Jak analizować obrazy

Z Duke University – Analiza wizualna

Celem analizy wizualnej jest rozpoznanie i zrozumienie wyborów wizualnych dokonanych przez artystę podczas tworzenia dzieła sztuki. Obserwując i pisząc o poszczególnych częściach obiektu artystycznego, lepiej zrozumiesz obiekt artystyczny jako całość.

Co to jest retoryka wizualna i alfabetyzm wizualny?

Najprostsza definicja retoryki wizualnej to sposób, w jaki obrazy wizualne przekazują znaczenie. Alfabetyzm wizualny dotyczy również tego, w jaki sposób kultura i znaczenie są odzwierciedlane, przekazywane i zmieniane przez obrazy. Umiejętności wizualne obejmują wszystkie procesy poznawania i reagowania na obraz wizualny, jak również wszystkie myśli, które mogą być wykorzystane do konstruowania lub manipulowania obrazem.

Analiza wizualna zajmuje się elementami formalnymi dzieła sztuki – atrybutami wizualnymi, takimi jak kolor, linia, tekstura i rozmiar. Obejmuje również kontekst historyczny lub interpretacje znaczenia.

• Przeczytaj uważnie zadanie lub pytania, aby zdecydować, które elementy analizy wizualnej powinny być uwzględnione, ponieważ nie wszystkie aspekty są odpowiednie do komentowania każdego obrazu. Wybierz te aspekty, które wydają się najbardziej odpowiednie. Niektóre pytania lub zadania będą wymagały od Ciebie analizy porównawczej – (porównywania dzieł sztuki lub artystów z innego kontekstu społecznego lub historycznego) lub będą oczekiwały od Ciebie sformułowania formalnego opisu w kategoriach kontekstu historycznego lub społecznego. informacje.

• Wszystkie obserwacje muszą być uzasadnione np. „Mont Sainte-Victoire Paula Cézanne’a składa się z wielu powtarzających się kształtów i linii, które służą ujednoliceniu kompozycji. Tak więc, jeśli dokonujesz obserwacji dotyczącej elementu formalnego, podaj również, jaki efekt wizualny ma on Twoim zdaniem.

1. Zapisywanie szczegółów obrazu (Twoje notatki powinny zawsze podawać malarza, tytuł i datę)
Uwaga; na egzaminy każda sekcja ma dwa pytania, w pierwszym pytaniu, otrzymasz obrazy i te szczegóły, możesz następnie odnieść się do dzieł, jak są one numerowane w pracy np. rys. 1b.

Nazwa malarza: (np. Monet)

Tytuł dzieła: (np. Katedra w Rouen w pełnym słońcu)

Data namalowania: (np. 1874)
To coś więcej niż tylko datowanie kawałek – raz masz datę w dół, można spojrzeć na to, co działo się w tym okresie czasu, które mogłyby sprawić, że artysta chce przedstawić swój temat w sposób on ma.

Wymiar: (np. 84 x 63 cm)

Medium : (np. olej na płótnie)

Okres stylistyczny: (np. impresjonizm)
Uwaga – Jeśli zadanie lub pytanie prosi Cię o zidentyfikowanie stylu lub ruchu związanego z dziełem sztuki, porównaj elementy formalne dzieła do cech stylistycznych stylu/ruchu. Na przykład: „Biblioteka Roberta Adama w Kenwood jest dość klasyczna, nie tylko ze względu na kolumny korynckie i sklepienia kolebkowe, ale także dlatego, że jest symetryczna, geometryczna i starannie wyważona.”

2. Temat i zagadnienie

• Opisać temat: (np. artysta Courbet spotyka swojego mecenasa Monsieur )
• i/lub Opisz treść: (np. kamienna fasada gotyckiej katedry)
• i/lub Wyjaśnij wszelkie idee, które obraz wyraża (polityczne, społeczne, osobiste): (np. Courbet przedstawia siebie jako równego statusowi bogatego mecenasa)
• Zidentyfikuj podstawowe tematy: (np.poświęcenie, lojalność wobec narodu w Brutusie Davida odbierającym ciała swoich synów)
• Wyjaśnij wszelkie tło znane o dziele (używając badań, aby się dowiedzieć): (np. format wywodzi się z popularnego druku zatytułowanego Wędrujący Żyd)
• „Jaki jest nastrój?” Innymi słowy: jakie ogólne odczucia wywołuje w tobie dzieło? Czy kolory, których użył artysta, sprawiają, że czujesz się w określony sposób? Czy kompozycja daje ci nastrój?

3. kompozycja (oznacza organizację obiektów i / lub postaci w ramach obrazu) (wybierz tylko najbardziej istotne z nich), jak artysta składa razem różne części płótna? Jak artysta sprawia, że twoje oko porusza się po płótnie? Czy jest jedno miejsce, w którym Twój wzrok zawsze się zatrzymuje? Co ten ruch i organizacja sprawiają, że myślisz o postaciach lub obiektach przedstawionych?

• Punkt centralny:
• Kształty geometryczne:
• Symetria?/Asymetria?:
• Metody używane do prowadzenia oka wokół dzieła:
• Efekty tworzone przez urządzenia kompozycyjne: (np. stabilność, porządek, przypadkowość, efekt zwrócenia uwagi na poszczególne części dzieła)

4. Przestrzeń/głębokość (jak tworzona jest iluzja głębi?)

• Perspektywa linearna: (np. Pissarro stosuje rząd drzew, które cofają się i prowadzą oko w dal. Drzewa znikają w punkcie na horyzoncie)
• Perspektywa powietrzna: (stopniowe rozjaśnienie, zamglenie i niebieskawy odcień, który pojawia się w kierunku horyzontu)
• Nakładanie się obiektów:
• Odległość od płaszczyzny obrazu: (poczucie odległości od rzeczywistej powierzchni obrazu)

5. Kolor

• Kolory główne używane :
• Kolory chłodne i ciepłe:
• Zakres palety : (oznacza liczbę użytych kolorów – szeroka paleta lub ograniczona paleta)
• Efekty, jakie wywołuje kolor:

• Przykład: Uwagę zwraca centralna postać, która namalowana jest w mocnych odcieniach fioletu i błękitu – uderzający kontrast z komplementarną żółcią pozostałych dwóch postaci. Chociaż Nolde pracował z ciepłymi i chłodnymi kolorami, te wydają się bardziej dysonansowe i niepokojące.

6. Światło

• Kierunek światła :
• światłocień (kontrasty światła i cienia) lub równomierne oświetlenie :
• światło atmosferyczne (w celu stworzenia nastroju):Przykład: „Rembrandt „s use of chiaroscuro heightens the sense of drama in The Night Watch

7. Forma i efekty

• Użycie konturu do określenia formy: (Czy kontury są wyraźne?)
• Użycie modelowania tonalnego (cieniowanie formy) do stworzenia form 3-d:
• Czy formy wydają się statyczne (nie poruszają się), czy wydają się być w ruchu?
• Jakie wrażenie wywołuje użycie linii?

Przykład: Fauwiści używali ekspresyjnej linii – nie używali linii, aby naśladować rzeczywistość, ale podobnie jak ich użycie kolorów, używali linii, aby wyrazić uczucie lub podkreślić formę, lub kształt, który przyczynił się do uczucia obrazu. Gruba czarna linia, która często obrysowywała formy, była wypełniana intensywnymi kolorami. Linia była również często używana jako środek dekoracyjny, jak to widać w Tańcu Andre Deraina lub w Harmonii w czerwieni Matisse’a.

8. Technika

• Gładkie wykończenie:
• lub Grubo nakładana farba (impasto):
• Efekty: (np. sugeruje fakturę przedmiotów i odzieży, jak marmur, satyna)
• Czy czujesz naturalną fakturę w obrazie, jak miękkość owocu
• Jaki ruch artystyczny, czy technika przypomina

Przykład: Czyste i niezmieszane kolory zostały jeszcze bardziej zintensyfikowane przez zastosowanie grubych daubów i rozmazów. W „Otwartym oknie w Collioure” Matisse’a, na przykład, pociągnięcia pędzla nabierają również znaczenia symbolicznego; każdy poziom przestrzeni charakteryzuje się innym rodzajem pociągnięcia pędzla. W tym obrazie pociągnięcie pędzla staje się metaforą jakości czasu związanego z danym typem przestrzeni. Płaskie obszary farby są używane dla wnętrz i przestrzeni architektonicznych, które mają statyczny czas; zakrzywione krótkie pociągnięcia dla roślin wokół okna, a poziome i pionowe przerywane linie dla statków na morzu.

W Górach w Collioure Andre Deraina można zobaczyć powtarzające się pociągnięcia pędzla, które nadały obrazom Fauves bardzo szorstki, niedokończony wygląd w porównaniu z innymi dziełami sztuki w tym czasie. Można również wyraźnie dostrzec infleunce pociągnięcia pędzla van Gogha.

9. Kontekst (znany poprzez badania i znajomość stylu)

Społeczny/Historyczny/Artystyczny: np. Pasuje do osobistego stylu artysty, Pasuje do stylu epoki sztuki: Jak temat, motyw i forma przekazują idee, wartości, sentymenty, przekonania, percepcje? Co dzieło sztuki może powiedzieć o okresie i kulturze, w której zostało stworzone?

Przykład pytania

Pisz esej, w którym odnosisz się do co najmniej DWÓCH dzieł sztuki dowolnego lokalnego lub międzynarodowego artysty(ów), którego(ych) studiowałeś(aś), który(rzy) twoim zdaniem badał(li) kwestię tożsamości w swojej/ich twórczości.

Twoja odpowiedź powinna zawierać następujące informacje:
– Inspiracja/ wpływ na dzieło
– Elementy formalne użyte w dziele
– Tematy i przesłania w dziele, które dają poczucie tożsamości artysty/artystów.

Twoje odpowiedzi powinny mieć wprowadzenie do konkretnego pytania, oraz konkluzję.

Na koniec, oto kilka świetnych rad autorstwa Chelsea Emelie Kelly i Alexandra J. Noelle

Dwa najważniejsze pytania.

Są tylko dwa pytania, których naprawdę potrzebujesz, aby spojrzeć na sztukę, a są to: „Co się dzieje na tym obrazie/rzeźbie/budynku?” oraz „Co widzę, co sprawia, że tak mówię?”

Patrz na obraz i domyśl się, co widzisz, nawet jeśli wydaje ci się to niezrozumiałe; następnie ZNAJDŹ w obrazie dowody, które potwierdzają to, co widzisz.

Na przykład, spójrzmy na słynny „Krzyk” Edvarda Muncha (1893). Co widzimy? Odpowiesz, że to proste: człowieka, który jest przerażony i przytłoczony. OK, zdecydowanie – ale skąd wiemy, że to człowiek? Dlaczego jest przerażony i przytłoczony? Co w obrazie sprawia, że możemy powiedzieć o nim takie rzeczy?

Możesz odpowiedzieć: to mężczyzna, ponieważ jest łysy i ma męski typ ciała. Jest przestraszony, bo ma wyraz twarzy – otwarte usta, szeroko otwarte oczy, trzyma się rękoma za twarz. I może jest przytłoczony tym wszystkim, co go otacza na obrazie – tym ostro przechylonym mostem, jasnym, wirującym niebem i dziwnymi niebieskimi kształtami za nim. Nawet jego ciało jest całe poskręcane, jak wszystko wokół niego.

Jeśli sam czujesz się przytłoczony, nie martw się. Trzeba będzie trochę popchnąć siebie, aby dostać się do punktu, w którym czujesz się komfortowo skacząc do obrazu i badając go, ale praktyka czyni mistrza. Spróbuj odwiedzić muzeum z przyjacielem i porozmawiać z nim o obrazie – obaj zobaczycie rzeczy, których ten drugi nie dostrzegł, a rozmowa o sztuce na głos może naprawdę pomóc w zrozumieniu dzieła.

Pamiętaj też, że każdy wybór dokonany przez artystę jest wyborem świadomym. Jest powód, dla którego uważasz, że ten facet jest przerażony i przytłoczony: ponieważ Munch sam zdecydował się namalować go z takim wyrazem, zdecydował się stworzyć wokół niego wirujący, niepokojący krajobraz, w tych konkretnych czerwieniach i błękitach. Zrozumienie sposobu, w jaki artysta manipuluje twoją interpretacją dzieła, jest kluczem do wniknięcia w jego głowę.

Jak już opanujesz umiejętność odpowiadania na te dwa podstawowe pytania, prawdopodobnie zorientowałeś się, co historycy sztuki nazywają „tematem” obrazu – wiesz, co jest na płótnie. Stąd możesz łatwo zacząć badać dzieło jeszcze dalej, zadając sobie inne, bardziej szczegółowe pytania.

Spójrz też na ten link, aby zobaczyć przykład analizy Krzyku

Analysis.com – mnóstwo przykładów analizowanych dzieł sztuki

Duke University – Visual Analysis

Writing in the Disciplines: Art History:

Overview: Visual Rhetoric /Visual Literacy:

Visual Rhetoric/Visual Literacy: Writing about Paintings
Visual Rhetoric/Visual Literacy: Pisanie o fotografiach