Dalla Duke University – Analisi visiva
Lo scopo di un’analisi visiva è di riconoscere e capire le scelte visive che l’artista ha fatto nel creare l’opera d’arte. Osservando e scrivendo su parti separate dell’oggetto d’arte, arriverai a una migliore comprensione dell’oggetto d’arte nel suo insieme.
Cosa sono la retorica visiva e l’alfabetizzazione visiva?
La definizione più semplice di retorica visiva è come/perché le immagini visive comunicano significato. L’alfabetizzazione visiva riguarda anche il modo in cui la cultura e il significato sono riflessi, comunicati e modificati dalle immagini. L’alfabetizzazione visiva coinvolge tutti i processi di conoscenza e di risposta a un’immagine visiva, così come tutto il pensiero che potrebbe andare nella costruzione o nella manipolazione di un’immagine.
Un’analisi visiva affronta gli elementi formali di un’opera d’arte – attributi visivi come il colore, la linea, la consistenza e la dimensione. Include anche il contesto storico o le interpretazioni di significato.
- Leggi attentamente il compito o le domande per decidere quali elementi di analisi visiva devono essere inclusi, poiché non tutti gli aspetti sono adatti a essere commentati per ogni dipinto. Seleziona gli aspetti che sembrano più appropriati. Alcune domande o incarichi richiederanno che tu faccia un’analisi comparativa – (confrontando opere d’arte, o artisti da un diverso contesto sociale o storico) o si aspettano che tu inquadri la tua descrizione formale in termini di contesto storico o sociale. informazioni.
- Tutte le osservazioni devono essere giustificate, ad esempio “Il Mont Sainte-Victoire di Paul Cézanne è composto da un numero di forme ripetute e linee che servono a unificare la composizione. Quindi, se fai un’osservazione su un elemento formale, indica anche quale effetto visivo ha secondo te.
Paul Cézanne, Mont Sainte-Victoire (1885-7)
1. Registrare i dettagli del dipinto (le tue note devono sempre indicare il pittore, il titolo e la data)
Nota; per gli esami ogni sezione ha due domande, nella prima domanda, ti verranno date le immagini e questi dettagli, puoi poi fare riferimento alle opere come sono numerate nella carta e.g fig 1b.
Nome del pittore: (es. Monet)
Titolo dell’opera: (es. Cattedrale di Rouen in pieno sole)
Data in cui è stato dipinto: (es. 1874)
Non si tratta solo di datare l’opera – una volta che hai la data, puoi dare un’occhiata a ciò che stava succedendo in quel periodo di tempo che avrebbe portato l’artista a voler ritrarre il suo soggetto nel modo in cui l’ha fatto.
Dimensione: (es. 84 x 63 cm)
Medium: (es. olio su tela)
Periodo stilistico: (es. Impressionismo)
Nota – Se il compito o la domanda ti chiede di identificare lo stile o il movimento associato all’opera d’arte, confronta gli elementi formali dell’opera d’arte con le caratteristiche stilistiche dello stile o del movimento. Per esempio: “La biblioteca di Robert Adam a Kenwood è piuttosto classica, non solo per le colonne corinzie e le volte a botte, ma anche perché è simmetrica, geometrica e attentamente bilanciata.”
2. Soggetto e tema
- Descrivere il soggetto: (es. l’artista Courbet incontra il suo mecenate Monsieur)
- e/o Descrivi il contenuto: (es. la facciata in pietra di una cattedrale gotica)
- e/o spiegare le idee che il dipinto sta esprimendo (politiche, sociali, personali): (es. Courbet si ritrae come di pari status al suo ricco mecenate)
- Identificare i temi di fondo: (es.(es. sacrificio di sé, lealtà alla nazione nel Bruto di David che riceve i corpi dei suoi figli)
- Spiegare qualsiasi sfondo noto sull’opera (usando la ricerca per scoprirlo): (es. il formato deriva da una stampa popolare chiamata L’ebreo errante)
- “Com’è l’atmosfera? In altre parole: quale sensazione generale si ha dall’opera? Le scelte di colore che l’artista ha usato ti fanno sentire in un certo modo? La composizione ti dà uno stato d’animo?
3. Composizione (significa l’organizzazione di oggetti e/o figure all’interno del dipinto) (seleziona solo il più rilevante di questi), come fa l’artista a mettere insieme le diverse parti della tela? Come fa l’artista a far muovere l’occhio sulla tela? C’è un posto dove il tuo occhio finisce sempre? Cosa ti fa pensare questo movimento e organizzazione delle figure o degli oggetti raffigurati?
- Punto focale:
- Forme geometriche:
- Simmetria/asimmetria?:
- Metodi usati per condurre l’occhio intorno all’opera:
- Effetti creati da dispositivi compositivi: (es. stabilità, ordine, casualità, effetto di attirare l’attenzione su parti particolari dell’opera)
4. Spazio/Profondità (come viene creata l’illusione della profondità?)
Camille Pissarro, Hyde Park, Londra 1890
- Prospettiva lineare: (es. Pissarro usa una fila di alberi che si allontanano e portano lo sguardo in lontananza. Gli alberi spariscono in un punto dell’orizzonte)
- Prospettiva aerea: (il graduale schiarimento, la foschia e la sfumatura bluastra che appare verso l’orizzonte)
- Sovrapposizione di oggetti:
- Distanza dal piano del quadro: (senso di distanza dalla superficie reale del dipinto)
5. Colore
- Colori principali usati :
- Colori freddi e caldi:
- Gamma della tavolozza: (significa il numero di colori usati – una vasta gamma o una tavolozza limitata)
- Effetti che il colore crea:
Emil Nolde, Dance Around the Golden Calf
- Esempio: L’attenzione è attirata dalla figura centrale che è dipinta in forti tonalità di viola e blu – un contrasto sorprendente con il giallo complementare delle altre due figure. Anche se Nolde ha lavorato con colori caldi e freddi, questi sembrano essere più discordanti e inquietanti.
6. Luce
- Direzione della luce :
- Chiaroscuro (contrasti di luce e ombra) o illuminazione uniforme :
- Luce atmosferica (per creare atmosfera):Esempio: “L’uso del chiaroscuro da parte di Rembrandt accresce il senso di drammaticità ne La ronda di notte
La ronda di notte di Rembrandt
7. Forma ed effetti
- Uso del contorno per definire la forma: (I contorni sono chiari?)
- Uso della modellazione tonale (ombreggiatura della forma) per creare forme 3-d:
- Le forme appaiono statiche (non in movimento) o sembrano essere in movimento?
- Quale sensazione crea l’uso della linea?
Esempio: I fauvisti usavano una linea espressiva – non usavano la linea per imitare il reale, ma come il loro uso dei colori, usavano la linea per esprimere una sensazione o per enfatizzare una forma, o una forma che contribuiva alla sensazione di un dipinto. La linea nera spessa, che spesso delineava le forme, veniva riempita con colori intensi. La linea era anche spesso usata come mezzo decorativo come si vede nella Danza di Andre Derain o nell’Armonia in rosso di Matisse.
Matisse – Armonia in rosso 1908-9
8. Tecnica
- Finitura liscia:
- o pittura applicata spessa (impasto):
- Effetti: (es. implica la consistenza degli oggetti e degli indumenti come il marmo, il raso)
- Senti la consistenza naturale nel dipinto, come la morbidezza di un frutto
- Quale movimento artistico, la tecnica ti ricorda
Esempio: I colori puri e non mescolati sono stati ulteriormente intensificati applicando spesse pennellate e sbavature. In Finestra aperta a Collioure di Matisse, per esempio, la pennellata assume anche un significato simbolico; ogni livello di spazio è caratterizzato da un diverso tipo di pennellata. In questo dipinto la pennellata diventa una metafora della qualità del tempo associata al tipo di spazio. Aree piatte di pittura sono utilizzate per gli spazi interni e architettonici che hanno un tempo statico; brevi tratti curvi per le piante intorno alla finestra, e linee tratteggiate orizzontali e verticali per le navi in mare.
Matisse – Finestra aperta a Collioure, 1905
Nelle Montagne a Collioure di Andre Derain si possono vedere le pennellate ripetitive che danno ai dipinti dei Fauves un aspetto molto grezzo e non finito rispetto alle altre opere d’arte dell’epoca. Si può anche vedere chiaramente l’inflessione della pennellata di van Gogh.
Mountains at Collioure di André Derain
9. Contesto (conosciuto attraverso la ricerca e la conoscenza dello stile)
Sociale/storico/artistico: per esempio si adatta allo stile personale dell’artista, si adatta allo stile del periodo artistico: Come il soggetto, il tema e la forma hanno trasmesso idee, valori, sentimenti, credenze, percezioni? Cosa può dire l’opera d’arte sul periodo e sulla cultura in cui è stata creata?
Esempio di domanda
Scrivi un saggio in cui fai specifico riferimento ad almeno DUE opere d’arte di qualsiasi artista locale o internazionale che hai studiato, che ritieni abbia indagato il tema dell’identità nella sua/nel suo lavoro.
La tua risposta dovrebbe includere le seguenti informazioni:
– Ispirazione/Influenze sull’opera
– Elementi formali usati nell’opera
– Temi e messaggi nell’opera che danno un senso dell’identità dell’artista/artista.
Le tue risposte dovrebbero avere un’introduzione alla domanda specifica, e una conclusione.
Infine ecco alcuni ottimi consigli di Chelsea Emelie Kelly e Alexander J. Noelle
Le due domande più importanti.
Ci sono solo due domande di cui hai veramente bisogno per guardare l’arte, e sono: “Cosa sta succedendo in questo quadro/scultura/edificio?” e “Cosa vedo che mi fa dire questo?”
Guarda il quadro e cerca di capire cosa stai vedendo, anche se ti sembra incomprensibile; poi TROVA nel quadro le prove che confermano quello che vedi.
Per esempio, guardiamo il famoso Urlo di Edvard Munch (1893). Cosa vediamo? Si potrebbe rispondere che è facile: un uomo spaventato e sopraffatto. Ok, sicuramente – ma come facciamo a sapere che è un uomo? Perché è spaventato e sopraffatto? Che cosa nel dipinto ci rende capaci di dire queste cose?
Si potrebbe controbattere con: è un uomo perché è calvo e ha un tipo di corpo maschile. È spaventato a causa dell’espressione del suo viso – la sua bocca è aperta, i suoi occhi sono spalancati, si sta stringendo il viso con le mani. E forse è sopraffatto da tutto ciò che lo circonda nel dipinto – questo ponte fortemente inclinato, il cielo luminoso e vorticoso, e le strane forme blu dietro di lui. Anche il suo corpo è tutto contorto, come tutto ciò che lo circonda.
Se anche tu ti senti sopraffatto, non preoccuparti. Ci vorrà un po’ di spinta per arrivare al punto in cui ti sentirai a tuo agio a saltare in un dipinto ed esplorarlo, ma la pratica rende perfetti. Prova a visitare un museo con un amico e a parlare di un dipinto con lui – entrambi vedrete cose che l’altro non ha visto, e parlare di arte ad alta voce può davvero aiutarti a capire un pezzo.
Ricorda inoltre che ogni scelta dell’artista è consapevole. C’è una ragione per cui pensi che il ragazzo sia spaventato e sopraffatto: perché Munch stesso ha deciso di dipingerlo con quell’espressione, ha deciso di creare un paesaggio vorticoso e sconvolgente intorno a lui, in quei rossi e blu specifici. Capire il modo in cui un artista manipola la tua interpretazione di un’opera è la chiave per entrare nella testa dell’artista.
Una volta che sei in grado di rispondere a queste due domande fondamentali, probabilmente hai capito quello che gli storici dell’arte chiamano il “soggetto” del dipinto – sai, ciò che è sulla tela. Da lì, puoi facilmente iniziare ad esplorare ulteriormente l’opera ponendoti altre domande più dettagliate.
Guarda anche questo link per un esempio di analisi di The Scream
Analysis.com – un sacco di esempi di opere d’arte analizzate
Duke University – Visual Analysis
Scrittura nelle discipline: Storia dell’Arte:
Panoramica: Retorica visiva/letteratura visiva:
Retorica visiva/letteratura visiva: Scrivere sui dipinti
Retorica visiva/alfabetizzazione visiva: Scrivere di fotografie