Las pinturas de paisajes sublimes son uno de los temas más teatrales y emotivos de la historia del arte, ya que combinan belleza, drama y devastación a partes iguales. El término «sublime» fue definido por el filósofo Edmund Burke en su obra A Philosophical Enquiry into the Origin of Our Ideas of the Sublime and Beautiful (Investigación filosófica sobre el origen de nuestras ideas sobre lo sublime y lo bello) en 1757 como la belleza que contiene algo más, un cierto peligro, miedo u horror, o lo que él llamaba: «todo lo que es de algún modo terrible o está relacionado con objetos terribles u opera de manera análoga al terror». Burke también ha llamado a lo sublime nada menos que la emoción más poderosa que la mente puede sentir, ¡no es de extrañar que los artistas estuvieran dispuestos a adoptar el estilo!
La pintura de paisajes sublimes a lo largo de la historia
Aunque el término sublime podría describir varios temas, las pinturas de paisajes sublimes han sido algunas de las más duraderas y cautivadoras de todas ellas. Incluso antes del famoso texto de Burke, los pintores, desde la época medieval, han exaltado los remolinos de nubes de tormenta, las afiladas caras de los acantilados y las escarpadas montañas nevadas para transmitir un asombro y un terror abrumadores al público cautivado. Perdámonos en algunas de las pinturas de paisajes más sobrecogedoras y sublimes de todos los tiempos, desde la época del Renacimiento hasta los tiempos modernos y contemporáneos.
1. Pieter Brueghel el Viejo, Paisaje con la huida a Egipto, 1563
Paisaje con la huida a Egipto, de Pieter Brueghel el Viejo, de 1563, es un ejemplo de la sublime pintura de paisaje del Renacimiento del Norte, que combina un paisaje impresionante con una narración religiosa. Las diminutas figuras de María y José se tambalean a lo largo de un peligroso acantilado en primer plano, huyendo de la persecución en Belén. El paisaje está estrechamente vinculado a su historia, ya que el paisaje pálido y distante representa la tierra familiar que dejan atrás, mientras que el primer plano oscuro y premonitorio hacia el que se dirigen está envuelto en la oscuridad y el peligro de lo desconocido. Breughel buscó contrastar las zonas de quietud y movimiento dentro de esta única imagen, pintando las rocas y las montañas como una constante inmóvil, en comparación con el movimiento constante del agua, las personas y los pájaros. Este equilibrio de opuestos entre oscuridad/luz, fragilidad/permanencia y quietud/movimiento es la razón por la que este sublime cuadro de paisaje se ha convertido en una de las imágenes más duraderas de todos los tiempos.
2. Philip James De Loutherbourg, Una avalancha en los Alpes, 1803
El británico de origen francés Philip James De Loutherbourg pintó Una avalancha en los Alpes en 1803, en una época en la que los pintorescos pero peligrosos Alpes franceses eran una encarnación cada vez más popular del paisaje sublime. Además de pintor, De Loutherbourg se pluriempleaba como escenógrafo de teatro, función que le permitía dotar a sus lienzos de un dramatismo sobrecogedor a través de una iluminación descarnada, de la profundidad y del movimiento. En este caso, las lejanas montañas francesas comienzan a desmoronarse en una avalancha, arrojando enormes y aterradoras nubes de polvo y humo sobre la escena y oscureciendo el cielo. Un destello de luz blanca en el centro atrae nuestra mirada hacia los diminutos y aterrorizados espectadores que son minúsculos frente a las rocas que caen a su alrededor, y que pronto serán destruidos por las fuerzas elementales de la naturaleza.
3. Joseph Mallord William Turner, Tormenta de nieve: Aníbal y su ejército cruzando los Alpes, 1812
Tormenta de nieve de J.M.W. Turner: Aníbal y su ejército cruzando los Alpes, 1812, tipifica la belleza agónica de la época del Romanticismo, con monstruosas y arqueadas nubes de tormenta que se elevan sobre las pequeñas personas que están debajo. Dedicado a Aníbal Barca, comandante del ejército cartaginés entre el 200 y el 100 a.C., el cuadro muestra a los soldados de Aníbal intentando cruzar los Alpes en el 218 a.C., con los miembros de las tribus salasianas luchando contra la retaguardia de Aníbal. Aquí la tormenta se convierte en una potente metáfora de la lucha que amenaza la vida, ya que las nubes negras y furiosas forman un vórtice aterrador y arremolinado que empuja a los pequeños e indefensos soldados. A lo lejos, el sol es un orbe resplandeciente de luz hipnótica, un rayo de esperanza en medio de la tragedia de la guerra. Pero más allá de las referencias narrativas, este sublime paisaje de Turner es, en última instancia, una reflexión sobre la brutalidad pura y destructiva de la naturaleza, que amenaza con engullir insensiblemente a la gente de abajo.
4. Caspar David Friedrich, Vagabundo sobre la niebla del mar, 1817
Una de las pinturas de paisaje más icónicas y sublimes de todos los tiempos, la del pintor alemán Caspar David Friedrich, Wanderer Above Sea Fog, 1817, encapsula el espíritu idealista y soñador del Romanticismo europeo. De pie, solo, sobre una roca oscura y alta, una figura solitaria contempla su lugar en el universo, mientras la niebla se cierne sobre los valles y las montañas distantes. Friedrich transmite aquí el paisaje sublime como un terreno inhóspito e incógnito, reflejando la fascinación del siglo XIX por la naturaleza salvaje y desenfrenada.
En contraste con otros artistas de la época que tendían a crear pequeñas figuras para enfatizar la magnitud del paisaje, Friedrich da a su figura un papel central, pero cuando se ve desde atrás conserva su anonimato como un «vagabundo» abstracto, actuando como un símbolo para todos los soñadores melancólicos del siglo XIX y más allá. La escena es una toma imaginaria de la campiña montañosa de Alemania; para crear estos lugares místicos, Friedrich buscó en su interior, escribiendo: «Cierra tu ojo físico, para que puedas ver tu cuadro primero con el ojo espiritual. Luego trae a la luz lo que viste en la oscuridad, para que pueda tener un efecto en los demás, brillando hacia adentro desde el exterior»
5. Karl Eduard Biermann, El cuerno húmedo, 1830
El Wetterhorn de Karl Eduard Biermann, de 1830, resume el estilo sublime de la pintura de paisaje del pintor alemán, con un vasto y escarpado terreno en medio de una dramática iluminación teatral. El escarpado primer plano está pintado cuidadosamente en ricos tonos oscuros de verde y marrón, que nos conducen hacia una banda de árboles y rocas que desaparecen en la negra sombra. En el fondo, una épica cordillera se ilumina con un rayo de sol, destacando sus heladas y puntiagudas agujas como un lugar místico e inalcanzable, mientras las nubes se arremolinan en lo alto como si amenazaran con desatar una tormenta. Al igual que muchos pintores románticos, Biermann subraya el asombro, la maravilla y la escala aterradora de la escena colocando en primer plano dos pequeñas figuras que nos permiten imaginarnos en medio de la escena. Intentan trepar por rocas irregulares y hierba pantanosa, mientras una furiosa cascada pasa a su lado y atrapa la luz como un rayo, dividiendo su peligroso viaje.
6. Arnold Bocklin, La isla de los muertos, 1880
Una de las pinturas de paisajes más inquietantes y sublimes jamás realizadas, La isla de los muertos, del pintor alemán Arnold Bocklin, de 1880, transmite una isla imaginaria que surge del mar contra un cielo oscuro y melancólico. El cuadro fue encargado por la recién enviudada Marie Berna, que sólo pidió «un cuadro para soñar». Respondiendo a su petición, Bocklin invirtió su imagen con alusiones a la muerte y al luto. En el primer plano, una figura blanca y fantasmal es conducida hacia la isla en una pequeña barca de remos junto a un objeto que parece un ataúd. El remero ha sido comparado con el personaje griego de Caronte, el barquero, que transportaba las almas de los muertos a través del río Estigia hasta el Hades. A lo largo de la isla hay hileras de cipreses amenazantes y oscuros que se asocian tradicionalmente con los cementerios, mientras que las rocas irregulares y brillantes que se encuentran más allá están cortadas con puertas y ventanas sepulcrales. En contraste con muchos paisajes sublimes, la espeluznante quietud impregna la escena, confiriéndole un silencio espeluznante; el propio Bocklin llegó a describir la obra como «tan silenciosa que uno se asustaba cuando llamaban a la puerta».»
7. Edvard Munch, Noche blanca, 1901
Edvard Munch realizó Noche blanca, 1901, en su última etapa, en la que había abandonado la figuración en favor de los paisajes atmosféricos, pero se mantuvo la misma ansiedad dominante de su arte anterior. Este sublime paisaje retrata su Noruega natal en pleno invierno, mirando a través de los amenazantes árboles oscuros hacia un fiordo congelado. Un bosque de abetos forma un borde dentado tan afilado como el de una sierra, una advertencia del peligroso hielo que hay más allá. Los árboles negros del primer plano sugieren rostros o criaturas fantasmas, pero apenas son reconocibles bajo el manto de la noche. Combinando la brillante luz de la luna con estas cualidades de peligro y amenaza, la escena nocturna de invierno de Munch capta la sublime belleza del invierno noruego. Al reflexionar sobre la forma en que sus escenas de paisaje podían fusionar las observaciones con la mente interior, Munch escribió: «La naturaleza no es sólo todo lo que es visible para el ojo… también incluye las imágenes interiores del alma».»
8. Akseli Gallen-Kallela, Lago Keitele, 1904
El lago Keitele de Akseli Gallen-Kallela, 1904, transmite el famoso lago finlandés como un hipnotizante espejo de luz desgarrado por las corrientes de viento en zigzag. El cuadro se pintó en un momento en que en toda Finlandia se sentía un creciente deseo de independencia. Esta sublime pintura de paisaje, que celebra la gran naturaleza virgen del país, se convirtió en un potente símbolo del nacionalismo y el orgullo finlandeses. Aunque no hay señales de vida humana, las corrientes naturales de movimiento que se ven corriendo por el agua eran una característica bien conocida del lago. Estas rayas de movimiento eran tan conocidas históricamente que en la antigua cultura finlandesa se relacionaban con el personaje mitológico de Väinämöinen, del que se decía que dejaba ondas al recorrer el lago. Estas sutiles representaciones del movimiento tenían un gran simbolismo nacionalista para Gallen-Kallela, celebrando la belleza misteriosa y enigmática de la antigua cultura finlandesa y sus estrechos vínculos con la tierra. Las describió como «las rayas plateadas en la superficie del agua serena son las olas que anuncian la pasión que se avecina»
9. Thomas Moran, El gran cañón del Colorado, 1904
En El Gran Cañón del Colorado de Thomas Moran, 1904, la vasta extensión de este famoso parque nacional se transmite en una enorme escala panorámica de siete por diez pies. El pintor estadounidense Moran, líder de las escuelas del río Hudson y de las Montañas Rocosas, quedó tan fascinado por la peligrosa belleza del terreno virgen del Colorado que se sumergió profundamente en un paisaje en el que pocos se habían aventurado antes que él, pintando más de treinta escenas que captan este paisaje único y sublime. Observando con fascinación el gran espacio abierto más allá de él, escribió: «su tremenda arquitectura le llena a uno de asombro y admiración, y su color, sus formas y su atmósfera son tan arrebatadoramente bellos que, por muy viajado que sea uno, se le abre un nuevo mundo cuando contempla el Gran Cañón.»
Esta escena transmite una visión idealizada y romántica del Gran Cañón, ya que las afiladas rocas entran y salen de la luz antes de desvanecerse en el lejano horizonte, mientras una tormenta que se avecina cobra velocidad en lo alto. El público quedó tan deslumbrado por los retratos de Moran de la gran naturaleza americana que hoy se le atribuye el mérito de haber influido en la creación del sistema de parques nacionales que ha preservado la integridad del sublime paisaje de Estados Unidos.
10. Peter Doig, Chaqueta de esquí, 1994
La chaqueta de esquí del pintor escocés Peter Doig, 1994, es una ráfaga de energía y movimiento en forma de nieve. Basado en una imagen fotográfica con esquiadores aprendices esparcidos por una montaña japonesa, Doig distorsiona y desbarata deliberadamente la imagen original, cortándola en dos partes por la mitad y volviéndola a unir para crear un inquietante efecto Rorschach. Doig es muy conocido por fusionar material fotográfico con marcas pictóricas, permitiendo que los dos estilos en conflicto jueguen el uno con el otro, como se ve en esta imagen, donde los árboles cuidadosamente pintados están rodeados de lavados de capas sueltas de color rosa, blanco y verde. Estos pasajes acuosos de pintura sugieren las cualidades frías y resbaladizas del hielo y la nieve que impregnan la imagen y le confieren una peligrosa incertidumbre, reforzando el miedo de los diminutos esquiadores que luchan contra el traicionero y escarpado terreno que les rodea.
Legado de la pintura sublime de paisaje
Lo sublime fue declarado «obsoleto» en el siglo XIX, desvaneciéndose en favor del impresionismo francés. Sin embargo, la pintura de paisajes sublimes regresó en el siglo XX cuando los expresionistas abstractos exploraron los mismos temas existencialistas y trascendentes en su pintura. Artistas como Mark Rothko, Clyfford Still y Robert Smithson han utilizado elementos de lo sublime en sus obras.