I dipinti di paesaggi sublimi sono uno dei soggetti più teatrali ed emotivi della storia dell’arte, combinando bellezza, dramma e devastazione in egual misura. Il termine ‘sublime’ è stato definito dal filosofo Edmund Burke in A Philosophical Enquiry into the Origin of Our Ideas of the Sublime and Beautiful nel 1757 come la bellezza legata a qualcosa in più, un certo pericolo, paura o orrore, o quello che ha chiamato: “qualsiasi cosa che sia in qualche modo terribile o che sia conversante con oggetti terribili o che operi in modo analogo al terrore”. Burke ha anche definito il sublime nientemeno che l’emozione più potente che la mente possa provare – non c’è da stupirsi che gli artisti fossero ansiosi di adottare questo stile!
Pittura di paesaggio sublime nella storia
Anche se il termine sublime potrebbe descrivere vari soggetti, i dipinti di paesaggio sublime sono stati alcuni dei più duraturi e affascinanti di tutti. Anche prima del famoso testo di Burke, i pittori fin dai tempi del Medioevo hanno fatto crescere vorticose nuvole temporalesche, affilate pareti di roccia e montagne frastagliate e innevate per trasmettere al pubblico affascinato una meraviglia e un terrore travolgenti. Perdiamoci in alcuni dei più impressionanti e sublimi dipinti di paesaggio di tutti i tempi, dall’epoca rinascimentale a quella moderna e contemporanea.
1. Pieter Brueghel il Vecchio, Paesaggio con la fuga in Egitto, 1563
Pieter Brueghel il Vecchio, Paesaggio con la fuga in Egitto, 1563 è un tipico esempio di sublime pittura di paesaggio del Rinascimento settentrionale, che combina paesaggi mozzafiato con la narrazione religiosa. Le piccole figure di Maria e Giuseppe traballano lungo una pericolosa parete rocciosa in primo piano, in fuga dalla persecuzione a Betlemme. Il paesaggio è strettamente legato alla loro storia, poiché un paesaggio pallido e distante rappresenta la terra familiare che si stanno lasciando alle spalle, mentre il primo piano scuro e cupo verso cui si dirigono è avvolto dall’oscurità e dal pericolo dell’ignoto. Breughel ha cercato di contrapporre aree di immobilità e movimento all’interno di questa singola immagine, dipingendo le rocce e le montagne come una costante ferma e immobile, in confronto al movimento costantemente fluente dell’acqua, delle persone e degli uccelli. Questo equilibrio di opposti tra buio/luce, fragilità/permanenza, e quiete/movimento è il motivo per cui questo sublime dipinto di paesaggio è diventato una delle immagini più durature di tutti i tempi.
2. Philip James De Loutherbourg, Una valanga nelle Alpi, 1803
Il britannico Philip James De Loutherbourg, nato in Francia, dipinse Una valanga sulle Alpi nel 1803, in un periodo in cui le pittoresche ma pericolose Alpi francesi erano un’incarnazione sempre più popolare del paesaggio sublime. Oltre che pittore, De Loutherbourg faceva anche lo scenografo teatrale, un ruolo che gli permetteva di investire una drammaticità travolgente nelle sue tele attraverso l’illuminazione, la profondità e il movimento. Qui le lontane montagne francesi cominciano a sgretolarsi in una valanga, gettando sulla scena nuvole terribilmente enormi di polvere e fumo e oscurando il cielo. Un lampo di luce bianca al centro attira il nostro sguardo sui piccoli spettatori terrorizzati che sono minuscoli di fronte alle rocce che cadono intorno a loro, presto distrutti dalle forze elementari della natura.
3. Joseph Mallord William Turner, Snow Storm: Hannibal and his Army Crossing the Alps, 1812
Tempesta di neve di J.M.W. Turner: Hannibal and his Army Crossing the Alps (Annibale e il suo esercito che attraversa le Alpi), 1812, è il tipico esempio della bellezza straziante dell’epoca del Romanticismo, con mostruose nuvole temporalesche arcuate che si librano sulla piccola gente sottostante. Dedicato ad Annibale Barca, comandante dell’esercito cartaginese nel 200-100 a.C., il dipinto mostra i soldati di Annibale che tentano di attraversare le Alpi nel 218 a.C., con le tribù salassiane che combattono la retroguardia di Annibale. Qui la tempesta diventa una potente metafora della lotta che mette in pericolo la vita, mentre le nuvole nere e arrabbiate formano un vortice terrificante e vorticoso che spinge indietro contro i piccoli soldati indifesi. In lontananza, il sole è un globo incandescente di luce ipnotizzante, un barlume di speranza in mezzo alla tragedia della guerra. Ma al di là dei riferimenti narrativi, questo sublime paesaggio di Turner è in definitiva una riflessione sulla brutalità pura e distruttiva della natura, che minaccia di inghiottire insensibilmente la gente sottostante. Caspar David Friedrich, Wanderer Above Sea Fog, 1817
Uno dei più iconici e sublimi dipinti di paesaggio di tutti i tempi, Wanderer Above Sea Fog del pittore tedesco Caspar David Friedrich, 1817, racchiude lo spirito idealista e sognante del Romanticismo europeo. In piedi da solo su un’alta roccia scura, una figura solitaria contempla il suo posto nell’universo, mentre la nebbia brulica sulle valli e le montagne lontane. Friedrich trasmette il paesaggio sublime come un terreno inospitale e inconoscibile, riflettendo il fascino ottocentesco della natura selvaggia e sfrenata.
In contrasto con altri artisti dell’epoca che tendevano a creare piccole figure per enfatizzare la grandezza del paesaggio, Friedrich dà alla sua figura un ruolo centrale ma, vista da dietro, mantiene il suo anonimato di “vagabondo” astratto, agendo come un simbolo per tutti i sognatori malinconici del diciannovesimo secolo e oltre. La scena è una ripresa immaginaria della campagna montuosa della Germania; per creare questi luoghi mistici Friedrich ha cercato dentro di sé, scrivendo: “Chiudi il tuo occhio fisico, in modo che tu possa vedere la tua immagine prima con l’occhio spirituale. Poi porta alla luce ciò che hai visto nell’oscurità, in modo che possa avere un effetto sugli altri, risplendendo dall’esterno verso l’interno”. Karl Eduard Biermann, Il Wetterhorn, 1830
Il Wetterhorn di Karl Eduard Biermann, 1830, racchiude il sublime stile di pittura paesaggistica del pittore tedesco, con un vasto e aspro terreno ambientato in una drammatica illuminazione teatrale. Il primo piano scosceso è dipinto con cura in ricchi toni scuri di verde e marrone, che ci conduce verso una fascia di alberi e rocce che scompaiono nell’ombra nera. Sullo sfondo un’epica catena montuosa è illuminata da un raggio di sole, enfatizzando le sue guglie gelide e appuntite come un luogo mistico e irraggiungibile, mentre le nuvole sciamano sopra la testa come se minacciassero di scatenare una tempesta. Come molti pittori romantici, Biermann enfatizza lo stupore, la meraviglia e la scala terrificante della scena mettendo in primo piano due piccole figure che ci permettono di immaginarci in mezzo alla scena. Tentano di arrampicarsi su rocce irregolari e sull’erba paludosa, mentre una cascata furiosa sgorga davanti a loro e cattura la luce come una striscia di luce, dividendo il loro pericoloso viaggio. Arnold Bocklin, L’isola dei morti, 1880
Uno dei più ossessionanti e sublimi dipinti di paesaggio mai realizzati, L’isola dei morti del pittore tedesco Arnold Bocklin, 1880, trasmette un’isola immaginaria che sorge dal mare contro un cielo scuro e cupo. Il dipinto fu commissionato da Marie Berna, vedova da poco, che chiese solo “un quadro su cui sognare”. Rispondendo alla sua richiesta, Bocklin investì la sua immagine con allusioni alla morte e al lutto. In primo piano, una figura bianca e spettrale si dirige verso l’isola su una piccola barca a remi accanto a un oggetto che assomiglia a una bara. Il rematore è stato paragonato all’antico personaggio greco di Caronte il barcaiolo, che traghettava le anime dei morti attraverso il fiume Stige verso l’Ade. Lungo l’isola ci sono file di cipressi minacciosamente scuri, tradizionalmente associati ai cimiteri, mentre le rocce frastagliate e incandescenti sono tagliate con porte e finestre sepolcrali. In contrasto con molti paesaggi sublimi, l’immobilità spettrale pervade la scena, conferendole un silenzio inquietante; lo stesso Bocklin ha persino descritto l’opera come “così silenziosa che ci si spaventerebbe quando si bussasse alla porta”. Edvard Munch, Notte Bianca, 1901
Edvard Munch realizzò Notte bianca, 1901 nella sua carriera più tarda, in un momento in cui aveva abbandonato la figurazione in favore di paesaggi atmosferici, ma la stessa ansia pervasiva della sua arte precedente è rimasta. Questo sublime dipinto di paesaggio ritrae la sua nativa Norvegia nelle profondità dell’inverno, guardando giù attraverso gli alberi minacciosamente scuri a un fiordo ghiacciato. Una foresta di abeti rossi forma un bordo frastagliato e tagliente come una sega, un avvertimento del pericoloso ghiaccio al di là. Gli alberi neri in primo piano suggeriscono volti o creature fantasma, ma sono a malapena riconoscibili sotto il mantello della notte. Combinando la scintillante luce della luna con queste qualità di pericolo e minaccia, la scena invernale notturna di Munch cattura la sublime bellezza dell’inverno norvegese. Riflettendo sui modi in cui le sue scene di paesaggio potevano fondere le osservazioni con la mente interiore, Munch scrisse: “La natura non è solo tutto ciò che è visibile all’occhio… include anche le immagini interiori dell’anima.”
8. Akseli Gallen-Kallela, Lake Keitele, 1904
Il Lago Keitele di Askeli Gallen-Kallela, 1904, rappresenta il famoso lago finlandese come un ipnotizzante specchio di luce attraversato da correnti di vento zigzaganti. Il dipinto fu realizzato in un momento in cui un crescente desiderio di indipendenza si faceva sentire in tutta la Finlandia. Celebrando la grande natura incontaminata del paese, questo sublime dipinto paesaggistico divenne un potente simbolo del nazionalismo e dell’orgoglio finlandese. Anche se non c’è alcun segno di vita umana, le correnti naturali di movimento viste scorrere attraverso l’acqua erano una caratteristica ben nota del lago. Queste strisce di movimento erano così storicamente note che nell’antica cultura finlandese erano collegate al personaggio mitologico di Väinämöinen, che si diceva lasciasse increspature mentre attraversava il lago. Queste sottili rappresentazioni del movimento avevano un grande simbolismo nazionalista per Gallen-Kallela, celebrando la misteriosa ed enigmatica bellezza dell’antica cultura finlandese e i suoi stretti legami con la terra. Egli le descrisse come “strisce argentate sulla superficie dell’acqua serena sono le onde che annunciano la passione che verrà”. Thomas Moran, The Grand Canyon of the Colorado, 1904
Nel The Grand Canyon of the Colorado di Thomas Moran, 1904, la vasta distesa di questo famoso parco nazionale è trasmessa in un’enorme scala panoramica di sette metri per dieci. Un leader in entrambe le scuole del fiume Hudson e delle Montagne Rocciose, il pittore americano Moran era così affascinato dal terreno incontaminato pericolosamente bello del Colorado che si immerse profondamente in un paesaggio dove pochi si erano avventurati prima di lui, dipingendo più di trenta scene che catturano questo paesaggio unico e sublime. Osservando con fascino il grande spazio aperto al di là di lui, scrisse, “la sua tremenda architettura riempie di meraviglia e ammirazione, e il suo colore, le forme e l’atmosfera sono così incredibilmente belli che, per quanto uno possa essere ben viaggiato, un nuovo mondo si apre a lui quando guarda nel Grand Canyon.”
Questa scena trasmette una visione idealizzata e romantica del Grand Canyon mentre le rocce appuntite cadono dentro e fuori la luce prima di svanire nell’orizzonte lontano, mentre una tempesta in avvicinamento prende ritmo sopra la testa. Il pubblico rimase così abbagliato dai ritratti di Moran della grande natura selvaggia americana che oggi gli si attribuisce il merito di aver influenzato la creazione del sistema dei parchi nazionali che ha preservato l’integrità del sublime paesaggio americano.
10. Peter Doig, Ski Jacket, 1994
La Ski Jacket del pittore scozzese Peter Doig, 1994, è un turbinio di energia e movimento innevato. Basato su un’immagine fotografica con sciatori principianti sparsi su una montagna giapponese, Doig distorce deliberatamente e disturba l’immagine originale, tagliandola in due parti al centro e rimettendola insieme per creare un effetto Rorschach inquietantemente speculare. Doig è ben noto per la fusione di materiale fotografico con segni pittorici, permettendo ai due stili contrastanti di giocare l’uno contro l’altro, come si vede in questa immagine, dove gli alberi accuratamente dipinti sono circondati da lavaggi vagamente stratificati di rosa, bianco e verde. Questi passaggi acquosi di pittura suggeriscono le qualità fredde e scivolose del ghiaccio e della neve che permeano l’immagine e le conferiscono una pericolosa incertezza, rafforzando la paura dei piccoli sciatori che lottano contro il terreno pericolosamente ripido che li circonda.
Legacy Of Sublime Landscape Painting
Il sublime fu dichiarato ‘fuori moda’ nel XIX secolo, svanendo in favore dell’impressionismo francese. Tuttavia, la pittura di paesaggio sublime ha fatto un ritorno nel 20° secolo quando gli espressionisti astratti hanno esplorato gli stessi temi esistenzialisti e trascendenti nella loro pittura. Artisti come Mark Rothko, Clyfford Still e Robert Smithson hanno tutti usato elementi del sublime nel loro lavoro.