Cuando se trata de las tendencias de moda que marcaron la década de 2010, los dad jeans, las zapatillas de deporte y todo lo que está cargado de logotipos tocan múltiples fibras.
En la década de 2010, la moda se vio subrayada por una serie de subculturas que se dieron cita en el escenario mundial, desde el normcore hasta la cultura de Internet de la Generación Z (VSCO Girls, ¿alguien quiere?). En otro plano mucho más formal, la popularidad de la familia real británica experimentó una apoteosis que no se veía desde los días de la difunta princesa Diana, ya que Kate y Meghan han tomado el estatus de icono de la moda de su futura suegra.
Pero mientras que la logomanía, el ath-leisure y el ocasional fascinator lideraron la década en cuanto a estilo, la propia industria de la moda experimentó profundos cambios culturales en los últimos 10 años que impulsaron un marcado cambio en términos de cuestiones más amplias, como la inclusión, la diversidad y la sostenibilidad en todos los ámbitos.
Ahora que la década de 2010 llega a su fin, WWD analiza las siete modas que definieron la década.
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1. Adiós a la ropa formal, hola al ath-leisure
La moda se volvió informal en la década de 2010. Desde el movimiento de bienestar hasta el acceso 24/7 a casi cualquier persona en Instagram y Snapchat, se produjo una cultura relajada que dio inicio a la tendencia de moda más cómoda de la década: el ath-leisure.
Lo que comenzó en el gimnasio, a medida que la cultura de las boutiques de fitness proliferó en la década, la demanda de ropa de entrenamiento más moderna también aumentó. La ropa de entrenamiento hiperestilizada, desde el omnipresente pantalón de yoga hasta los sujetadores deportivos, evolucionó con tejidos de mayor calidad, colores vibrantes y estampados gráficos, extendiéndose desde la clase de spinning hasta la calle.
La demanda de ath-leisure fomentó el auge de marcas de éxito, como Outdoor Voices (fundada en 2014), Vuori Clothing (fundada en 2013) y Bandier (fundada en 2014), así como el establecimiento de marcas de herencia como Lululemon, Sweaty Betty y Athleta, entre otras, como actores clave en el mercado.
El ath-leisure no se limitó solo a la moda. La tendencia llegó a la industria de la belleza en 2018, cuando surgieron varias marcas con productos para el cuidado de la piel que ofrecían beneficios antes y después del entrenamiento.
La tendencia de moda ath-leisure vio un crecimiento constante a lo largo de la década, y se espera que la categoría crezca en aproximadamente 21 mil millones de dólares en los próximos cuatro años, alcanzando un total de más de 138 mil millones de dólares.
2. El efecto real
La duquesa de Cambridge, Kate Middleton, y la duquesa de Sussex, Meghan Markle.
La década de 2010 marcó el inicio de una serie de incorporaciones de alto perfil a la familia real británica, sobre todo la duquesa de Cambridge, Kate Middleton, y la duquesa de Sussex, Meghan Markle, que han tenido su propia influencia en la moda.
Al igual que la difunta princesa Diana, ambas duquesas han demostrado tener un toque mágico a la hora de influir en las compras de los consumidores, ya que las prendas que llevan en los compromisos reales se agotan en cuestión de minutos después de que sus fotos lleguen a Internet.
Desde su boda real con el príncipe Guillermo en 2011, el estilo de Middleton se ha definido por los diseñadores británicos de herencia, siendo sus marcas preferidas Alexander McQueen, Emilia Wickstead y Jenny Packham. Se ha ceñido en gran medida a los códigos de vestimenta de la realeza, favoreciendo los abrigos estructurados, los vestidos hasta la rodilla y de manga larga, los pantalones de cintura alta y los zapatos de tacón cerrados.
Markle, aunque solo forma parte oficialmente de la familia real desde su boda con el príncipe Harry en 2018, ha tenido un marcado efecto en la moda, y en los resultados de los diseñadores. La duquesa se ha hecho conocida por defender a diseñadores más pequeños y emergentes, como Mackage y Greta Constantine, y opciones más asequibles de marcas como Aritzia, Club Monaco y Reformation. La californiana Markle también siente predilección por los diseñadores de moda estadounidenses, luciendo habitualmente looks de su amiga íntima Misha Nonoo, así como de diseñadores como Jason Wu, Brandon Maxwell y Veronica Beard.
La boda real de Middleton en 2011 y la de Markle en 2018.
Antes de la boda real, el valor neto actual para las marcas que Markle lució se estimó en 150 millones de libras (unos 212,1 millones de dólares), según David Haigh, director ejecutivo de Brand Finance. En una ocasión en la que Markle lució un abrigo Mackage, la marca reveló que obtuvo 1.600 millones de impresiones en los medios de comunicación en un lapso de 24 horas.
Ambas duquesas también tuvieron un efecto en el mercado nupcial gracias a sus vestidos de boda reales -Meddleton con su vestido de encaje de manga larga de Alexander McQueen y Markle con su vestido de Givenchy con cuello de vaca-, lo que generó una serie de duplicados de vestidos de novia.
3. Nace una estrella del street style
Susie Lau en la Semana de la Moda de Londres en 2011, Chiara Ferragni en la Semana de la Moda de Nueva York en 2013 y Leandra Medine en la Semana de la Moda de Nueva York en 2013.
La fotografía lleva mucho tiempo formando parte de la semana de la moda, pero el fenómeno ganó prestigio y ubicuidad en la década de 2010 gracias a la proliferación de las redes sociales. Estas imágenes de estilo callejero circularon en blogs de moda, sitios web e Instagram más que los looks de pasarela reales, generando una clase incipiente de influenciadores que hoy son potencias de la industria.
El amanecer de la «estrella del estilo callejero» puede atribuirse en gran parte al difunto fotógrafo del New York Times (y ex alumno de WWD), Bill Cunningham. Durante décadas, Cunningham fue un fijo en las calles de Nueva York, pero se convirtió en una celebridad por derecho propio con un documental sobre su trabajo, que se estrenó en 2011. La década también vio el auge de otros fotógrafos de estilo callejero, como Scott Schuman y Tommy Ton, que dieron una plataforma a los autodenominados blogueros de moda y pusieron en escena su ampliamente aclamado estilo auténtico.
El frenesí en torno a las estrellas del street style catapultó las carreras de influencers como Leandra Medine de Man Repeller, Chiara Ferragni de Blonde Salad, Aimee Song de Song of Style, Arielle Charnas de Something Navy, Susie Lau de Style Bubble, Nicole Warne de Gary Pepper Girl, Tamu McPherson de All the Pretty Birds y muchos otros bloggers, influencers, editores de moda y similares.
Hoy en día, los influencers de la moda están presentes en la semana de la moda, sentados en primera fila junto a celebridades y editores de moda. Su omnipresencia, influencia y prominencia también ha reconfigurado el panorama del marketing de las marcas, ya que las grandes empresas han dejado de lado al típico portavoz famoso para sustituirlo por el embajador de la marca influencer. Muchos de los mayores influencers de hoy en día han sido contratados para estos papeles de embajadores, incluyendo a Charnas para Tresemmé y a Ferragni para Lancôme.
4. Las subculturas se convierten en la corriente principal
Quizás de forma irónica, la antitendencia fue una de las tendencias de moda más dominantes de la década de 2010. Las subculturas de la moda, la antítesis directa de las tendencias omnipresentes y a veces sobredimensionadas, demostraron ser incluso más populares que las propias tendencias originales, abriéndose camino desde las comunidades de nicho hasta la pasarela de la moda principal. La década vio cómo varias de estas subculturas entraban en el léxico cultural generalizado, sobre todo el normcore, el streetwear y la cultura de Internet de la generación Z.
Normcore:
Jessica y Jerry Seinfeld, y Steve Jobs a principios de la década de 2000.
El normcore pretendía ser el antídoto contra las pasarelas y los artículos de diseño demasiado ornamentados y estilizados. En su lugar, la tendencia ponía énfasis en los looks mundanos e informales que históricamente se interpretaban como cualquier cosa menos moda.
El término fue originado por el pronosticador de tendencias con sede en Nueva York K-Hole con su informe de 2013 «Youth Mode: Un informe sobre la libertad». El informe define el normcore como «el alejamiento de una frescura que se basa en la diferencia hacia una frescura post-autenticidad que opta por la uniformidad»
El normcore en la moda se tradujo en paletas de colores de blanco, beige, gris y negro, prácticamente sin logotipos ni estampados. Los principales iconos de estilo de esta tendencia fueron Jerry Seinfeld en su época televisiva de los años noventa, con sus vaqueros de padre y zapatillas deportivas gruesas, y el uniforme de Steve Jobs, con jersey de cuello alto negro de Issey Miyake, Levi’s y zapatillas New Balance grises.
Otros looks normcore por excelencia fueron los calcetines blancos con sandalias, los Birkenstocks, las gorras de béisbol, los cortavientos y los chándales.
La alta costura de primavera 2014 de Chanel, la colaboración de Louis Vuitton con Supreme y la colección prêt-à-porter de otoño 2014 de Chanel.
La ropa de calle no era nada nuevo en la década de 2010. El movimiento se remonta a las culturas del surf, el skate y el hip-hop de finales de los setenta y principios de los ochenta en Los Ángeles y Nueva York.
Pero en la década de 2010, marcas como Stüssy, Supreme, A Bathing Ape, Off-White y Hood By Air, revigorizaron el look y desarrollaron seguidores de culto. Las marcas convencionales, las casas de lujo y los minoristas tomaron nota y, poco después, las prendas inspiradas en el streetwear aparecieron en las pasarelas, sobre todo en forma de zapatillas. Para su desfile de alta costura de la primavera de 2014 de Chanel, el difunto Karl Lagerfeld rompió la tradición y vistió a todas sus modelos con zapatillas deportivas en tonos monocromáticos, creando un ambiente deportivo que se vio reforzado por accesorios como rodilleras, coderas y riñoneras. Lagerfeld continuó esta tendencia en el desfile de prêt-à-porter de otoño de 2014 de Chanel, en el que vistió a las modelos con zapatillas de deporte tecnicolor mientras caminaban por el plató temático de un supermercado.
La tendencia del streetwear también se introdujo en la corriente principal con la colaboración de muchas casas de diseño con marcas de streetwear favoritas de culto. El antiguo director artístico de Louis Vuitton para hombres, Kim Jones, se asoció con Supreme para su colección de otoño de 2017, que incluía artículos de marca compartida como chaquetas de denim y camisas que fusionaban los logotipos de ambas marcas y artículos de cuero rojo brillante con el famoso logotipo de la caja de Supreme. Fuentes de la industria afirmaron que la codiciada colaboración aumentó las ventas de ambas marcas en 100 millones de euros.
Cultura de Internet de la Generación Z:
Aunque todavía están en su mayoría en el instituto, los adolescentes de la Generación Z ya han dado a luz unas cuantas tendencias de moda que están definiendo a su generación, concretamente la E-Girl o E-Boy y la VSCO Girl.
Estas tendencias surgen de la hiperconectividad de la generación con las redes sociales y su inclinación hacia la relativamente nueva plataforma de medios sociales, la aplicación para compartir vídeos TikTok.
La mejor manera de describir a las E-Girls es como la evolución del «scene kid» de los años ochenta. Es una tendencia que prevalece en los canales sociales en los que las adolescentes publican fotos y vídeos de sí mismas con pelucas de colores pastel y un maquillaje gráfico que consiste en un delineador de ojos negro con alas, sombra de ojos de colores del arco iris y corazones dibujados en las mejillas.
Las VSCO Girls, por otro lado, son tanto un meme como una tendencia de moda entre las adolescentes. La tendencia tiene orígenes vinculados a TikTok, sin embargo, su nombre proviene de la app para editar y compartir fotos, VSCO. La tendencia es una mezcla del clásico estilo preppy con una estética playera, con chicas que buscan camisetas oversize que cubran sus pantalones cortos, sandalias Birkenstock, gargantillas de conchas de puka, pulseras de cuentas Pura Vida, coleteros de colores y mochilas Fjällräven. Las VSCO Girls también son conocidas por ser conscientes del medio ambiente, y su accesorio básico es una botella de agua Hydro Flask cubierta de pegatinas.
5. La inclusión y la diversidad cobran protagonismo
El desfile de otoño de 2016, el de otoño de 2018 y el de primavera de 2020 de Chromat.
El esperado movimiento por la inclusión y la diversidad tuvo un profundo efecto en la industria en la década de 2010. Diseñadores y marcas de todo tipo se comprometieron a hacer que sus negocios, pasarelas y diseños estuvieran representados y disponibles para personas de todas las razas, identidades de género, tallas y edades.
Chromat, por ejemplo, ha defendido la diversidad y la inclusividad en la moda desde su lanzamiento en 2010, sirviendo de faro a una industria que necesitaba ponerse al día. La diseñadora de Chromat, Becca McCharen-Tran, lleva mucho tiempo presentando en sus pasarelas a un conjunto de modelos muy variado, que incluye a personas de talla grande, transexuales, embarazadas, amputadas y supervivientes de cáncer de mama. Recientemente, McCharen-Tran eligió a la modelo de talla grande Tess Holliday para su colección de primavera de 2020, con motivo de su décimo aniversario, en la que la modelo lució un vestido con la leyenda «sample size» (talla de muestra).
Christian Siriano es otro defensor del movimiento hacia la inclusión y la diversidad en la moda. El diseñador es conocido por crear looks de alfombra roja para actrices que han dicho públicamente que los diseñadores se habían negado a vestirlas debido a las restricciones de tamaño.
En 2016, Siriano respondió a un tuit de 2016 de la comediante Leslie Jones que decía que ningún diseñador estaba dispuesto a vestirla para el estreno de su película «Cazafantasmas». Jones acudió al estreno con un vestido rojo personalizado y sin hombros creado por Siriano y desde entonces ha lucido varios de sus looks en la alfombra roja.
Leslie Jones vestida de Christian Siriano en el estreno de la película «Cazafantasmas». Jimmy Morrison/EPA/
La industria también avanzó en la inclusión en términos de edad. La década vio a personas de la talla de Joan Didion, que entonces tenía 80 años, como rostro de la campaña de primavera de 2015 de Céline, a Carmen Dell’Orefice, que sigue siendo una modelo muy solicitada a sus 88 años, y, más recientemente, a las icónicas supermodelos Pat Cleveland, Carol Alt, Patti Hansen, Christie Brinkley, Carolyn Murphy y Christy Turlington Burns, que volvieron a la pasarela de la Semana de la Moda de Nueva York de otoño de 2019.
La década de 2010 estuvo repleta de momentos decisivos, desde la modelo y activista del cuerpo Ashley Graham, que hizo historia como la primera modelo de talla grande en cubrir el Swimsuit Issue de Sports Illustrated en 2016, hasta Halima Aden, que se convirtió en la primera modelo con hijab en ser contratada por IMG Models y desfilar en la pasarela de la Semana de la Moda de Nueva York. Rihanna, por su parte, fue muy celebrada por presentar un desfile de lencería diversa para su segunda colección Savage x Fenty a finales de la década. El movimiento también fue frecuente en el mundo de la belleza, con CoverGirl aprovechando al influencer James Charles como su primer portavoz masculino en 2016, como ejemplo.
6. Consumismo orgulloso (y quizás irónico)
La colección de primavera 2016 de Vetements, la colección de otoño 2017 de Balenciaga y un look de street style de la Semana de la Moda de Milán otoño 2018.
En el otro extremo del espectro normcore, los millennials desarrollaron una afición por la nostalgia: entra en la logomanía (otra vez).
La segunda mitad de la década estuvo cargada de piezas logocéntricas, con puntos destacados como la muy buscada camiseta con el logo de DHL de Vetements; la colección de ropa masculina de otoño 2017 de Balenciaga (que rifeaba el logo de la campaña presidencial de Bernie Sanders), hasta el icónico logo de la caja de Supreme.
Virgil Abloh, por su parte, lanzó su marca de moda Off-White en 2012, cambiando el panorama del streetwear y la logomanía gracias a su irónico uso de las comillas para los nombres y diseños de sus productos.
Los diseñadores de lujo no tardaron en subirse al carro de la logomanía. El director creativo de Gucci, Alessandro Michele, ha revivido la logomanía en la casa de moda italiana, creando actualizaciones modernizadas y coloridas de los bolsos de la marca y aumentando la popularidad de los cinturones con logotipos de la marca.
Dior, por su parte, vio un nuevo interés en su clásico logo Saddle Bag, lanzado originalmente en la colección de primavera de 2000 de la marca. El «It» de los aughts fue recreado por Kim Jones para su primera colección masculina de Dior en la primavera de 2019 y por Maria Grazia Chiuri para la colección de prêt-à-porter de otoño de 2018, y desde entonces ha recuperado su estatus de «It».
7. Pasarelas Amped-Up
El show del 90 aniversario de Fendi. Giorgio Onorati/Ansa/
Los conjuntos de pasarela exagerados han sido durante mucho tiempo de rigor en la moda, pero en la década de 2010, los diseñadores llevaron lo exagerado a un nivel completamente nuevo. Fendi, por ejemplo, celebró su desfile del 90º aniversario en la Fontana di Trevi de Roma en 2016, Chanel, por su parte, presentó un cohete de 115 pies de altura -que realmente se lanzó al final del desfile- en el Grand Palais de París en 2017.
Kanye West tuvo posiblemente uno de los desfiles más criticados de la década para su colección Yeezy Season 4. La información logística fue escasa hasta unas horas antes del show, donde West pastoreó a editores, críticos y asistentes al show a la isla Roosevelt de Nueva York, esencialmente manteniéndolos cautivos en el calor abrasador. El calor hizo que varias modelos se desplomaran en la pasarela, y los espectadores se apresuraron a ayudarlas. El desfile recibió críticas mordaces y reacciones en las redes sociales.
Kanye West y Virgil Abloh se abrazan tras el primer desfile masculino de Louis Vuitton del diseñador. Swan Gallet/WWD/
El estrecho colaborador y amigo de West, Virgil Abloh, tuvo sin embargo uno de los momentos de pasarela más memorables de la década con su primera colección como director artístico de Louis Vuitton men’s. Abloh mostró una colección que marcó una nueva era para la marca, mezclando las raíces de lujo de Louis Vuitton con la sensibilidad del streetwear de Abloh. El show fue visto como un momento decisivo para la casa de diseño, con Abloh corriendo a abrazar a West después de su paseo final y los dos llorando abiertamente.
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