Wzniosłe obrazy pejzażowe są jednym z najbardziej teatralnych i emocjonalnych tematów w historii sztuki, łącząc w sobie piękno, dramat i zniszczenie w równej mierze. Termin „wzniosły” został zdefiniowany przez filozofa Edmunda Burke’a w A Philosophical Enquiry into the Origin of Our Ideas of the Sublime and Beautiful w 1757 roku, jako piękno zasznurowane czymś dodatkowym, pewnym niebezpieczeństwem, strachem lub przerażeniem, lub tym, co nazwał: „cokolwiek jest w jakikolwiek sposób straszne lub jest związane ze strasznymi przedmiotami lub działa w sposób analogiczny do przerażenia”. Burke nazwał też wzniosłość ni mniej, ni więcej tylko najpotężniejszą emocją, jaką może odczuwać umysł – nic dziwnego, że artyści chętnie przyjmowali ten styl!
Wyniosłe malarstwo pejzażowe na przestrzeni dziejów
Chociaż termin „wzniosły” może opisywać różne tematy, wzniosłe obrazy pejzażowe były jednymi z najtrwalszych i najbardziej urzekających ze wszystkich. Jeszcze przed słynnym tekstem Burke’a, malarze od czasów średniowiecza podnosili poziom kłębiących się chmur burzowych, ostrych ścian klifów i poszarpanych, ośnieżonych gór, aby przekazać oszałamiający zachwyt i grozę oczarowanym widzom. Pozwól nam zagubić się w niektórych z najbardziej budzących respekt, wzniosłych obrazów krajobrazowych wszech czasów, od epoki renesansu po czasy nowożytne i współczesne.
1. Pieter Brueghel Starszy, Pejzaż z ucieczką do Egiptu, 1563
Pieter Brueghel Starszy, Pejzaż z ucieczką do Egiptu, 1563 typizuje wysublimowane malarstwo pejzażowe północnego renesansu, łącząc zapierającą dech w piersiach scenerię z narracją religijną. Maleńkie postacie Marii i Józefa, uciekających przed prześladowaniami w Betlejem, balansują na krawędzi niebezpiecznego klifu na pierwszym planie. Sceneria jest ściśle związana z ich historią, gdyż blada, odległa sceneria reprezentuje znajomą krainę, którą opuszczają, podczas gdy ciemny, niepokojący pierwszy plan, ku któremu zmierzają, spowity jest mrokiem i niebezpieczeństwem nieznanego. Breughel starał się skontrastować obszary bezruchu i ruchu w ramach tego jednego obrazu, malując skały i góry jako stałe i nieporuszające się, w porównaniu z nieustannie płynącym ruchem wody, ludzi i ptaków. Ta równowaga przeciwieństw między ciemnością i światłem, kruchością i trwałością oraz bezruchem i ruchem jest powodem, dla którego ten wysublimowany obraz krajobrazowy stał się jednym z najbardziej trwałych obrazów wszechczasów.
2. Philip James De Loutherbourg, An Avalanche in the Alps, 1803
Pochodzący z Wielkiej Brytanii, urodzony we Francji Philip James De Loutherbourg namalował Lawinę w Alpach w 1803 roku, w czasie, gdy malownicze, ale niebezpieczne Alpy Francuskie były coraz bardziej popularnym ucieleśnieniem wzniosłego krajobrazu. De Loutherbourg, oprócz malarstwa, dorabiał jako scenograf teatralny, co pozwalało mu nadać swoim płótnom dramatyzm poprzez ostre oświetlenie, głębię i ruch. Tutaj odległe francuskie góry zaczynają się rozpadać pod wpływem lawiny, rzucając na scenę przerażająco wielkie chmury kłębiącego się pyłu i dymu, przesłaniając niebo nad nią. Błysk białego światła w centrum zwraca nasz wzrok na maleńkich, przerażonych gapiów, którzy są maleńcy w obliczu otaczających ich spadających skał, wkrótce zniszczonych przez żywiołowe siły natury.
3. Joseph Mallord William Turner, Burza śnieżna: Hannibal and his Army Crossing the Alps, 1812
J.M.W. Turner’s Snow Storm: Hannibal and his Army Crossing the Alps, 1812, typizuje agonistyczne piękno epoki romantyzmu, z monstrualnymi, łukowatymi chmurami burzowymi, które unoszą się nad małymi ludźmi poniżej. Obraz, dedykowany Hannibalowi Barce, dowódcy armii kartagińskiej w latach 200-100 p.n.e., przedstawia żołnierzy Hannibala próbujących przekroczyć Alpy w 218 r. p.n.e., z plemionami Salassów walczącymi z tylną strażą Hannibala. Burza staje się tu silną metaforą zagrażającej życiu walki, gdy czarne, wściekłe chmury tworzą przerażający, wirujący wir, który napiera na maleńkich, bezbronnych żołnierzy. W oddali słońce jest jarzącą się kulą hipnotyzującego światła, promykiem nadziei pośród tragedii wojny. Ale poza narracyjnymi odniesieniami, ten wzniosły krajobraz Turnera jest ostatecznie refleksją nad czystą, niszczycielską brutalnością natury, która grozi bezdusznym pochłonięciem ludzi poniżej.
4. Caspar David Friedrich, Wanderer Above Sea Fog, 1817
Jeden z najbardziej ikonicznych i wzniosłych obrazów pejzażowych wszechczasów, niemieckiego malarza Caspara Davida Friedricha, Wędrowiec nad morską mgłą, 1817, uosabia marzycielskiego, idealistycznego ducha europejskiego romantyzmu. Stojąca samotnie na wysokiej, ciemnej skale postać kontempluje swoje miejsce we wszechświecie, podczas gdy mgła kłębi się nad odległymi dolinami i górami. Friedrich ukazuje tu wzniosły pejzaż jako teren niegościnny i niepoznawalny, co odzwierciedla dziewiętnastowieczną fascynację dziką, nieokiełznaną naturą. W przeciwieństwie do innych artystów tej epoki, którzy tworzyli małe postacie dla podkreślenia wielkości pejzażu, Friedrich nadaje swojej postaci centralną rolę, ale widziana od tyłu zachowuje anonimowość abstrakcyjnego „wędrowca”, będącego symbolem wszystkich marzycieli XIX wieku i później. Scena jest wyimaginowanym ujęciem niemieckich górskich krajobrazów; aby stworzyć takie mistyczne miejsca Friedrich szukał wewnątrz, pisząc: „Zamknij oko fizyczne, abyś mógł zobaczyć swój obraz najpierw okiem duchowym. Następnie przynieś to, co widziałeś w ciemności, do światła, aby mogło to oddziaływać na innych, świecąc do wewnątrz z zewnątrz.”
5. Karl Eduard Biermann, The Wetterhorn, 1830
Malarstwo Wetterhorn Karla Eduarda Biermanna z 1830 r. jest przykładem wysublimowanego stylu malarstwa pejzażowego niemieckiego artysty. Skalisty pierwszy plan jest starannie namalowany w bogatych ciemnych odcieniach zieleni i brązu, prowadząc nas w kierunku pasma drzew i skał, które znikają w czarnym cieniu. W tle epickie pasmo górskie oświetlone snopem słonecznego światła, podkreślającego jego mroźne, spiczaste iglice, jawi się jako miejsce mistyczne i nieosiągalne, a nad głowami kłębią się chmury, grożące rozpętaniem burzy. Podobnie jak wielu malarzy epoki romantyzmu, Biermann podkreśla respekt, zdumienie i przerażającą skalę tej sceny, umieszczając na pierwszym planie dwie maleńkie postaci, które pozwalają nam wyobrazić sobie siebie w samym jej środku. Próbują one wspinać się po nierównych skałach i bagnistej trawie, podczas gdy gniewny wodospad tryska obok nich i łapie światło jak smuga błyskawicy, rozdzielając ich niebezpieczną podróż na części.
6. Arnold Bocklin, The Island of the Dead, 1880
Jeden z najbardziej przejmująco wzniosłych obrazów pejzażowych, jakie kiedykolwiek powstały, Wyspa umarłych niemieckiego malarza Arnolda Bocklina, 1880, przedstawia wyimaginowaną wyspę wynurzającą się z morza na tle ciemnego, ponurego nieba. Obraz został zamówiony przez niedawno owdowiałą Marie Berna, która prosiła jedynie o „obraz, nad którym mogłaby się rozmarzyć”. Odpowiadając na jej prośbę, Bocklin wyposażył swój obraz w aluzje do śmierci i żałoby. Na pierwszym planie widmowa, biała postać jest prowadzona w kierunku wyspy na małej łodzi wiosłowej, obok przedmiotu przypominającego trumnę. Wioślarz porównywany jest do starogreckiej postaci Charona, łódkarza, który przewoził dusze zmarłych przez rzekę Styks do Hadesu. Wzdłuż wyspy rosną rzędy groźnie ciemnych cyprysów, które tradycyjnie kojarzone są z cmentarzami, a w poszarpanych, jarzących się skałach poza wyspą znajdują się grobowe drzwi i okna. W przeciwieństwie do wielu wzniosłych pejzaży, upiorny spokój przenika tę scenę, nadając jej niesamowitą ciszę; sam Bocklin opisał nawet dzieło jako „tak ciche, że przestraszyłbyś się, gdyby rozległo się pukanie do drzwi.”
7. Edvard Munch, White Night, 1901
Edvard Munch stworzył Białą Noc, 1901 w swojej późniejszej karierze, w czasie, gdy porzucił figurację na rzecz nastrojowych pejzaży, ale ten sam wszechobecny niepokój jego wcześniejszej sztuki pozostał. Ten wysublimowany pejzaż przedstawia rodzinną Norwegię w głębi zimy, spoglądającą zza groźnie ciemnych drzew na zamarznięty fiord. Las świerków tworzy ostrą jak piła krawędź, ostrzeżenie przed niebezpiecznym lodem, który znajduje się za nim. Czarne drzewa na pierwszym planie sugerują twarze lub widmowe stworzenia, ale są one ledwo rozpoznawalne pod płaszczem nocy. Łącząc lśniące światło księżyca z tymi cechami niebezpieczeństwa i zagrożenia, nocna scena zimowa Muncha oddaje wysublimowane piękno norweskiej zimy. Zastanawiając się nad sposobami, w jakie jego sceny krajobrazowe mogą łączyć obserwacje z wewnętrznym umysłem, Munch napisał: „Natura to nie tylko wszystko, co widoczne dla oka… to także wewnętrzne obrazy duszy.”
8. Akseli Gallen-Kallela, Lake Keitele, 1904
Askeli Gallen-Kallela’s Lake Keitele, 1904, przekazuje słynne fińskie jezioro jako hipnotyzujące lustro światła rozdarte zygzakowatymi prądami wiatru. Obraz powstał w czasie, gdy w całej Finlandii odczuwano rosnące pragnienie niepodległości. Sławiąc wspaniałą, dziewiczą dziką przyrodę tego kraju, ten wysublimowany obraz krajobrazowy stał się silnym symbolem fińskiego nacjonalizmu i dumy. Chociaż nie ma tu śladów ludzkiego życia, naturalne prądy ruchowe biegnące przez wodę były dobrze znaną cechą jeziora. Te smugi ruchu były tak historycznie znane, że w starożytnej kulturze fińskiej były one związane z mitologiczną postacią Väinämöinena, o którym mówiono, że podróżując po jeziorze pozostawiał po sobie fale. Te subtelne przedstawienia ruchu miały dla Gallena-Kalleli wielką symbolikę nacjonalistyczną, celebrując tajemnicze i enigmatyczne piękno starożytnej kultury fińskiej i jej bliskie związki z ziemią. Opisał je jako „srebrzyste paski na powierzchni spokojnej wody są falami zapowiadającymi pasję, która ma nadejść.”
9. Thomas Moran, The Grand Canyon of the Colorado, 1904
W The Grand Canyon of the Colorado Thomasa Morana, 1904, ogromna rozległość tego słynnego parku narodowego została oddana w ogromnej, panoramicznej skali siedem na dziesięć stóp. Amerykański malarz Moran, lider zarówno Szkoły Rzeki Hudson, jak i Szkoły Gór Skalistych, był tak oczarowany niebezpiecznie pięknym, dziewiczym terenem Kolorado, że zanurzył się głęboko w krajobraz, w którym niewielu się przed nim odważyło, malując ponad trzydzieści scen uwieczniających ten wyjątkowy, wysublimowany krajobraz. Obserwując z fascynacją wielką otwartą przestrzeń poza nim, napisał: „jego ogromna architektura napełnia człowieka zdumieniem i podziwem, a jego kolor, formy i atmosfera są tak porywająco piękne, że jakkolwiek dobrze podróżujący człowiek może być, nowy świat jest dla niego otwarty, gdy patrzy w Wielki Kanion.”
Ta scena przekazuje wyidealizowaną i romantyczną wizję Wielkiego Kanionu, gdy ostre skały wpadają i wypadają ze światła, zanim znikną w odległym horyzoncie, podczas gdy nadciągająca burza nabiera tempa nad głową. Widzowie byli tak oszołomieni portretami Morana wielkich amerykańskich pustkowi, że dziś przypisuje mu się wpływ na utworzenie systemu parków narodowych, który zachował integralność wzniosłego krajobrazu Ameryki.
10. Peter Doig, Ski Jacket, 1994
Kurtka narciarska szkockiego malarza Petera Doiga, 1994, to wybuch śnieżnej energii i ruchu. Bazując na fotografii przedstawiającej narciarzy-narciarzy rozrzuconych po japońskiej górze, Doig celowo zniekształca i zakłóca oryginalny obraz, dzieląc go na dwie części przez środek i składając z powrotem, aby stworzyć niesamowicie lustrzany efekt Rorschacha. Doig jest dobrze znany z łączenia materiału fotograficznego z malarskimi znakami, pozwalając tym dwóm sprzecznym stylom grać ze sobą, co widać na tym obrazie, gdzie starannie namalowane drzewa otoczone są luźno nałożonymi warstwami różu, bieli i zieleni. Te wodne fragmenty farby sugerują zimne, śliskie właściwości lodu i śniegu, które przenikają obraz i nadają mu niebezpieczną niepewność, wzmacniając strach małych narciarzy walczących ze zdradziecko stromym terenem wokół nich.
Legacy Of Sublime Landscape Painting
Podniosłość została uznana za „nieaktualną” w XIX wieku, zanikając na rzecz francuskiego impresjonizmu. Jednak wzniosłe malarstwo pejzażowe powróciło w XX wieku, kiedy to ekspresjoniści abstrakcyjni eksplorowali te same egzystencjalistyczne, transcendentne tematy w swoim malarstwie. Artyści tacy jak Mark Rothko, Clyfford Still i Robert Smithson wykorzystali elementy wzniosłości w swoich pracach.