Los primeros teatros de Nueva YorkEditar
Nueva York no tuvo una presencia teatral significativa hasta aproximadamente 1750, cuando los directores de actores Walter Murray y Thomas Kean establecieron una compañía teatral residente en el Teatro de la calle Nassau, con capacidad para unas 280 personas. Presentaban obras de Shakespeare y óperas de baladas como The Beggar’s Opera. En 1752, William Hallam envió una compañía de doce actores de Gran Bretaña a las colonias con su hermano Lewis como director. Establecieron un teatro en Williamsburg, Virginia, y estrenaron El mercader de Venecia y El anatomista. La compañía se trasladó a Nueva York en 1753 y representó óperas y farsas como Damon y Phillida. La Guerra de la Independencia suspendió el teatro en Nueva York, pero a partir de entonces el teatro se reanudó en 1798, año en que se construyó el Park Theatre, con capacidad para 2.000 espectadores, en Chatham Street (ahora llamado Park Row). En 1826 se inauguró el Bowery Theatre, al que siguieron otros.
En la década de 1840, P.T. Barnum dirigía un complejo de espectáculos en el Bajo Manhattan. En 1829, en Broadway y Prince Street, se inauguró el Niblo’s Garden, que pronto se convirtió en uno de los principales locales nocturnos de Nueva York. El teatro, con capacidad para 3.000 espectadores, ofrecía todo tipo de espectáculos musicales y no musicales. En 1844 se inauguró el Palmo’s Opera House, que presentó ópera sólo durante cuatro temporadas antes de que la quiebra lo llevara a convertirse en un lugar de representación de obras de teatro con el nombre de Burton’s Theatre. La Ópera Astor se inauguró en 1847. En 1849 estalló un motín cuando los clientes de clase baja del Bowery se opusieron a lo que percibían como esnobismo por parte del público de clase alta del Astor Place: «Tras el motín de Astor Place de 1849, el entretenimiento en Nueva York se dividió en función de las clases: la ópera era principalmente para las clases media y alta, los espectáculos de juglares y los melodramas para la clase media, y los espectáculos de variedades en los salones de conciertos para los hombres de la clase trabajadora y la clase media de los barrios bajos».
Las obras de William Shakespeare se representaron con frecuencia en el escenario de Broadway durante la época, sobre todo por el actor estadounidense Edwin Booth, conocido internacionalmente por su interpretación de Hamlet. Booth interpretó el papel durante las famosas 100 representaciones consecutivas en el Winter Garden Theatre en 1865 (la representación finalizó pocos meses antes de que el hermano de Booth, John Wilkes Booth, asesinara a Abraham Lincoln), y más tarde reviviría el papel en su propio Booth’s Theatre (que fue dirigido durante un tiempo por su hermano Junius Brutus Booth, Jr.). Otros shakesperianos de renombre que actuaron en Nueva York en esta época fueron Henry Irving, Tommaso Salvini, Fanny Davenport y Charles Fechter.
Nacimiento del musical y postguerra civilEdición
El teatro en Nueva York se trasladó del centro de la ciudad gradualmente al centro de Manhattan a partir de 1850, en busca de inmuebles menos costosos. A principios del siglo XIX, la zona que ahora comprende el Distrito de los Teatros era propiedad de un puñado de familias y comprendía unas pocas granjas. En 1836, el alcalde Cornelius Lawrence inauguró la calle 42 e invitó a los habitantes de Manhattan a «disfrutar del aire puro y limpio». Casi 60 años más tarde, el empresario teatral Oscar Hammerstein I construyó el emblemático Teatro Victoria en la calle 42 Oeste.
El primer musical de «larga duración» de Broadway fue un éxito de 50 representaciones llamado Los duendes en 1857. En 1870, el corazón de Broadway estaba en Union Square, y a finales de siglo, muchos teatros estaban cerca de Madison Square. Los teatros no llegaron a la zona de Times Square hasta principios del siglo XX, y los teatros de Broadway no se consolidaron allí hasta que se construyó un gran número de teatros alrededor de la plaza en las décadas de 1920 y 1930. Las representaciones en Nueva York seguían estando muy por detrás de las de Londres, pero la «burletta musical» de Laura Keene, Las siete hermanas (1860), batió los récords anteriores de Nueva York con una representación de 253 funciones. Fue en una representación de la compañía de Keene de Our American Cousin en Washington, D.C. cuando Abraham Lincoln fue fusilado.
Se considera que la primera obra de teatro que se ajusta a la concepción moderna de un musical, añadiendo baile y música original que ayudaba a contar la historia, es The Black Crook, estrenada en Nueva York el 12 de septiembre de 1866. La producción duraba cinco horas y media, pero, a pesar de su duración, se mantuvo en cartelera durante 474 representaciones, todo un récord. Ese mismo año, The Black Domino/Between You, Me and the Post fue el primer espectáculo que se autodenominó «comedia musical».
Tony Pastor abrió el primer teatro de vodevil a una manzana al este de Union Square en 1881, donde actuó Lillian Russell. Los cómicos Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 (The Mulligan Guard Picnic) y 1890, con libro y letra de Harrigan y música de su suegro David Braham. Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones tomados de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York y representaban un paso importante desde el vodevil y el burlesque, hacia una forma más literaria. Las comedias musicales estaban protagonizadas por cantantes de gran calidad (Lillian Russell, Vivienne Segal y Fay Templeton), en lugar de las mujeres de dudosa reputación que habían protagonizado las formas musicales anteriores.
A medida que mejoraba el transporte, disminuía la pobreza en Nueva York y el alumbrado público hacía más seguros los desplazamientos nocturnos, el número de espectadores potenciales para el creciente número de teatros aumentó enormemente. Las obras podían durar más tiempo y seguir atrayendo al público, lo que permitió aumentar los beneficios y mejorar los valores de producción. Al igual que en Inglaterra, durante la segunda mitad del siglo, el teatro comenzó a limpiarse, con menos prostitución que dificultaba la asistencia de las mujeres al teatro. Los éxitos de las óperas cómicas familiares de Gilbert y Sullivan, empezando por H.M.S. Pinafore en 1878, se importaron a Nueva York (por los autores y también en numerosas producciones sin licencia). Fueron imitados en Nueva York por producciones estadounidenses como Robin Hood (1891) de Reginald Dekoven y El Capitán (1896) de John Philip Sousa, junto con óperas, ballets y otros éxitos británicos y europeos.
Años 1890 y principios de 1900Editar
Charles H. Hoyt’s A Trip to Chinatown (1891) se convirtió en el campeón de larga duración de Broadway, manteniendo el escenario durante 657 representaciones. Esta cifra no sería superada hasta Irene en 1919. En 1896, los propietarios de teatros Marc Klaw y A. L. Erlanger formaron el Theatrical Syndicate, que controló casi todos los teatros legales de Estados Unidos durante los siguientes dieciséis años. Sin embargo, proliferaron los vodeviles y los teatros de variedades más pequeños, y el Off-Broadway estaba bien establecido a finales del siglo XIX.
Un viaje a Coontown (1898) fue la primera comedia musical producida e interpretada íntegramente por afroamericanos en un teatro de Broadway (inspirada en gran medida en las rutinas de los espectáculos de juglares), seguida por la obra de trapo Clorindy: The Origin of the Cakewalk (1898), y la muy exitosa En Dahomey (1902). En la década de 1890 y principios de 1900 se representaron en Broadway cientos de comedias musicales con canciones escritas en el Tin Pan Alley de Nueva York, en las que participaron compositores como Gus Edwards, John Walter Bratton y George M. Cohan (Little Johnny Jones (1904), 45 Minutes From Broadway (1906) y George Washington Jr. (1906)). Aun así, las representaciones en Nueva York siguieron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las representaciones en Londres, hasta la Primera Guerra Mundial.Algunos musicales británicos de gran éxito siguieron alcanzando un gran éxito en Nueva York, como Florodora en 1900-01.
1900-1925Editar
En los primeros años del siglo XX, las traducciones de operetas continentales populares de finales del siglo XIX se unieron a los espectáculos del «Teatro de la Princesa» de la década de 1910, de escritores como P. G. Wodehouse, Guy Bolton y Harry B. Smith. Victor Herbert, cuya obra incluía algunas obras musicales íntimas con ambientación moderna, así como su serie de famosas operetas (The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) y Naughty Marietta (1910)).
A partir de The Red Mill, los espectáculos de Broadway instalaron carteles eléctricos fuera de los teatros. Como las bombillas de color se quemaban demasiado rápido, se utilizaron luces blancas, y Broadway recibió el apodo de «La Gran Vía Blanca». En agosto de 1919, la Actors’ Equity Association exigió un contrato estándar para todas las producciones profesionales. Después de que una huelga cerrara todos los teatros, los productores se vieron obligados a aceptar. En la década de 1920, los hermanos Shubert se habían alzado con la mayoría de los teatros del sindicato Erlanger.
Durante esta época, la obra Lightnin’, de Winchell Smith y Frank Bacon, se convirtió en el primer espectáculo de Broadway en alcanzar las 700 representaciones. A partir de ahí, pasaría a ser el primer espectáculo en alcanzar las 1.000 representaciones. Lightnin’ fue el espectáculo de Broadway que más tiempo duró hasta que fue superado en número de representaciones por Abie’s Irish Rose en 1925.
Compitiendo con el cineEditar
El cine se enfrentó al escenario. Al principio, las películas eran mudas y sólo presentaban una competencia limitada. A finales de la década de 1920, películas como El cantante de jazz se presentaban con sonido sincronizado, y los críticos se preguntaban si el cine sustituiría por completo al teatro en vivo. Aunque el vodevil en vivo no podía competir con estas películas baratas que presentaban a las estrellas del vodevil y a los principales cómicos de la época, otros teatros sobrevivieron. Los musicales de los locos años veinte, inspirados en el vodevil, el music-hall y otros espectáculos ligeros, tendían a ignorar el argumento en favor de los actores y actrices estrella, los grandes bailes y las canciones populares. Florenz Ziegfeld producía anualmente en Broadway espectaculares espectáculos de canto y baile con extravagantes decorados y elaborados trajes, pero no había nada que uniera los distintos números. Típicas de los años 20 eran las producciones desenfadadas como Sally; Lady Be Good; Sunny; No, No, Nanette; Harlem; Oh, Kay! y Funny Face. Puede que sus obras fueran olvidables, pero produjeron estándares perdurables de George Gershwin, Cole Porter, Jerome Kern, Vincent Youmans y Rodgers y Hart, entre otros, y Noël Coward, Sigmund Romberg y Rudolf Friml continuaron en la línea de Victor Herbert. El teatro en vivo ha sobrevivido a la invención del cine.
Entre guerrasEditar
Dejando atrás estos entretenimientos comparativamente frívolos y llevando el drama un paso adelante, Show Boat se estrenó el 27 de diciembre de 1927 en el Teatro Ziegfeld. Representó una completa integración del libro y la partitura, con temas dramáticos, contados a través de la música, el diálogo, la ambientación y el movimiento, entretejidos de forma más fluida que en los musicales anteriores. Se representó durante 572 funciones.
La década de 1920 también dio lugar a una nueva era de dramaturgos estadounidenses con la aparición de Eugene O’Neill, cuyas obras Más allá del horizonte, Anna Christie, El mono peludo, Extraño interludio, El éxito de O’Neill allanó el camino a importantes dramaturgos como Elmer Rice, Maxwell Anderson, Robert E. Sherwood, Clifford Odets y otros. Sherwood, Clifford Odets, Tennessee Williams y Arthur Miller, así como escritores de comedia como George S. Kaufman y Moss Hart. Las reposiciones de obras clásicas también gozaron de gran popularidad entre los espectadores de Broadway, especialmente John Barrymore en Hamlet y Ricardo III, John Gielgud en Hamlet, La importancia de llamarse Ernesto y Mucho ruido y pocas nueces, Walter Hampden y José Ferrer en Cyrano de Bergerac, Paul Robeson y Ferrer en Otelo, Maurice Evans en Ricardo II y las obras de George Bernard Shaw, y Katharine Cornell en obras como Romeo y Julieta, Antonio y Cleopatra y Cándida.
A medida que se acercaba la Segunda Guerra Mundial, una docena de dramas de Broadway abordaron el ascenso del nazismo en Europa y la cuestión de la no intervención estadounidense. El más exitoso fue Watch on the Rhine, de Lillian Hellman, que se estrenó en abril de 1941.
1943-1970Editar
Después de los años de vacas flacas de la Gran Depresión, el teatro de Broadway había entrado en una edad de oro con el éxito de taquilla Oklahoma!, en 1943, que se representó durante 2.212 funciones. Según los escritos de John Kenrick sobre los musicales de Broadway, «cada temporada veía cómo los nuevos musicales escénicos llevaban las canciones a lo más alto de las listas de éxitos. La demanda del público, la economía en auge y el abundante talento creativo hacían que Broadway siguiera en auge». Hasta el día de hoy, los espectáculos de los años 50 constituyen el núcleo del repertorio del teatro musical». Kenrick señala que «los últimos años de la década de 1960 marcaron una época de agitación cultural. Los cambios resultarían dolorosos para muchos -incluidos los que estaban entre bastidores, así como los del público». Sobre los años 70, Kenrick escribe: «Justo cuando parecía que los musicales de libro tradicionales volvían a estar de moda, la década terminó con la crítica y el público dando señales contradictorias.»
Ken Bloom observó que «los años 60 y 70 vieron un empeoramiento de la zona y un descenso en el número de espectáculos legítimos producidos en Broadway.» A modo de comparación, en la temporada de 1950 a 1951 (de mayo a mayo) se estrenaron en Broadway 94 producciones; en la temporada de 1969 a 1970 (de junio a mayo) hubo 59 producciones (quince fueron reposiciones). En los años veinte, había entre 70 y 80 teatros, pero en 1969 quedaban 36.
Edición de los años 80
A principios de 1982, Joe Papp, el productor y director teatral que fundó The Public Theater, lideró la campaña «Save the Theatres». Se trataba de un grupo sin ánimo de lucro apoyado por el sindicato Actors Equity para salvar los edificios teatrales del barrio de la demolición por parte de los intereses urbanísticos de Manhattan. Papp proporcionó recursos, reclutó a un publicista y a célebres actores, y proporcionó equipos de audio, iluminación y técnicos para el esfuerzo.
A instancias de Papp, en julio de 1982, se presentó un proyecto de ley en el 97º Congreso, titulado «H.R.6885, Un proyecto de ley para designar el distrito teatral de Broadway/Times Square en la ciudad de Nueva York como sitio histórico nacional». La legislación habría proporcionado ciertos recursos y asistencia del gobierno estadounidense para ayudar a la ciudad a preservar el distrito. Ante la fuerte oposición y el cabildeo de la administración del alcalde Ed Koch y los intereses de las empresas de Manhattan, el proyecto de ley no se aprobó. La campaña Save the Theatres centró entonces sus esfuerzos en apoyar la creación del distrito de los teatros como distrito histórico registrado. En diciembre de 1983, Save the Theatres preparó «The Broadway Theater District, a Preservation Development and Management Plan» (El distrito de los teatros de Broadway, un plan de desarrollo y gestión de la preservación), y exigió que cada teatro del distrito recibiera la designación de monumento histórico. El alcalde Ed Koch reaccionó finalmente creando un Consejo Asesor de Teatros, en el que se incluía a Papp.
Pandemia de COVID-19Editar
Como consecuencia de la pandemia de COVID-19, los teatros de Broadway cerraron el 12 de marzo de 2020, clausurando 16 espectáculos que estaban en cartelera o en proceso de estreno. El cierre se extendió primero a abril, luego a mayo, luego a junio, luego a septiembre de 2020 y a enero de 2021, y más tarde al 1 de junio de 2021. La 74ª edición de los premios Tony también se pospuso y se suponía que se celebraría prácticamente más tarde en 2020, pero no se ha anunciado nada nuevo después de que las nominaciones a los Tony fueran anunciadas el 15 de octubre de 2020 por James Monroe Iglehart.