landschap te benadrukken, geeft Friedrich zijn figuur een centrale rol, maar van achteren gezien behoudt hij zijn anonimiteit als een abstracte ‘zwerver’, die symbool staat voor alle weemoedige dromers uit de negentiende eeuw en daarna. Het tafereel is een imaginaire weergave van het Duitse berglandschap; om zulke mystieke plekken te creëren zocht Friedrich het in zichzelf en schreef: “Sluit je fysieke oog, zodat je je beeld eerst met het spirituele oog kunt zien. Breng dan wat je in het donker zag in het licht, zodat het een uitwerking op anderen kan hebben, door van buiten naar binnen te schijnen.”
5. Karl Eduard Biermann, De wetterhoorn, 1830
Karl Eduard Biermanns De Wetterhorn, 1830, belichaamt de sublieme landschapsschilderstijl van de Duitse schilder, met een uitgestrekt, ruig terrein temidden van een dramatische, theatrale belichting. De rotsachtige voorgrond is zorgvuldig geschilderd in rijke donkere tinten groen en bruin, en leidt ons naar een strook bomen en rotsen die in zwarte schaduw verdwijnen. Op de achtergrond wordt een episch gebergte verlicht door een zonnestraal, die zijn ijskoude, puntige spitsen benadrukt als een mystieke en onbereikbare plaats, terwijl wolken boven ons uitzwermen alsof ze dreigen uit te barsten in een storm. Zoals veel Romantische schilders benadrukt Biermann het ontzag, de verwondering en de angstaanjagende schaal van de scène door twee kleine figuren op de voorgrond te plaatsen die ons toelaten ons in het midden van de scène te wanen. Ze proberen over ongelijke rotsen en drassig gras te klimmen, terwijl een woeste waterval aan hen voorbij gutst en het licht vangt als een bliksemstraal, die hun hachelijke tocht in tweeën splijt.
6. Arnold Bocklin, Het eiland van de doden, 1880
Een van de meest beklijvende sublieme landschapsschilderijen ooit gemaakt, The Island of the Dead van de Duitse schilder Arnold Bocklin, 1880, verbeeldt een denkbeeldig eiland dat oprijst uit de zee tegen een donkere, dreigende hemel. Het schilderij werd gemaakt in opdracht van de pas weduwe geworden Marie Berna, die alleen vroeg om “een schilderij om over te dromen”. In antwoord op haar verzoek verrijkte Bocklin zijn beeld met toespelingen op dood en rouw. Op de voorgrond wordt een spookachtige witte figuur in een kleine roeiboot naar het eiland gestuurd, naast een voorwerp dat op een doodskist lijkt. De roeier is wel vergeleken met de oude Griekse figuur van Charon de bootsman, die de zielen van de doden over de rivier de Styx naar Hades bracht. Langs het eiland staan rijen dreigend donkere cipressen, die traditioneel met kerkhoven worden geassocieerd, terwijl de grillig gloeiende rotsen erachter zijn ingesneden met sepulcrale deuren en ramen. In tegenstelling tot veel sublieme landschappen is de scène doordrongen van een griezelige stilte; Bocklin zelf beschreef het werk zelfs als “zo stil dat je zou schrikken als er op de deur werd geklopt.”
7. Edvard Munch, Witte nacht, 1901
Edvard Munch maakte Witte nacht, 1901 in zijn latere carrière, in een tijd waarin hij de figuratie had losgelaten ten gunste van sfeervolle landschappen, maar dezelfde doordringende angst van zijn eerdere kunst bleef bestaan. Dit sublieme landschapsschilderij portretteert zijn geboorteland Noorwegen in het holst van de winter, terwijl hij over dreigend donkere bomen naar een bevroren fjord kijkt. Een woud van sparren vormt een gekartelde rand zo scherp als een zaagsnede, een waarschuwing voor het gevaarlijke ijs daarachter. Zwarte bomen op de voorgrond suggereren gezichten of spookwezens, maar ze zijn nauwelijks herkenbaar onder de mantel van het vallen van de nacht. Door het glinsterende maanlicht te combineren met deze eigenschappen van gevaar en dreiging, geeft Munch in zijn nachtelijke wintertafereel de sublieme schoonheid van de Noorse winter weer. Reflecterend over de manier waarop zijn landschapstaferelen observaties met de innerlijke geest konden laten versmelten, schreef Munch: “De natuur is niet alleen alles wat zichtbaar is voor het oog… zij omvat ook de innerlijke beelden van de ziel.”
8. Akseli Gallen-Kallela, Lake Keitele, 1904
Askeli Gallen-Kallela’s Keitele Meer, 1904, toont het beroemde Finse meer als een betoverende spiegel van licht, doorklieft met zigzaggende windstromingen. Het schilderij werd gemaakt in een tijd waarin in heel Finland een groeiend verlangen naar onafhankelijkheid voelbaar was. Dit sublieme landschapsschilderij, dat de grote ongerepte wildernis van het land verheerlijkt, werd een krachtig symbool voor Fins nationalisme en trots. Hoewel er geen teken van menselijk leven te zien is, waren de natuurlijke stromingen die door het water lopen een bekend kenmerk van het meer. Deze stromingen waren historisch zo bekend dat ze in de oude Finse cultuur in verband werden gebracht met de mythologische figuur Väinämöinen, van wie werd gezegd dat hij rimpelingen achterliet als hij over het meer reisde. Deze subtiele afbeeldingen van de beweging hadden een grote nationalistische symboliek voor Gallen-Kallela, omdat ze de mysterieuze en raadselachtige schoonheid van de oude Finse cultuur en haar nauwe band met het land vierden. Hij beschreef ze als, “zilverachtige strepen aan het oppervlak van het serene water zijn de golfjes die de passie aankondigen die komen gaat.”
9. Thomas Moran, The Grand Canyon of the Colorado, 1904
In The Grand Canyon of the Colorado van Thomas Moran, 1904, wordt de uitgestrektheid van dit beroemde nationale park overgebracht op een enorme, panoramische schaal van zeven bij tien voet. De Amerikaanse schilder Moran, een leider in zowel de Hudson River School als de Rocky Mountain School, was zo onder de indruk van Colorado’s gevaarlijk mooie ongerepte terrein dat hij zich diep onderdompelde in een landschap waar weinigen zich voor hem hadden gewaagd. Hij schilderde meer dan dertig scènes die dit unieke, sublieme landschap vastlegden. Gefascineerd keek hij naar de grote open ruimte achter hem en schreef: “De enorme architectuur vervult je met verwondering en bewondering, en de kleuren, vormen en atmosfeer zijn zo verrukkelijk mooi dat, hoe bereisd je ook bent, er een nieuwe wereld voor je open gaat als je in de Grand Canyon kijkt.”
Deze scène geeft een geïdealiseerd en geromantiseerd beeld van de Grand Canyon als scherpe rotsen in en uit het licht vallen voordat ze vervagen aan de verre horizon, terwijl een naderende storm boven ons aanwakkert. Het publiek was zo verblind door Moran’s portretten van de grote Amerikaanse wildernis, dat hij vandaag de dag wordt gecrediteerd voor het beïnvloeden van de oprichting van het nationale park systeem dat de integriteit van Amerika’s sublieme landschap heeft bewaard.
10. Peter Doig, Ski Jacket, 1994
De ski-jas van de Schotse schilder Peter Doig uit 1994 is een vlaag van energie en beweging in de vorm van sneeuw. Doig baseert zich op een foto van een groep skiërs op een Japanse berg, maar vervormt en verstoort het oorspronkelijke beeld opzettelijk door het doormidden te snijden en weer samen te voegen, waardoor een griezelig gespiegeld Rorschach-effect ontstaat. Doig staat bekend om zijn combinatie van fotografisch materiaal en schilderkunstige markeringen, waarbij hij de twee tegenstrijdige stijlen met elkaar laat spelen, zoals te zien is in deze afbeelding, waar zorgvuldig geschilderde bomen worden omgeven door losjes gelaagde wassingen van roze, wit en groen. Deze waterige verflagen suggereren de koude, glibberige eigenschappen van ijs en sneeuw die het beeld doordringen en het een gevaarlijke onzekerheid verlenen, waardoor de angst wordt versterkt van de kleine skiërs die worstelen tegen het verraderlijk steile terrein om hen heen.
Legacy Of Sublime Landscape Painting
Het sublieme werd in de 19e eeuw ‘passé’ verklaard en verdween ten gunste van het Franse impressionisme. De sublieme landschapsschilderkunst maakte echter een comeback in de 20e eeuw toen abstracte expressionisten dezelfde existentialistische, transcendente thema’s in hun schilderkunst verkenden. Kunstenaars als Mark Rothko, Clyfford Still en Robert Smithson hebben allemaal elementen van het sublieme in hun werk gebruikt.