La fotografía es un aspecto vital de las grandes películas. Sin un director de fotografía fuerte con un punto de vista, una película puede ser algo deficiente, incluso si todos los demás aspectos de la película está disparando en todos los cilindros. Al fin y al cabo, el cine es un medio visual, y una gran fotografía tiene el poder de transportar al público a un nuevo mundo, de ponerlo en la piel de un personaje o incluso de transmitir un tema mediante una metáfora visual.
Uno de los mejores directores de fotografía que ha existido es Roger Deakins, cuyo ojo naturalista ha aportado imágenes inolvidables a películas que van desde El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford hasta Skyfall. Después de 14 nominaciones en su carrera, Deakins finalmente ganó el Oscar a la mejor fotografía en 2018 por su trabajo estelar en Blade Runner 2049, y en 2019 Alfonso Cuarón se convirtió en el primer director en ganar el Oscar a la mejor fotografía por su propia película. Pero, ¿cómo se comparan los ganadores anteriores?
Para averiguarlo, me he adelantado y he clasificado a todos los ganadores del Oscar a la Mejor Fotografía del siglo XXI hasta la fecha, remontándome a Crouching Tiger, Hidden Dragon de 2000. Hay una sorprendente cantidad de versatilidad en esta lista, y es interesante ver cómo ha evolucionado el arte de la cinematografía en las últimas dos décadas a medida que la fotografía digital se ha impuesto. Ninguno de estos ganadores es «malo» en sí mismo, así que dudo en decir que empezamos por el peor, pero aquí están los 18 ganadores del Oscar a la mejor fotografía del siglo XXI clasificados.
20. Memorias de una Geisha (2005)
El trabajo del director de fotografía Dion Beebe aquí definitivamente no es malo, simplemente es bastante olvidable -como la propia película-. Memorias de una geisha era la continuación del director Rob Marshall de su oscarizada Chicago, pero la película se evaporó en el aire. El uso de la luz por parte de Beebe es lo más notable aquí, pero sí, más allá de eso, esta película es simplemente buena.
Lo que debería haber ganado: El nuevo mundo – Emmanuel Lubezki
19. Avatar (2009)
De acuerdo, sí, Avatar es rompedora, pero a nivel de fotografía pura el trabajo de Mauro Fiore aquí es simplemente correcto. En realidad, parece que este premio es más bien por el logro técnico de la captura de la actuación y las escenas totalmente CG, lo cual está bien, pero si hablamos del arte de la fotografía aquí, las imágenes que Fiore y James Cameron conjuran son en realidad bastante básicas. Una vez más, sin embargo, la victoria aquí es comprensible teniendo en cuenta cómo esta película allanó el camino para el rodaje de actores de captura de rendimiento y entornos totalmente CG.
Qué debería haber ganado: Harry Potter y el príncipe mestizo – Bruno Delbonnel
18. Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000)
El trabajo de Peter Pau en Crouching Tiger, Hidden Dragon es más notable por su fluidez, ya que el director Ang Lee captura las acrobacias de alto vuelo de sus actores. Y es genial, bonito y limpio, pero en contraste directo con el trabajo innovador de Roger Deakins en O Brother, Where Art Thou? que experimentó con el proceso fotoquímico con resultados impresionantes, se queda muy, muy corto.
Qué debería haber ganado: O Brother, Where Art Thou?
17. Master and Commander: El otro lado del mundo (2003)
La película Master and Commander del director Peter Weir: The Far Side of the World es una película enormemente infravalorada, pero es agradable saber que la película se llevó una victoria en esta categoría. Rodar en aguas abiertas es muy difícil, pero el director de fotografía Russell Boyd consigue dar vida a esta aventura en el mar de una manera que sitúa al público directamente en el barco. El encuadre con niebla imita la naturaleza solitaria de la tripulación, y las batallas del barco cobran vida con vivacidad y gusto.
Qué debería haber ganado: Master and Commander: El lado opuesto del mundo
16. El laberinto del fauno (2006)
El magistral cuento de hadas El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro, supuso una elección un tanto sorprendente para este premio en 2006, pero el veterano director de fotografía del cineasta, Guillermo Navarro, hizo un trabajo excelente. El uso del color, en particular, es estupendo, al igual que el movimiento fluido de la cámara, que mantiene al público atento. Y sin embargo, al enfrentarse al fenomenal trabajo de Emmanuel Lubezki en Hijos de los hombres, parece que la Academia se equivocó en este caso.
Qué debería haber ganado: Children of Men – Emmanuel Lubezki
15. Hugo (2011)
Hugo fue una película de primeras veces para el director Martin Scorsese. No sólo fue su primera película hecha específicamente para el público más joven, sino también la primera vez que trabajaba con el formato 3D. Como historiador del cine que es, Scorsese no se limita a utilizar el 3D como un truco y, en colaboración con el director de fotografía Robert Richardson, encuentra formas intrigantes y emocionantes de utilizar el formato 3D para subrayar los principios básicos del cine. Esto va de la mano con el tema de la película, que trata de los primeros días del cine y de cómo nació el arte de la imagen en movimiento, y uno imagina que sólo Scorsese podría hacer una película en 3D así de intencionada.
Lo que debería haber ganado: Hugo
14. Slumdog Millionaire (2008)
El director de fotografía Anthony Dod Mantle se dio a conocer con el movimiento Dogme 95, dando vida al cine experimental de formas nuevas y emocionantes. Siguió ampliando los límites de la verita con el director Danny Boyle en 28 días después, pero su colaboración en Slumdog Millionaire sigue siendo la más sorprendente e impresionante hasta la fecha. Esta es una película que se siente viva gracias a la cámara activa y agresiva de Mantle, y sirve a la historia y a los personajes tremendamente bien. Incluso enfrentándose a algo tan impactante como El Caballero Oscuro, la Academia acertó en esta ocasión.
Qué debería haber ganado: Slumdog Millionaire
13. La vida de Pi (2012)
El cine digital avanzó a pasos agigantados en la década de 2010, y el trabajo del director Ang Lee con el director de fotografía Claudio Miranda en La vida de Pi es un brillante ejemplo de cómo entrelazar a la perfección actores y decorados prácticos con personajes y fondos digitales. El resultado es realmente impresionante, sobre todo si se compara con otras películas con mucha pantalla verde. El uso que hace Miranda de la luz hace que el tiempo que pasa Pi en el mar parezca táctil y real, y al mismo tiempo algo surrealista, en consonancia con la propia historia. En retrospectiva, «La vida de Pi» fue una piedra de toque en la cinematografía digital y se mantiene mucho mejor que muchas otras películas con mucha CG realizadas hoy en día. Y sin embargo, se enfrentó a una categoría muy completa ese año, que incluía algunos de los mejores trabajos de Janusz Kaminski en Lincoln y la impresionante fotografía digital de Roger Deakins en Skyfall.
Qué debería haber ganado: Skyfall, Lincoln o La vida de Pi
12. Inception (2010)
El cineasta Christopher Nolan tiene la habilidad de mantener en secreto la magia de sus películas, y de hecho, cuando el público fue testigo de los alucinantes efectos prácticos del director de fotografía Wally Pfister, el trabajo se hizo aún más impresionante. Los movimientos y los efectos visuales tan específicos que se necesitan para crear estos paisajes de ensueño en entornos prácticos exigen un enorme nivel de habilidad, y Pfister estuvo más que a la altura del reto.
Qué debería haber ganado: Inception
11. Roma (2018)
El director Alfonso Cuarón había planeado inicialmente volver a formar equipo con su director de fotografía ganador del Oscar por Gravity, Emmanuel Lubezki, en Roma (y de hecho dedicó su victoria en el Oscar a «Chivo»), pero Lubezki se vio obligado a abandonar el ambicioso drama debido a conflictos de programación. Fue entonces cuando Cuarón intervino, dando vida a su propia visión con un detalle asombroso. La fotografía de Roma es innovadora, ya que Cuarón relega la cámara a una esquina, a una habitación o a un lado de la pared, y obliga al público a ser testigo de los acontecimientos como un observador objetivo. No hay movimientos de cámara evidentemente grandiosos y, sin embargo, la colocación de la cámara de Cuarón y la composición de los planos es extremadamente precisa. Cada decisión tomada aquí está al servicio de la historia -está en un nítido blanco y negro 4K para evocar un recuerdo sin nostalgia- y el resultado es una obra realmente hipnótica.
Qué debería haber ganado: Roma (pero Ha nacido una estrella se lleva una fuerte mención de honor)
10. El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (2001)
El difunto y gran Andrew Lesnie fue el responsable de crear el mundo de la Tierra Media tal y como lo conocemos, y todo comenzó con El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo. La riqueza de la trama de Lesnie rezumaba en la pantalla para envolver al público en este mundo de fantasía, pero nunca eclipsó a los personajes, especialmente con La Comunidad. Se trata de un logro supremo en la historia del cine, y es una pena que Lesnie nos haya dejado demasiado pronto, ya que sin duda tenía muchas más grandezas que compartir con el mundo.
Qué debería haber ganado: El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo
9. La La Land (2016)
En la Gran Guerra de La La Land de 2016, siento que no discutimos el trabajo del director de fotografía Linus Sandgren casi lo suficiente. Todo el mundo se centró tanto en la batalla por la mejor película, pero Sandgren ofreció el mejor trabajo de su carrera hasta el momento en el contexto del musical de Damien Chazelle. Su uso del color, en particular, es tremendo, por no hablar de ese número de Astaire/Rogers rodado en Magic Hour que se siente a la vez trascendente e increíblemente real. Los musicales se basan en el movimiento, y la cámara de Sandgren gira alrededor de los amantes de la película como si fuera un personaje en sí mismo. En serio, este es un gran, gran material e incluso frente a una dura competencia como la magistral Silencio de Rodrigo Prieto se siente como una victoria merecida.
Qué debería haber ganado: La La Land
8. El Aviador (2004)
El Aviador es el tipo de película que obtienes cuando uno de los más grandes historiadores del cine de todos los tiempos también resulta ser uno de los más grandes cineastas de todos los tiempos. Al contar la historia de Howard Hughes, el director Martin Scorsese y el director de fotografía Robert Richardson decidieron capturar cada época de la vida de Hughes de la manera en que se hacían las películas durante ese período en particular, recreando el aspecto de las primeras películas en color bipack, así como el Technicolor de tres bandas. Esto es el nirvana para los cinéfilos, y sigue siendo un logro impresionante hasta el día de hoy.
Qué debería haber ganado: El aviador
7. Birdman (2014)
Como único director de fotografía en ganar el Oscar a la mejor fotografía tres veces consecutivas, Emmanuel Lubezki ha consolidado su lugar en la historia de los Oscar, pero también es totalmente merecido. Independientemente de lo que pienses de Birdman en sí, el logro de Lubezki de hacer que la película parezca una única toma continua es tremendo, y aunque esta técnica se ha hecho antes, no hay nadie como Chivo.
Qué debería haber ganado: Birdman
6. Camino a la Perdición (2002)
Camino a la Perdición es una película de sombras, lo cual es apropiado dada la temática. El legendario director de fotografía Conrad L. Hall hace gala de su maestría a lo largo de la que sería su última película, y de hecho su Oscar le fue concedido a título póstumo. Lo que Hall hace con la luz en esta película es milagroso, y él y el director Sam Mendes encuentran una forma maravillosa de contar esta historia a través de los ojos de un niño mediante movimientos de cámara, planos y bloqueos motivados. Mientras que la película en sí ha sido un poco olvidada, el trabajo de Hall aquí todavía se mantiene en pie 15 años después.
Lo que debería haber ganado: Camino a la Perdición
5. The Revenant (2015)
Pero en la batalla entre las películas de Alejandro G. Iñárritu de Lubezki, aquí le doy una ligera ventaja a The Revenant por su tremendo uso de la luz natural. No es una tarea fácil, especialmente en las localizaciones utilizadas para esta película, pero Lubezki hace que funcione maravillosamente para dar como resultado una imagen inquietante tras otra. El peligro de lo salvaje cobra vida maravillosamente a través de la lente de Lubezki, y realmente sientes la calidad visceral de la realización de la película filtrarse a través de la pantalla.
Qué debería haber ganado: The Revenant
4. Blade Runner 2049 (2017)
La película que finalmente ganó el Oscar a Roger Deakins también resulta que cuenta con algunos de sus mejores trabajos. Blade Runner 2049 da vida a entornos futuristas asombrosos, utilizando una mezcla de efectos prácticos y CG. Pero son las complejidades de la fotografía las que elevan a Blade Runner 2049 a este nivel superior. La cuidadosa meticulosidad necesaria para crear esa secuencia de Joi/Mariette, y para que aterrice de la forma en que lo hace, es fenomenal, y la forma en que Deakins utiliza el agua y la luz para iluminar el espacio de la vivienda de Wallace es impresionante. El hecho de que el director de fotografía haya hecho todo esto utilizando principalmente iluminación práctica en lugar de filtros de color o efectos digitales lo hace aún más impresionante. Por una vez, un Oscar largamente merecido no ha sido concedido como premio de consolación, sino que ha sido muy merecido.
Lo que debería haber ganado: Blade Runner 2049
3. Gravity (2013)
El mayor logro de Emmanuel Lubezki es su trabajo con Alfonso Cuarón en Gravity. Sé que he criticado un poco a Avatar por ser totalmente digital, pero ese fotograma de la película de Cameron es bastante plano: ganó simplemente porque la captura de la actuación nunca se había hecho de esa manera. Con Gravity, Lubezki aporta su característico estilo naturalista a un proyecto con muchos efectos visuales, ya que él y Cuarón mezclan a los actores con los entornos CG de forma impresionante. El hecho de que Lubezki sea capaz de conjurar múltiples «oners» aquí que golpean al público con el mismo impacto que algo de The Revenant o Children of Men es un testimonio del talento de Lubezki y Cuarón, y Gravity sigue siendo un logro cinematográfico impresionante.
Qué debería haber ganado: Gravity
2. 1917
«Cualquier cosa que puedas hacer yo la puedo hacer mejor», le dice Roger Deakins a Lubezki. En realidad no, pero 1917 -una película de la Primera Guerra Mundial contada enteramente en una sola toma continua- se siente como un poco de superación en la estela del auge del «oner» como tropo en la última década más o menos. Pero 1917 no es sólo una maravilla técnica, sino que también está en consonancia con la historia. Hay un propósito en esta toma continua, y ese propósito es crear una película de guerra experiencial que te pone dentro del espacio mental del cabo primero William «Will» Schofield. La oda del director Sam Mendes a los veteranos honra su memoria permitiéndonos experimentar el terror y la adrenalina de este soldado de primera mano, mientras trabaja para entregar una carta que podría salvar miles de vidas. El trabajo de Deakins aquí es inquietante y a la vez musculoso, poético y a la vez intenso. Es una de las mejores escenas «oner» (y películas) jamás realizadas.
Qué debería haber ganado: 1917
1. There Will Be Blood (2007)
El 2007 fue un año de bandera para la cinematografía. En esta categoría, Roger Deakins se enfrentó a sí mismo por su increíble trabajo en El asesinato de Jesse James y No es país para viejos, pero Robert Elswit se llevó la victoria por su impresionante trabajo en There Will Be Blood, de Paul Thomas Anderson. El encuadre lo es todo en este oscuro drama de época, y Elswit narra la vida de Daniel Plainview con un detalle impresionante. Los efectos visuales son vitales para esta película, y el encuadre que Elswit establece aquí, y su uso de la iluminación, complementan fenomenalmente la historia de una manera que subraya su impacto. Y sin embargo, a pesar de que pongo esta victoria tan alto en esta lista, sigo pensando que había un nominado más merecido en este grupo, ya que el trabajo de Deakins en Jesse James es una de las mejores piezas de la cinematografía de todos los tiempos.
Lo que debería haber ganado: El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford – Roger Deakins
Adam Chitwood es el editor jefe de Collider. Ha estado trabajando para Collider durante más de una década, y además de gestionar el contenido también dirige el punto de entrevistas de artesanía, la cobertura de los premios, y co-presenta The Collider Podcast con Matt Goldberg (que ha estado funcionando desde 2012). Es el creador y autor de la serie «How the MCU Was Made» de Collider y ha entrevistado a Bill Hader sobre todos los episodios de Barry. Vive en Tulsa, OK y le gusta la pasta, los thrillers de los 90, y pasar como el 95% de su tiempo con su perra Luna.