Editar as eras Barroca e Clássica
Parte da música das eras Barroca e Clássica é absoluta, como é sugerido pelos títulos que muitas vezes consistem simplesmente no tipo de composição, uma designação numérica dentro da obra do compositor, e a sua chave. Concerto de Bach para Dois Cravo em Dó Menor, BWV 1060; Sonata para Piano de Mozart em Dó Maior, K. 545, e a Sinfonia nº 7 de Beethoven em Lá Maior (Opus 92) são todos exemplos de música absoluta.
Pelo contrário, alguns compositores da era Barroca costumavam desenhar títulos para a sua música de uma forma semelhante à da música do programa Romântico, chamada de estilo rappresentativo (representativo). Alguns dos exemplos mais notáveis foram compostos por Antonio Vivaldi – alguns dos seus concertos de violino, flauta ou gravador trazem títulos inspirados em afectos humanos (Il piacere – o prazer), ocupações (La caccia – a caça, La pastorella – a pastora) ou, sobretudo, aspectos da natureza e meteoros (The Four Seasons, La notte – a noite, La tempesta di mare – a tempestade do mar). Outro exemplo conhecido é a Sonata representativa de Heinrich Ignaz Biber (para violino e continuo), que retrata vários animais (o rouxinol, o cuco, o gato) de uma forma humorística. Contudo, pode ser feita uma distinção entre música “representativa” e música de programa propriamente dita, bem como entre “imitação” e “representação”. Finalmente, há a questão de saber se um carácter deliberadamente expressivo é suficiente para ser classificado como um “programa” (Scruton 2001).
Era RomânticaEditar
Música de programa era bastante popular durante a era Romântica. Muitas das principais obras “clássicas” são inequivocamente música programada, tais como An Alpine Symphony, de Richard Strauss, que é uma descrição musical da subida e descida de uma montanha, com 22 títulos de secções tais como “Night”, “Sunrise”, “By the Waterfall”, “In Thicket and Underbrush on the Wrong Path”, “Summit”, “Mists Rise” e “Storm and Descent”. A Sinfonia nº 6 de Beethoven é também claramente música de programa, com movimentos titulados e representações instrumentais de chamadas de pássaros, danças campestre e uma tempestade. O seu décimo quinto quarteto de cordas, Opus 132, contém um movimento médio intitulado “Heiliger Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit, in der lydischen Tonart” (“A Holy Song of Thanksgiving to the Divinity, in the Lydian Mode”), sugerindo a alguns auditores que toda a obra pode ser ouvida como uma evocação tonal de doença e recuperação.
Era modernistaEditar
Durante o final do século XIX e o século XX, a crescente influência do modernismo e outras tendências anti-românicas contribuíram para um declínio na estima pela música programada, mas o público continuou a apreciar peças como a representação de Arthur Honegger de uma locomotiva a vapor no Pacífico 231 (1923). De facto, o fragmento de orquestra incompleto de Percy Grainger, Train Music, emprega a mesma função. Esta música para grande orquestra retrata um comboio em movimento nas montanhas de Itália. Heitor Villa-Lobos retratou de forma semelhante um comboio rural movido a vapor em The Little Train of the Caipira (1930), que não repeliu todos os ouvintes.
Indeed, todo um género surgiu nos anos 20, particularmente na União Soviética, de pitorescas máquinas e fábricas de representação de música. Exemplos bem conhecidos incluem a Fundição de Ferro de Alexander Mosolov (1926-27) e Le Pas d’acier (The Steel Step, 1926) de Sergei Prokofiev. Um exemplo de fora da União Soviética é o Ballet mécanique de George Antheil (1923-24).
Ópera e BalletEdit
Música que é composta para acompanhar um ballet é frequentemente música de programa, mesmo quando apresentada separadamente como peça de concerto. Aaron Copland divertiu-se quando um ouvinte disse que quando ouvia a Primavera dos Apalaches “podia ver os Apalaches e sentir a Primavera”, tendo o título sido um pensamento de última hora, mas é certamente música de programa. As partituras de filmes e a orquestração em óperas são muito frequentemente música programada, e algumas partituras de filmes, como a música de Prokofiev para Alexander Nevsky, encontraram mesmo um lugar no repertório de concertos clássicos.
Música programática e imagens abstractasEditar
Uma boa parte da música programada insere-se entre o reino puramente programático e puramente absoluto, com títulos que sugerem claramente uma associação extramusical, mas sem história detalhada que possa ser seguida e sem passagens musicais que possam ser inequivocamente identificadas com imagens específicas. Exemplos incluem Dvořák’s Symphony No. 9, From the New World ou Beethoven’s Symphony No. 3, Eroica.
Música popularEdit
Porque a esmagadora maioria da música popular ocidental é em forma de canção, parece que a maioria da música popular é programática por natureza: tem letra, portanto trata-se de algo que não a própria música.
Um termo comum para música popular não vocal, e portanto para fins práticos um termo para música absoluta num contexto popular, é “instrumental” ou “secção instrumental”.
Embora o debate seja do interesse de muitos, para fins práticos a maioria dos estudiosos utiliza o termo “programar música” no sentido mais restrito descrito acima.
Trilha sonora do filmeEdit
Influenciada pelo falecido trabalho romântico de Nikolai Rimsky-Korsakov, Ottorino Respighi, Richard Strauss, e outros, a trilha sonora do filme assumiu a bandeira da música programática após o advento dos “talkies”. Muitos compositores de filmes, incluindo Paul Smith, Ennio Morricone, e John Williams (cuja banda sonora Star Wars de 1977 redefiniu a partitura sinfónica do filme) seguiram o modelo programático e solidificaram a banda sonora do cinema como o seu próprio género programático. O poder da música para a sugestão pictórica pode ser dito ter culminado no filme Fantasia de Walt Disney de 1940. A Disney também nos deu o termo Mickey Mousing, utilizado para descrever partituras que imitam demasiado obviamente os movimentos da natureza. A música de Max Steiner, por exemplo, muitas vezes elogiada pela sua sincronia de som-imagem, foi também atacada por ser demasiado “Mickey Mouse”.