Der Dadaismus war eine avantgardistische Kunst- und Kulturbewegung, die durch das gesellschaftliche Klima in Europa nach dem Ersten Weltkrieg ausgelöst wurde. Es war eine Ablehnung des modernen Kapitalismus, der bürgerlichen Kultur und der Kriegspolitik, die sich mit anderen linksradikalen Gruppen verband. Dies wurde durch die Verwendung von nicht-traditionellen Kunstmaterialien, Satire und unsinnigen Inhalten ausgedrückt. Sogar der Name der Bewegung, „Dada“, sollte ein Wort ohne Bedeutung sein. Im Folgenden finden Sie 10 ikonische Kunstwerke, die diese Nachkriegskunstbewegung charakterisieren.
Marcel Duchamp, Fountain (1917)
Marcel Duchamp war einer der produktivsten Künstler des Dadaismus und schuf zahlreiche berüchtigte Gemälde, Collagen und Skulpturen. Er wird auch mit dem Kubismus, dem Futurismus und der frühen konzeptuellen Kunst in Verbindung gebracht. Er hatte einen monumentalen Einfluss auf die modernistische Kunst des 20. Jahrhunderts und insbesondere auf die Bildhauerei. Seine Arbeit erreichte ihre Reife nach dem Ersten Weltkrieg, als er begann, die Kunst als Mittel des kulturellen Protests einzusetzen.
Fountain ist eines der ikonischsten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts und repräsentiert eine große Veränderung in der Funktion der Kunst in der Gesellschaft. Während das Original von 1917 heute nicht mehr erhalten ist, schuf die Tate 1964 eine Replik aus Steingut. Sie ist eines der frühesten Beispiele für „Lowbrow“- oder „Readymade“-Skulpturen, die aus gefundenen Objekten hergestellt werden. Duchamp reichte die Skulptur beim Pariser Salon ein, aber sie wurde abgelehnt, weil sie nicht als Kunst angesehen wurde.
Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q. (1919)
L.H.O.O.Q. ist ein weiteres berühmtes Beispiel für eine „Readymade“-Skulptur von Marcel Duchamp. Sie entstand aus einer billigen Postkarte von Leonardo da Vincis Mona Lisa (1503-06), auf die Duchamp dann einen gewachsten Schnurrbart und einen Ziegenbart zeichnete. Das Stück weist Elemente der Satire auf und lehnt die Ästhetik der „hohen Kunst“ ab. Der Titel des Werks ist ebenfalls satirisch, denn L.H.O.O.Q. klingt auf Französisch wie „Elle a chaud au cul“, was übersetzt „sie ist heiß im Hintern“ bedeutet und dem Werk eine unterschwellige Sexualität verleiht.
Kurt Schwitters, Konstruktion für edle Damen (1919)
Kurt Schwitters war ein deutscher Künstler, der mit verschiedenen Medien experimentierte, darunter Malerei, Skulptur, Grafikdesign, Installationskunst und Poesie. Seine Arbeit wurde mit dem Surrealismus, Kubismus und Konstruktivismus sowie dem Dadaismus in Verbindung gebracht. Er war auch dafür bekannt, dass er seine Arbeiten mit dem Begriff Merz bezeichnete, einem von ihm erfundenen Begriff, der ein Synonym für Dada als eine Form des kulturellen Protests war.
Die Konstruktion für edle Damen ist ein Beispiel für Schwitters‘ Verwendung der Abstraktion in Collage und Skulptur. Dieses Assemblage-Stück veranschaulicht auch den Stil der „gefundenen Objekte“ in der Bildhauerei, da es aus einer Vielzahl von zerbrochenen und unzusammenhängenden Materialien konstruiert ist: ein Trichter, eine metallene Spielzeugeisenbahn, zerbrochene Räder und andere Schrottgegenstände. Es enthält auch ein horizontales Porträt einer adligen Dame, von dem das Stück seinen Titel erhält. Die Montage des Werks ist grob, und das Gemälde hat ein raues Finish, was zu einer weiteren Abweichung von den vorhergehenden künstlerischen Erwartungen beiträgt. Dennoch hat das gesamte Werk eine elegante Asymmetrie, die zeigt, dass auch aus Schrott ein Meisterwerk entstehen kann.
Raoul Hausmann, Der Kunstkritiker (1919-20)
Raoul Hausmann war ein prominenter österreichischer Künstler und ein Führer der Dada-Bewegung in Berlin. Hausmann war auch ein expressionistischer Künstler. Nachdem er die Dadaismus-Bewegung kennengelernt hatte, traf er andere Künstler wie John Heartfield und George Grosz. In dieser Zeit widmete er sich vor allem der Poesie und der fotografischen Collage, die die europäische Avantgarde der Nachkriegszeit nachhaltig prägen sollte. Seine Gedichte waren dafür bekannt, besonders provokant zu sein und seine Kunstwerke sehr satirisch. Er war auch ein Liebhaber der Dadaistin Hannah Höch.
Der Kunstkritiker ist Hausmanns glühende Kritik an der Oberflächlichkeit der Kunstwelt. Das Werk ist eine Fotocollage, die aus einer Reihe von Zeitschriften- und Zeitungsfotos besteht und einige gezeichnete Elemente enthält. Die Arbeit wird als „anspruchslos“ bezeichnet, da sie Materialien und Ikonographie aus der Populärkultur verwendet. Es suggeriert, dass Kunstkritiker, ähnlich wie bei der Konstruktion einer Collage, ein zusammengeschustertes Wissen über leere Fakten besitzen und die Bedeutung von Kunst nicht wirklich verstehen.
Hannah Höch, Schnitt mit dem Küchenmesser Dada durch die letzte Weimarer Bierbauch-Kulturepoche Deutschlands (1919-20)
Hannah Höch war eine deutsche Künstlerin und Mitglied der dadaistischen Bewegung. Sie war eine Pionierin der Technik der Fotomontage oder Fotocollage unter Verwendung von Bildern aus populären Medien. Sie interessierte sich für Feminismus, Gender und Androgynität in der Kunst, insbesondere für die Auflösung der Dichotomie der „Neuen Frau“. Auch das politische Klima während der Weimarer Republik verarbeitete sie in ihren Arbeiten.
Der Schnitt mit dem Küchenmesser repräsentiert die Gegenüberstellung von Dadaismus und Mainstream-Kultur dieser Zeit. In einem Teil der Fotocollage sind Angehörige der herrschenden politischen Gruppen wie der Weimarer Regierung und der Armee versammelt. Im krassen Gegensatz dazu zeigt die andere Seite der Arbeit Kommunisten, Künstler und andere Radikale. Höch fügte auch eine kleine Karte ein, die die Länder in Europa zeigt, die Frauen das Wahlrecht erlaubten. Das Stück demonstriert die Rebellion der Dadaisten und anderer radikaler Gruppen in einer Zeit strenger politischer und kultureller Konformität.
Raoul Hausmann, Der mechanische Kopf (1920)
Der mechanische Kopf ist Raoul Hausmanns berühmtestes Werk. Er wurde aus einer Friseurperücken-Attrappe, einem Lineal, einer Taschenuhr, einer Brieftasche, Teilen eines Fotoapparats und anderen Fundstücken gefertigt. Das Werk soll ein Kommentar dazu sein, wie der Mensch mit Objekten und der ihn umgebenden Welt interagiert. Das Gesicht ist völlig ausdruckslos, im Gegensatz zu den ausdrucksstarken Gesichtern europäischer Meisterwerke der Kultur. Stattdessen wird sein Charakter durch die ihm beigefügten äußeren Gegenstände erklärt. Die Skulptur stellt damit alle vorhergehenden Darstellungen von Intellektualität und Tiefe in Frage und zeigt das Subjekt nur in seiner Beziehung zur oberflächlichen, materiellen Welt um es herum.
Jean Arp, Shirt Front and Fork (1922)
Jean Arp, auch bekannt als Hans Arp, war ein deutsch-französischer Maler, Bildhauer und Dichter. Er war ein Gründungsmitglied der dadaistischen Bewegung. Nach seinem Umzug nach Zürich lernte er die Künstlerkollegen Hugo Ball und Sophie Taeuber kennen, die Arps Frau werden sollte. Das Trio arbeitete daraufhin gemeinsam an einem dadaistischen Manifest. Arps Werk war bekannt für die Erforschung des Unbewussten, seine Elemente der Satire und die Abstraktion organischer Formen.
Shirt Front and Fork gehört zu einer Serie von bemalten Holzreliefs, die Arp in den 1920er Jahren anfertigte. Das Werk hat ein monochromes grafisches Element, mit weichen, organischen Formen und einer simplen Komposition. Die Gabel auf der rechten Seite ist leicht zu erkennen, während die Form auf der linken Seite die Vorderseite eines Hemdes darstellt, aber auch einem großen Zahn oder einem menschlichen Gesicht ähnelt. Das Werk repräsentiert Arps stilistischen Wechsel zwischen den Perioden; die abstrakten Formen aus seinem früheren Werk kollidieren mit seiner späteren Verwendung von Objektassoziationen, um das Unbewusste zu ergründen.
Francis Picabia, Optophone I (1922)
Francis Picabia war ein französischer Maler und Dichter, der mit dem Impressionismus, Kubismus und Pointillismus sowie dem Dadaismus verbunden war. Er experimentierte auch mit dem Verlagswesen und dem Filmemachen, und seine fast 50-jährige Karriere kann durch eine eklektische Reihe von stilistischen und medialen Wechseln charakterisiert werden. Seine bekanntesten Werke waren Gemälde mit Farbblöcken, geometrischen Formen und Abstraktionen, obwohl er auch für unorthodoxe Materialcollagen bekannt war.
Optophone I ist ein Beispiel für Picabias „Maschinisten“-Werke, die von industriellen Geräten des frühen 20. Jahrhunderts inspiriert wurden und die Beschleunigung der Technologie in dieser Zeit kommentieren. Das Werk simuliert die Wirkung eines Optophons, eines Geräts, das mit Hilfe von Ultraschall Texte und Bilder abtastet, um Blinden das Erkennen von Buchstaben auf einer Seite zu erleichtern. In der Mitte des Gemäldes ist eine sitzende nackte Frau im klassischen Stil zu sehen, als ob sie durch den Einsatz eines Optophons gesehen worden wäre. Das Werk stellt somit die Frage, wie der Mensch der Kunst begegnet und sie interpretiert.
Man Ray, Rayograph (1922)
Man Ray war ein amerikanischer Fotograf und bildender Künstler, der hauptsächlich in Paris arbeitete. Er war ein bedeutendes Mitglied sowohl des Dadaismus als auch des Surrealismus und schuf zahlreiche Werke, die auch heute noch leicht erkennbar sind. Er war bekannt für seine abstrakten Porträts von Frauen und seine Verwendung von Schatten und negativem Licht, um Werke mit einem traumhaften Element zu schaffen. Außerdem fotografierte er zu Lebzeiten eine Vielzahl berühmter Künstler und gab so einen bildlichen Einblick in deren Leben.
Rayograph gehört zu einer Serie von Rays Fotogrammen, die Tristan Tzara nach dem Künstler Rayographs nannte. Diese Arbeiten wurden mit Hilfe von Fotopapier angefertigt, auf das Ray eine Reihe von Objekten legte und sie dann dem Licht aussetzte. Das Papier verdunkelte sich an den Stellen, an denen ein Objekt nicht platziert war, und erzeugte so den Effekt eines Schattens mit negativem Licht. Diese Arbeiten veranschaulichten den Begriff des Dada, da sie oft alltägliche oder zufällige Objekte darstellten, die nicht miteinander verbunden zu sein schienen. Die Produkte dieser Methode waren auch oft unbeständig, da sie mehrere Sitzungen der Belichtung erforderten und somit den äußeren Bedingungen unterworfen waren.
Max Ernst, Ubu Imperator (1923)
Max Ernst war ein deutscher Maler, Dichter, Bildhauer und Grafiker und ein frühes Mitglied der Bewegungen des Dadaismus und Surrealismus. Er war extrem experimentell in seiner Arbeit und kombinierte verschiedene Medien mit einer abstrahierten, illusionistischen Technik. Er benutzte auch eine Methode, die Frottage oder „Reiben“ genannt wird, bei der der Künstler Papier auf eine unebene Oberfläche legt und dann mit Bleistift darüber reibt, um einen gemusterten Umriss der Oberfläche zu schaffen.
Ubu Imperator repräsentiert Ernsts stilistische Wende zwischen Dadaismus und Surrealismus und stellt einen sich drehenden anthropomorphen Kreisel mit inkongruenten Gesichtszügen dar. Das Motiv stellt den Vater Ubu dar, ein Symbol für Autorität und Habgier, das in einer Reihe von Theaterstücken von Alfred Jerry auftaucht, die die Ungerechtigkeiten der Selbstgefälligkeit in der bürgerlichen empirischen Gesellschaft verdeutlichen. Die Landschaft ist eine charakteristische surrealistische Wüste mit einem weiten Horizont, während die Spitze die parodierenden und gegen das Establishment gerichteten Begriffe des Dadaismus zeigt.