Dadaizm był awangardowym ruchem artystycznym i kulturalnym, wywołanym przez europejski klimat społeczny po I wojnie światowej. Było to odrzucenie nowoczesnego kapitalizmu, kultury burżuazyjnej i polityki wojennej, która sprzymierzyła się z innymi skrajnie lewicowymi grupami radykalnymi. Wyrażało się to poprzez użycie nietradycyjnych materiałów artystycznych, satyrę i nonsensowne treści. Nawet nazwa ruchu, „dada”, miała być słowem bez znaczenia. Poniżej przedstawiamy 10 ikonicznych dzieł sztuki, które charakteryzują ten powojenny ruch artystyczny.
Marcel Duchamp, Fontanna (1917)
Marcel Duchamp był jednym z najbardziej płodnych artystów dadaizmu, tworząc liczne niesławne obrazy, kolaże i rzeźby. Jest również związany z kubizmem, futuryzmem i wczesną sztuką konceptualną. Wywarł ogromny wpływ na sztukę modernistyczną XX wieku, a w szczególności na rzeźbę. Jego twórczość osiągnęła dojrzałość po I wojnie światowej, kiedy to zaczął używać sztuki jako narzędzia protestu kulturowego.
Fontanna jest jednym z najbardziej ikonicznych dzieł sztuki XX wieku, reprezentującym poważną zmianę w funkcji sztuki w społeczeństwie. Oryginalna praca z 1917 roku nie przetrwała do dziś, ale Tate stworzył jej replikę wykonaną z ceramiki w 1964 roku. Jest to jeden z najwcześniejszych przykładów rzeźb „lowbrow” lub „readymade”, które są wykonane z przedmiotów znalezionych. Duchamp zgłosił rzeźbę na Salon Paryski, ale została ona odrzucona, ponieważ nie została uznana za sztukę.
Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q. (1919)
L.H.O.O.Q. jest kolejnym słynnym przykładem rzeźby „readymade” Marcela Duchampa. Została stworzona z niedrogiej pocztówki Mona Lisy Leonarda da Vinci (1503-06), na której Duchamp następnie dorysował woskowe wąsy i kozią bródkę. Praca zawiera elementy satyry, odrzucając estetykę „sztuki wysokiej”. Tytuł pracy jest również satyryczny, jako że L.H.O.O.Q. wypowiedziane po francusku brzmi jak „Elle a chaud au cul”, co tłumaczy się jako „ona jest gorąca w tyłku” i konotuje ukrytą seksualność pracy.
Kurt Schwitters, Construction For Noble Ladies (1919)
Kurt Schwitters był niemieckim artystą, który eksperymentował z kilkoma różnymi mediami, w tym malarstwem, rzeźbą, projektowaniem graficznym, sztuką instalacji i poezją. Jego twórczość była związana z surrealizmem, kubizmem i konstruktywizmem, a także dadaizmem. Był również znany z zastosowania terminu Merz do swoich prac, wymyślonego przez siebie terminu, który był synonimem dadaizmu jako formy protestu kulturowego.
Konstrukcja dla szlachetnych pań jest przykładem użycia abstrakcji przez Schwittersa w kolażu i rzeźbie. Ta asamblażowa praca jest również przykładem rzeźby w stylu „znalezionych przedmiotów”, ponieważ jest zbudowana z różnych połamanych i rozczłonkowanych materiałów: lejka, metalowego pociągu-zabawki, połamanych kół i innych złomów. Znajduje się na niej również poziomy portret szlachetnej damy, od którego praca wzięła swój tytuł. Montaż dzieła jest surowy, a obraz ma chropowate wykończenie, co dodatkowo odbiega od wcześniejszych oczekiwań artystycznych. Całość charakteryzuje się jednak elegancką asymetrią, pokazując, że nawet ze złomu można stworzyć arcydzieło.
Raoul Hausmann, The Art Critic (1919-20)
Raoul Hausmann był wybitnym austriackim artystą i liderem ruchu Dada w Berlinie. Hausmann był również artystą ekspresjonistą. Po zapoznaniu się z ruchem dadaizmu poznał innych artystów, w tym Johna Heartfielda i George’a Grosza. W tym czasie skupił się głównie na poezji i kolażu fotograficznym, co miało głęboki wpływ na powojenną awangardę europejską. Jego poezja była znana z tego, że była szczególnie prowokacyjna, a jego prace plastyczne bardzo satyryczne. Był również kochankiem dadaistki Hannah Höch.
Krytyk sztuki jest żarliwą krytyką Hausmanna wobec powierzchowności świata sztuki. Dzieło jest kolażem fotograficznym złożonym z serii zdjęć z magazynów i gazet, zawierającym elementy rysunkowe. Praca jest uznawana za „lowbrow”, ponieważ wykorzystuje materiały i ikonografię spotykaną w kulturze popularnej. Sugeruje, że podobnie jak w przypadku konstrukcji kolażu, krytycy sztuki posiadają skleconą wiedzę o pustych faktach i nie rozumieją znaczenia sztuki.
Hannah Höch, Cut with the Kitchen Knife Dada Through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch of Germany (1919-20)
Hannah Höch była niemiecką artystką i członkinią ruchu dadaistycznego. Była pionierką techniki fotomontażu lub kolażu fotograficznego wykorzystującego obrazy z popularnych mediów. Interesowała się feminizmem, płcią i androgynią w sztuce, a w szczególności rozpadem dychotomii „nowej kobiety”. W swoich pracach badała również klimat polityczny panujący w czasach Republiki Weimarskiej.
Cięcie nożem kuchennym przedstawia zestawienie dadaizmu z kulturą głównego nurtu w tym czasie. W jednej części kolażu fotograficznego zgrupowani są członkowie dominujących grup politycznych, takich jak rząd weimarski i armia. Na zasadzie kontrastu, po drugiej stronie pracy znajdują się komuniści, artyści i inni radykałowie. Höch dołączył również małą mapę, na której zaznaczone są kraje Europy, w których kobiety mogły głosować. Praca ukazuje bunt dadaistów i innych radykalnych grup w czasach ścisłego politycznego i kulturowego konformizmu.
Raoul Hausmann, Mechaniczna głowa (1920)
Mechaniczna głowa jest najsłynniejszym dziełem Raoula Hausmanna. Została wykonana z manekina peruki fryzjerskiej, linijki, zegarka kieszonkowego, portfela, fragmentów aparatu fotograficznego i innych znalezionych przedmiotów. Dzieło ma być komentarzem do interakcji człowieka z przedmiotami i otaczającym go światem. Twarz jest całkowicie pozbawiona wyrazu, w przeciwieństwie do ekspresyjnych twarzy arcydzieł kultury europejskiej. Jej charakter tłumaczą natomiast zewnętrzne przedmioty, które są do niej przymocowane. Rzeźba kwestionuje w ten sposób wszelkie precedensowe wyobrażenia o intelektualizmie i głębi, ukazując podmiot jedynie w relacji do powierzchownego, materialnego świata wokół niego.
Jean Arp, Shirt Front and Fork (1922)
Jean Arp, znany również jako Hans Arp, był niemiecko-francuskim malarzem, rzeźbiarzem i poetą. Był członkiem-założycielem ruchu dadaistycznego. Po przeprowadzce do Zurychu poznał artystów Hugo Balla i Sophie Taeuber, która miała zostać żoną Arpa. Trio współpracowało przy tworzeniu manifestu dadaistycznego. Prace Arpa były znane z eksploracji nieświadomości, elementów satyry i abstrakcji form organicznych.
Koszula z przodu i widelec jest częścią serii malowanych drewnianych rzeźb reliefowych, które Arp wykonał w latach 20. Dzieło ma monochromatyczny element graficzny, z miękkimi, organicznymi formami i uproszczoną kompozycją. Widelec po prawej stronie jest łatwo rozpoznawalny, podczas gdy forma po lewej reprezentuje przód koszuli, ale przypomina również duży ząb lub ludzką twarz. Praca ta reprezentuje stylistyczne przesunięcie Arpa pomiędzy okresami; abstrakcyjne formy z jego wcześniejszych prac zderzają się z późniejszym wykorzystaniem skojarzeń obiektów do zagłębiania się w nieświadomy umysł.
Francis Picabia, Optophone I (1922)
Francis Picabia był francuskim malarzem i poetą, który był związany z impresjonizmem, kubizmem i pointylizmem oraz dadaizmem. Eksperymentował również z publikacją i filmem, a jego prawie 50-letnia kariera może być scharakteryzowana przez eklektyczną serię zmian stylistycznych i medialnych. Jego najbardziej znane prace to obrazy zawierające bloki kolorów, geometryczne kształty i abstrakcje, choć znany był również z niekonwencjonalnych kolaży materiałowych.
Optophone I jest przykładem „maszynistycznych” prac Picabii, które były inspirowane urządzeniami przemysłowymi z początku XX wieku i komentowały przyspieszenie rozwoju technologii w tym czasie. Praca symuluje działanie optofonu, urządzenia, które wykorzystuje sonifikację do skanowania tekstów i obrazów, aby pomóc osobom niewidomym w identyfikacji liter na stronie. W centrum obrazu znajduje się siedząca naga kobieta w klasycznym stylu, tak jakby była widziana za pomocą optotypu. W ten sposób dzieło kwestionuje sposób, w jaki ludzkość spotyka się i interpretuje sztukę.
Man Ray, Rayograph (1922)
Man Ray był amerykańskim fotografem i artystą wizualnym, który pracował głównie w Paryżu. Był znaczącym członkiem zarówno dadaizmu, jak i surrealizmu, tworząc liczne prace, które pozostają łatwo rozpoznawalne do dziś. Znany był z abstrakcyjnych portretów kobiet oraz wykorzystywania cieni i negatywu światła do tworzenia dzieł z elementami snu. Fotografował również wielu sławnych artystów za swojego życia, dając obrazowy wgląd w ich życie.
Rayograph jest jednym z serii fotogramów Raya, które Tristan Tzara nazwał na cześć artysty rayographs. Prace te zostały wykonane przy użyciu papieru fotograficznego, na którym Ray umieścił serię przedmiotów, a następnie wystawił je na działanie światła. Papier ciemniał w miejscach, w których nie umieszczono obiektu, tworząc efekt cienia w świetle negatywnym. Prace te stanowiły egzemplifikację pojęcia dadaizmu, ponieważ często przedstawiały prozaiczne lub przypadkowe przedmioty, które nie wydawały się ze sobą powiązane. Produkty tej metody były również często niespójne, ponieważ wymagały wielokrotnych sesji naświetlania, a zatem były podatne na warunki zewnętrzne.
Max Ernst, Ubu Imperator (1923)
Max Ernst był niemieckim malarzem, poetą, rzeźbiarzem i grafikiem oraz wczesnym członkiem ruchów dadaizmu i surrealizmu. Był niezwykle eksperymentalny w swojej twórczości, łącząc różne media z abstrakcyjną, iluzjonistyczną techniką. Stosował również metodę zwaną frottage, czyli „pocieranie”, w której artysta kładzie papier na nierównej powierzchni, a następnie pociera go ołówkiem, tworząc wzorzysty kontur powierzchni.
Ubu Imperator reprezentuje stylistyczne przesunięcie Ernsta pomiędzy dadaizmem a surrealizmem, przedstawiając wirującą antropomorficzną górę o niespójnych cechach. Temat przedstawia ojca Ubu, symbol władzy i chciwości, który pojawia się w serii sztuk Alfreda Jerry’ego, objaśniających niesprawiedliwość samozadowolenia w burżuazyjnym społeczeństwie empirycznym. Pejzaż to charakterystyczna dla surrealistów pustynia z rozległym horyzontem, a w górnej części pojawiają się parodystyczne i antyestablishmentowe wyobrażenia dadaizmu.