Wczesny teatr w Nowym JorkuEdit
Nowy Jork nie miał znaczącej obecności teatru do około 1750 roku, kiedy to aktorzy-menedżerowie Walter Murray i Thomas Kean założyli zespół teatralny w Theatre on Nassau Street, który mieścił około 280 osób. Wystawiano tam sztuki Szekspira i opery balladowe, takie jak The Beggar’s Opera. W 1752 roku William Hallam wysłał z Wielkiej Brytanii do kolonii zespół dwunastu aktorów, których menedżerem był jego brat Lewis. Założyli teatr w Williamsburgu w Wirginii i wystawili Kupca weneckiego i Anatomistę. W 1753 roku zespół przeniósł się do Nowego Jorku, wystawiając opery i ballady, takie jak Damon i Phillida. Wojna Rewolucyjna zawiesiła działalność teatralną w Nowym Jorku, ale po jej zakończeniu teatr wznowił działalność w 1798 roku, kiedy to na Chatham Street (obecnie Park Row) wybudowano Park Theatre na 2000 miejsc. W 1826 roku otwarto Bowery Theatre, a po nim kolejne.
W latach czterdziestych XIX wieku P.T. Barnum prowadził kompleks rozrywkowy na dolnym Manhattanie. W 1829 roku, przy Broadwayu i Prince Street, otwarto Niblo’s Garden, który szybko stał się jednym z najważniejszych miejsc nocnych w Nowym Jorku. Teatr na 3000 miejsc prezentował wszelkiego rodzaju rozrywki muzyczne i niemuzyczne. W 1844 roku otwarto Palmo’s Opera House, który prezentował operę tylko przez cztery sezony, zanim bankructwo doprowadziło do zmiany jego nazwy na Burton’s Theatre, gdzie wystawiano sztuki teatralne. Astor Opera House została otwarta w 1847 roku. Zamieszki wybuchły w 1849 roku, kiedy niższa klasa patronów Bowery sprzeciwiła się temu, co postrzegała jako snobizm ze strony wyższej klasy publiczności w Astor Place: „Po zamieszkach na Astor Place w 1849 roku, rozrywka w Nowym Jorku została podzielona wzdłuż linii klasowych: opera była głównie dla wyższej klasy średniej i wyższej, przedstawienia minstreli i melodramaty dla klasy średniej, przedstawienia rozmaitości w salonach koncertowych dla mężczyzn z klasy robotniczej i nędznej klasy średniej.”
Sztuki Williama Szekspira były często wystawiane na scenie Broadwayu w tym okresie, zwłaszcza przez amerykańskiego aktora Edwina Bootha, który był znany na całym świecie ze swojej roli Hamleta. Booth grał tę rolę przez słynne 100 kolejnych przedstawień w Winter Garden Theatre w 1865 roku (przy czym przedstawienie zakończyło się zaledwie kilka miesięcy przed tym, jak brat Bootha, John Wilkes Booth, dokonał zamachu na Abrahama Lincolna), a później powrócił do tej roli w swoim własnym Booth’s Theatre (który przez pewien czas prowadził jego brat Junius Brutus Booth, Jr.). Inni znani Szekspirolodzy, którzy pojawili się w Nowym Jorku w tej epoce to Henry Irving, Tommaso Salvini, Fanny Davenport i Charles Fechter.
Narodziny musicalu i okres po wojnie secesyjnej
Teatr w Nowym Jorku przeniósł się z centrum stopniowo do centrum Manhattanu około 1850 roku, szukając tańszych nieruchomości. Na początku XIX wieku obszar, który obecnie obejmuje Theater District, był własnością kilku rodzin i składał się z kilku farm. W 1836 roku burmistrz Cornelius Lawrence otworzył 42. ulicę i zaprosił mieszkańców Manhattanu do „cieszenia się czystym powietrzem”. Blisko 60 lat później przedsiębiorca teatralny Oscar Hammerstein I zbudował kultowy Victoria Theater na West 42nd Street.
Pierwszym musicalem na Broadwayu o długim czasie trwania był hit o nazwie The Elves z 1857 roku, który miał 50 przedstawień. W 1870 roku serce Broadwayu znajdowało się na Union Square, a do końca wieku wiele teatrów znajdowało się w pobliżu Madison Square. Teatry nie pojawiły się w rejonie Times Square aż do początku 1900 roku, a teatry broadwayowskie nie skonsolidowały się tam aż do czasu, gdy w latach 20. i 30. XX wieku wokół placu powstało wiele teatrów. Nowojorskie przedstawienia nadal pozostawały daleko w tyle za tymi w Londynie, ale „musical burletta” Laury Keene „The Seven Sisters” (1860) pobił poprzednie rekordy nowojorskie, wystawiając 253 przedstawienia. To właśnie podczas występu zespołu Keene’a w przedstawieniu Our American Cousin w Waszyngtonie Abraham Lincoln został zastrzelony.
Pierwszym dziełem teatralnym, które odpowiada współczesnej koncepcji musicalu, dodając taniec i oryginalną muzykę, która pomogła opowiedzieć historię, jest uważany za The Black Crook, który miał premierę w Nowym Jorku 12 września 1866 roku. Spektakl trwał pięć i pół godziny, ale mimo swojej długości doczekał się rekordowej liczby 474 przedstawień. W tym samym roku, The Black Domino/Between You, Me and the Post było pierwszym przedstawieniem, które nazwano „komedią muzyczną”.
Tony Pastor otworzył pierwszy teatr wodewilowy jedną przecznicę na wschód od Union Square w 1881 roku, gdzie występowała Lillian Russell. Komicy Edward Harrigan i Tony Hart wyprodukowali i zagrali w musicalach na Broadwayu w latach 1878 (The Mulligan Guard Picnic) i 1890, z książką i tekstami autorstwa Harrigana i muzyką jego teścia Davida Brahama. Te komedie muzyczne przedstawiały postaci i sytuacje zaczerpnięte z codziennego życia niższych klas społecznych Nowego Jorku i stanowiły znaczący krok naprzód w stosunku do wodewilu i burleski, w kierunku bardziej literackiej formy. Występowały w nich wysokiej klasy piosenkarki (Lillian Russell, Vivienne Segal i Fay Templeton), a nie kobiety o wątpliwej reputacji, które występowały we wcześniejszych formach muzycznych.
Poprawa komunikacji, zmniejszenie biedy w Nowym Jorku i oświetlenie ulic, które umożliwiło bezpieczniejsze podróżowanie nocą, sprawiły, że liczba potencjalnych mecenasów dla rosnącej liczby teatrów ogromnie wzrosła. Spektakle mogły być wystawiane dłużej i nadal przyciągać publiczność, co prowadziło do większych zysków i lepszej jakości produkcji. Podobnie jak w Anglii, w drugiej połowie wieku teatr zaczął się oczyszczać, a prostytucja w mniejszym stopniu utrudniała kobietom uczęszczanie do teatru. Do Nowego Jorku sprowadzono (przez autorów, a także w licznych nielicencjonowanych inscenizacjach) familijne komediowe przeboje operowe Gilberta i Sullivana, począwszy od H.M.S. Pinafore w 1878 roku. W Nowym Jorku naśladowały je amerykańskie produkcje, takie jak Robin Hood Reginalda Dekovena (1891) i El Capitan Johna Philipa Sousy (1896), a także opery, balety i inne brytyjskie i europejskie przeboje.
Lata 1890 i wczesne 1900Edit
Charles H. Hoyt’s A Trip to Chinatown (1891) stał się długoletnim mistrzem Broadwayu, utrzymując się na scenie przez 657 przedstawień. Tego wyniku nie udało się pobić aż do Irene w 1919 roku. W 1896 roku właściciele teatrów Marc Klaw i A. L. Erlanger założyli Syndykat Teatralny, który przez następne szesnaście lat kontrolował prawie wszystkie legalne teatry w USA. Jednak mniejsze wodewile i domy urozmaicenia mnożyły się, a Off-Broadway był już dobrze ugruntowany pod koniec XIX wieku.
A Trip to Coontown (1898) była pierwszą komedią muzyczną w całości wyprodukowaną i wykonaną przez Afroamerykanów w teatrze na Broadwayu (w dużej mierze zainspirowaną rutynowymi występami minstreli), a następnie ragtime-tinged Clorindy: The Origin of the Cakewalk (1898) i bardzo udany In Dahomey (1902). W latach 90. i na początku lat 90. XIX wieku na Broadwayu wystawiono setki komedii muzycznych składających się z piosenek napisanych w nowojorskiej Tin Pan Alley z udziałem takich kompozytorów jak Gus Edwards, John Walter Bratton i George M. Cohan (Little Johnny Jones (1904), 45 Minutes From Broadway (1906) i George Washington Jr. (1906)). Kilka bardzo udanych brytyjskich musicali nadal odnosiło wielkie sukcesy w Nowym Jorku, w tym Florodora w latach 1900-01.
1900-1925Edit
W pierwszych latach XX w, tłumaczenia popularnych operetek kontynentalnych z końca XIX wieku dołączyły do przedstawień „Princess Theatre” z lat 1910-tych autorstwa takich pisarzy jak P. G. Wodehouse, Guy Bolton i Harry B. Smith. Victor Herbert, którego twórczość obejmowała kilka kameralnych sztuk muzycznych z nowoczesną oprawą, jak również ciąg słynnych operetek (The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) i Naughty Marietta (1910)).
Począwszy od The Red Mill, przedstawienia na Broadwayu zainstalowały elektryczne szyldy na zewnątrz teatrów. Ponieważ kolorowe żarówki wypalały się zbyt szybko, zaczęto używać białych świateł, a Broadway zyskał przydomek „The Great White Way”. W sierpniu 1919 roku Stowarzyszenie Aktorów (Actors' Equity Association) zażądało standardowego kontraktu dla wszystkich profesjonalnych produkcji. Po tym jak strajk spowodował zamknięcie wszystkich teatrów, producenci zostali zmuszeni do porozumienia. W latach dwudziestych bracia Shubert przejęli większość teatrów od syndykatu Erlangera.
W tym czasie sztuka Lightnin' Winchella Smitha i Franka Bacona stała się pierwszym spektaklem na Broadwayu, który osiągnął 700 przedstawień. Od tego momentu stała się pierwszym spektaklem, który osiągnął 1000 przedstawień. Lightnin' był najdłużej działającym spektaklem na Broadwayu, dopóki nie został wyprzedzony w liczbie występów przez Abie’s Irish Rose w 1925 roku.
Konkurencja z filmami kinowymiEdit
The motion picture mounted a challenge to the stage. Początkowo filmy były nieme i stanowiły jedynie ograniczoną konkurencję. Pod koniec lat 20. filmy takie jak The Jazz Singer były prezentowane z synchronizowanym dźwiękiem, a krytycy zastanawiali się, czy kino całkowicie zastąpi teatr na żywo. Podczas gdy wodewil na żywo nie mógł konkurować z niedrogimi filmami, w których występowały gwiazdy wodewilu i najwięksi komicy tamtych czasów, inne teatry przetrwały. Musicale z lat dwudziestych, zapożyczone z wodewilu, music-hallu i innych lekkich form rozrywki, ignorowały fabułę na rzecz aktorów i aktorek, wielkich układów tanecznych i popularnych piosenek. Florenz Ziegfeld co roku produkował na Broadwayu spektakularne rewie pieśni i tańca z ekstrawagancką scenografią i wyszukanymi kostiumami, ale niewiele łączyło poszczególne numery w całość. Typowe dla lat 20. były lekkie produkcje, takie jak Sally; Lady Be Good; Sunny; No, No, Nanette; Harlem; Oh, Kay! i Funny Face. Ich książki mogły być niezapomniane, ale dzięki nim powstały nieprzemijające standardy, między innymi George’a Gershwina, Cole’a Portera, Jerome’a Kerna, Vincenta Youmansa oraz Rodgersa i Harta, a Noël Coward, Sigmund Romberg i Rudolf Friml kontynuowali dzieło Victora Herberta. Teatr na żywo przetrwał wynalezienie kina.
Między wojnamiEdit
Pozostawiając za sobą te stosunkowo niepoważne rozrywki i robiąc krok naprzód w dziedzinie dramatu, Show Boat miała premierę 27 grudnia 1927 roku w Ziegfeld Theatre. Stanowił on całkowitą integrację książki i partytury, z dramatycznymi tematami, jak opowiedziane przez muzykę, dialog, ustawienie i ruch, wplecione razem bardziej płynnie niż w poprzednich musicalach. Wystąpił w 572 przedstawieniach.
Lata dwudzieste zapoczątkowały również nową erę amerykańskich dramaturgów wraz z pojawieniem się Eugene’a O’Neilla, którego sztuki Beyond the Horizon, Anna Christie, The Hairy Ape, Strange Interlude, i Mourning Becomes Electra udowodniły, że istnieje publiczność dla poważnych dramatów na Broadwayu, a sukces O’Neilla utorował drogę dla głównych dramaturgów, takich jak Elmer Rice, Maxwell Anderson, Robert E. Sherwood, Clifford Odets, Tennessee Williams i Arthur Miller, a także twórcom komedii, jak George S. Kaufman i Moss Hart. John Barrymore w Hamlecie i Ryszardzie III, John Gielgud w Hamlecie, Ważniaku i Wiele hałasu o nic, Walter Hampden i José Ferrer w Cyrano de Bergerac, Paul Robeson i Ferrer w Otellu, Maurice Evans w Ryszardzie II i sztukach George’a Bernarda Shawa, Katharine Cornell w Romeo i Julii, Antoniuszu i Kleopatrze oraz Candidzie.
W miarę zbliżania się II wojny światowej tuzin broadwayowskich dramatów podejmował temat wzrostu nazizmu w Europie i kwestii amerykańskiej nieinterwencji. Największy sukces odniósł „Watch on the Rhine” Lillian Hellman, który został otwarty w kwietniu 1941 roku.
1943-1970Edit
Po chudych latach Wielkiego Kryzysu, teatr na Broadwayu wszedł w złoty wiek wraz z przebojowym hitem „Oklahoma!”, w 1943 roku, który wystawiono na 2,212 spektakli. Jak pisze John Kenrick o musicalach na Broadwayu: „W każdym sezonie nowe musicale sceniczne wysyłały piosenki na szczyty list przebojów. Popyt publiczny, kwitnąca gospodarka i obfitość talentów twórczych sprawiały, że Broadway był pełen wigoru. Po dziś dzień spektakle z lat 50. stanowią trzon repertuaru teatru muzycznego.” Kenrick zauważa, że „późne lata 60. to czas kulturowych wstrząsów. Zmiany okazały się bolesne dla wielu – zarówno tych za kulisami, jak i tych na widowni.” O latach 70. Kenrick pisze: „Kiedy wydawało się, że tradycyjne musicale książkowe wróciły do mody, dekada zakończyła się mieszanymi sygnałami ze strony krytyków i publiczności.”
Ken Bloom zauważył, że „w latach 60. i 70. nastąpiło pogorszenie sytuacji w tej dziedzinie i spadek liczby legalnych przedstawień produkowanych na Broadwayu.” Dla porównania, w sezonie 1950 – 1951 (od maja do maja) na Broadwayu otwarto 94 produkcje; w sezonie 1969 – 1970 (od czerwca do maja) było 59 produkcji (piętnaście było wznowieniami). W latach dwudziestych istniało 70-80 teatrów, ale do 1969 roku pozostało ich 36.
Lata osiemdziesiąteEdit
Na początku 1982 roku Joe Papp, producent teatralny i reżyser, który założył The Public Theater, poprowadził kampanię „Save the Theatres”. Była to grupa non-profit wspierana przez związek zawodowy Actors Equity, której celem było uratowanie budynków teatralnych w sąsiedztwie przed wyburzeniem przez wpływowe firmy deweloperskie z Manhattanu. Papp zapewnił środki, zatrudnił publicystę i sławnych aktorów, a także zapewnił ekipy dźwiękowe, oświetleniowe i techniczne. Na prośbę Pappa, w lipcu 1982 roku, w 97 Kongresie został wprowadzony projekt ustawy zatytułowany „H.R.6885, A bill to designate the Broadway/Times Square Theatre District in the City of New York as a national historic site”. Ustawa ta zapewniłaby pewne środki i pomoc rządu USA, aby pomóc miastu w zachowaniu dzielnicy. W obliczu silnego sprzeciwu i lobbingu ze strony administracji burmistrza Eda Kocha i korporacyjnych interesów rozwoju Manhattanu, ustawa nie została przyjęta. Kampania Save the Theatres skierowała wtedy swoje wysiłki na wsparcie ustanowienia Theater District jako zarejestrowanej dzielnicy historycznej. W grudniu 1983 roku organizacja Save the Theatres przygotowała „The Broadway Theater District, a Preservation Development and Management Plan” i zażądała, aby każdy teatr w dzielnicy otrzymał status zabytku. Burmistrz Ed Koch ostatecznie zareagował tworząc Theater Advisory Council, w skład którego wszedł Papp.
Pandemia COVID-19Edit
W wyniku pandemii COVID-19 teatry na Broadwayu zostały zamknięte 12 marca 2020 roku, zamykając 16 spektakli, które grały lub były w trakcie otwierania. Zamknięcie zostało przedłużone najpierw do kwietnia, potem do maja, potem do czerwca, potem do września 2020 i stycznia 2021, a następnie do 1 czerwca 2021. 74. Tony Awards również zostały przełożone i miały się odbyć praktycznie później w 2020 roku, ale nic nowego nie zostało ogłoszone po tym, jak nominacje do Tony zostały ogłoszone 15 października 2020 roku przez Jamesa Monroe Igleharta.