Arte de Velázquez
No seu período inicial (1618-1623) Velázquez pintou retratos e temas de género e religiosos num realismo influenciado pela arte de Caravaggio com fortes contrastes de claro e escuro e, frequentemente, com um pesado impasto. A falta de convicção religiosa foi erradamente imputada a Velázquez devido à forma como trataria um tema religioso numa relação aparentemente casual com uma cena comum e contemporânea. Pelo contrário, este foi um dispositivo cuidadosamente planeado em conformidade com os conselhos de Santo Inácio de Loyola que, a fim de persuadir qualquer pessoa da fé, deve começar onde ele está e não de onde deseja que ele esteja.
Cristo na Casa de Maria e Marta (ca. 1619-1620) é um caso em questão. Em primeiro plano, uma jovem criada de cozinha insatisfeita está a trabalhar atrás de uma mesa, enquanto uma velha bondosa chama a sua atenção para a cena do diminutivo no fundo direito, mostrando Cristo a admoestar Marta enquanto Maria se senta contente aos seus pés. Depois de Marta se ter queixado a Cristo de que ela estava a fazer todo o serviço enquanto a sua irmã simplesmente se sentava, Cristo respondeu que Maria tinha escolhido a melhor parte, que não lhe seria tirada (Lucas 10:38-42). Este incidente bíblico foi citado como uma justificação para a vida contemplativa de uma freira. Parece, então, que a velha mulher está a lembrar à criada da cozinha a escolha que lhe foi feita se não encontrar contentamento no papel activo.
p>significativamente, os historiadores de arte debatem se a pequena cena do título é uma pintura de parede, um espelho reflexo, ou uma cena real vista através de uma abertura na parede. Esta ambiguidade está no centro da intenção de Velázquez de pregar a intemporalidade da mensagem de Cristo. A pintura também ilustra uma constante na sua arte, quer a cena seja religiosa, de género, mitológica ou histórica, ou simplesmente um retrato: a sua arte requer uma contemplação atenciosa, que é recompensada com uma percepção da empatia profunda e espiritual que o artista tinha pelo seu tema ou modelo individual.
Velázquez inspirou-se nas Metamorfoses de Ovid para pintar o Triunfo de Baco (Os Bêbados; 1628-1629), mas tinha um ponto de vista em relação à mitologia, comum no século XVII, que via as actividades das divindades pagãs como menos que divinas e o comportamento dos humanos sob a sua influência como menos que cristãos. Assim, o seu Baco é um jovem calvo, com excesso de peso e músculos flácidos; os rústicos embriagados são bufões. Velázquez aponta a sua moral para a direita, onde um mendigo é recusado com falso arrependimento por um dos bacanos. Marte (1639-1642) levou um inglês a exclamar no século XIX: “Ora, ele não passa de um mendigo despido”. Ele compreendeu involuntariamente a intenção de Velázquez de desmascarar a glória da guerra.
Muitas das obras de Velázquez mostram pentimenti, ou seja, alterações feitas ou na altura da execução ou muito mais tarde. Aparentemente, ele fez muito poucos esboços preparatórios e preferiu procurar na própria tela a forma certa, a harmonia sensível da cor, a difusão da luz num espaço arejado, e a síntese do todo. Com o passar dos anos, a sua pincelada tornou-se impressionista, o seu pigmento mais líquido, e as suas superfícies mais lustrosas, e simplificou as suas composições, murmurando o claro-escuro. Finalmente, o seu poder de revelar o divino-na fragilidade da infância, como no retrato do príncipe Philip Prosper (1659), ou na personalidade marrom, por exemplo, a pintura de Philip IV (1652-1653) no Prado, ou na nobreza do acto, exemplificada na famosa Rendição de Breda (1634-1635) – foi tão eloquente que o espectador compreendeu e respondeu instantaneamente como um com Velázquez, o cavaleiro compassivo.