I primi teatri di New YorkModifica
New York non ebbe una presenza teatrale significativa fino al 1750 circa, quando gli attori-manager Walter Murray e Thomas Kean fondarono una compagnia teatrale residente al Theatre di Nassau Street, che conteneva circa 280 persone. Presentarono opere di Shakespeare e ballate come The Beggar’s Opera. Nel 1752, William Hallam inviò una compagnia di dodici attori dalla Gran Bretagna alle colonie con suo fratello Lewis come manager. Fondarono un teatro a Williamsburg, in Virginia, e aprirono con The Merchant of Venice e The Anatomist. La compagnia si trasferì a New York nel 1753, eseguendo opere e ballate-farse come Damon e Phillida. La guerra rivoluzionaria sospese il teatro a New York, ma in seguito il teatro riprese nel 1798, anno in cui fu costruito il Park Theatre da 2.000 posti su Chatham Street (ora chiamato Park Row). Il Bowery Theatre aprì nel 1826, seguito da altri.
Negli anni 1840, P.T. Barnum gestiva un complesso di intrattenimento a Lower Manhattan. Nel 1829, a Broadway e Prince Street, aprì il Niblo’s Garden che divenne presto uno dei principali locali notturni di New York. Il teatro da 3.000 posti presentava tutti i tipi di intrattenimenti musicali e non. Nel 1844, il Palmo’s Opera House aprì e presentò l’opera solo per quattro stagioni prima che la bancarotta lo portasse a ridiventare un luogo per spettacoli teatrali con il nome di Burton’s Theatre. L’Astor Opera House aprì nel 1847. Una rivolta scoppiò nel 1849 quando gli avventori della classe inferiore di Bowery si opposero a ciò che percepivano come snobismo da parte del pubblico dell’alta classe di Astor Place: “Dopo l’Astor Place Riot del 1849, l’intrattenimento a New York City fu diviso lungo linee di classe: l’opera era principalmente per le classi medio-alte e superiori, i minstrel shows e i melodrammi per la classe media, gli spettacoli di varietà nei saloni da concerto per gli uomini della classe operaia e la classe media dei bassifondi.”
Le opere di William Shakespeare furono spesso rappresentate sul palco di Broadway durante il periodo, in particolare dall’attore americano Edwin Booth che era internazionalmente noto per la sua interpretazione di Amleto. Booth interpretò il ruolo per un famoso centinaio di spettacoli consecutivi al Winter Garden Theatre nel 1865 (con la corsa che terminò pochi mesi prima che il fratello di Booth, John Wilkes Booth, assassinasse Abraham Lincoln), e in seguito avrebbe fatto rivivere il ruolo al suo Booth’s Theatre (che fu gestito per un certo periodo da suo fratello Junius Brutus Booth, Jr.) Altri rinomati shakespeariani che apparvero a New York in quest’epoca furono Henry Irving, Tommaso Salvini, Fanny Davenport e Charles Fechter.
Nascita del musical e dopo la guerra civile
Il teatro a New York si spostò gradualmente dal centro a midtown Manhattan a partire dal 1850 circa, alla ricerca di immobili meno costosi. All’inizio del XIX secolo, l’area che oggi comprende il Theater District era di proprietà di una manciata di famiglie e comprendeva alcune fattorie. Nel 1836, il sindaco Cornelius Lawrence inaugurò la 42esima strada e invitò gli abitanti di Manhattan a “godere dell’aria pura e pulita”. Quasi 60 anni dopo, l’imprenditore teatrale Oscar Hammerstein I costruì l’iconico Victoria Theater sulla 42esima Strada Ovest.
Il primo musical “di lunga durata” di Broadway fu un successo di 50 spettacoli chiamato The Elves nel 1857. Nel 1870, il cuore di Broadway era in Union Square, e alla fine del secolo, molti teatri erano vicini a Madison Square. I teatri non arrivarono nella zona di Times Square fino all’inizio del 1900, e i teatri di Broadway non si consolidarono lì fino a quando un gran numero di teatri furono costruiti intorno alla piazza negli anni ’20 e ’30. Le rappresentazioni di New York continuarono a rimanere molto indietro rispetto a quelle di Londra, ma il “musical burletta” The Seven Sisters (1860) di Laura Keene infranse i precedenti record di New York con una rappresentazione di 253 spettacoli. Fu durante una rappresentazione della troupe di Keene di Our American Cousin a Washington D.C. che Abraham Lincoln fu ucciso.
La prima opera teatrale conforme alla moderna concezione di musical, con l’aggiunta di danza e musica originale che aiutava a raccontare la storia, è considerata The Black Crook, che debuttò a New York il 12 settembre 1866. La produzione era lunga cinque ore e mezza, ma nonostante la sua lunghezza, andò in scena per un record di 474 spettacoli. Lo stesso anno, The Black Domino/Between You, Me and the Post fu il primo spettacolo a definirsi una “commedia musicale”.
Tony Pastor aprì il primo teatro di vaudeville un isolato a est di Union Square nel 1881, dove si esibì Lillian Russell. I comici Edward Harrigan e Tony Hart produssero e interpretarono dei musical a Broadway tra il 1878 (The Mulligan Guard Picnic) e il 1890, con libro e testi di Harrigan e musica di suo suocero David Braham. Queste commedie musicali presentavano personaggi e situazioni tratte dalla vita quotidiana delle classi inferiori di New York e rappresentavano un significativo passo avanti dal vaudeville e dal burlesque, verso una forma più letteraria. Avevano come protagoniste cantanti di alta qualità (Lillian Russell, Vivienne Segal e Fay Templeton), invece delle donne di dubbia reputazione che avevano recitato nelle forme musicali precedenti.
Con il miglioramento dei trasporti, la diminuzione della povertà a New York e l’illuminazione stradale che rendeva più sicuri gli spostamenti notturni, il numero di potenziali clienti per il crescente numero di teatri aumentava enormemente. Gli spettacoli potevano andare in scena più a lungo e continuare ad attirare il pubblico, portando a migliori profitti e migliorando i valori di produzione. Come in Inghilterra, durante la seconda metà del secolo, il teatro cominciò ad essere pulito, con meno prostituzione che ostacolava la frequentazione del teatro da parte delle donne. I successi dell’opera comica per famiglie di Gilbert e Sullivan, a partire da H.M.S. Pinafore nel 1878, furono importati a New York (dagli autori e anche in numerose produzioni senza licenza). Furono imitati a New York da produzioni americane come Robin Hood di Reginald Dekoven (1891) e El Capitan di John Philip Sousa (1896), insieme a opere, balletti e altri successi inglesi ed europei.
Anni 1890 e inizio 1900Modifica
Charles H. A Trip to Chinatown (1891) di Hoyt divenne il campione di Broadway di lunga durata, tenendo il palco per 657 rappresentazioni. Questo non sarebbe stato superato fino a Irene nel 1919. Nel 1896, i proprietari dei teatri Marc Klaw e A. L. Erlanger formarono il Theatrical Syndicate, che controllò quasi tutti i teatri legali degli Stati Uniti per i successivi sedici anni. Tuttavia, proliferarono vaudeville più piccoli e case di varietà, e Off-Broadway era ben consolidata alla fine del XIX secolo.
A Trip to Coontown (1898) fu la prima commedia musicale interamente prodotta e interpretata da afroamericani in un teatro di Broadway (largamente ispirata dalle routine dei minstrel shows), seguita dal ragtime-tinged Clorindy: The Origin of the Cakewalk (1898), e dal grande successo In Dahomey (1902). Centinaia di commedie musicali furono messe in scena a Broadway negli anni 1890 e all’inizio del 1900, composte da canzoni scritte nella Tin Pan Alley di New York con compositori come Gus Edwards, John Walter Bratton e George M. Cohan (Little Johnny Jones (1904), 45 Minutes From Broadway (1906) e George Washington Jr. (1906)). Tuttavia, le rappresentazioni newyorkesi continuarono ad essere relativamente brevi, con poche eccezioni, rispetto a quelle londinesi, fino alla prima guerra mondiale. Alcuni musical britannici di grande successo continuarono ad ottenere un grande successo a New York, tra cui Florodora nel 1900-01.
1900-1925Modifica
Nei primi anni del XX secolo, le traduzioni di popolari operette continentali di fine Ottocento furono affiancate dagli spettacoli del “Princess Theatre” del 1910 di scrittori come P. G. Wodehouse, Guy Bolton e Harry B. Smith. Victor Herbert, il cui lavoro includeva alcune commedie musicali intime con ambientazioni moderne e la sua serie di famose operette (The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Madame Modiste (1905), The Red Mill (1906) e Naughty Marietta (1910)).
A partire da The Red Mill, gli spettacoli di Broadway installarono insegne elettriche fuori dai teatri. Dato che le lampadine colorate si bruciavano troppo velocemente, furono usate luci bianche, e Broadway fu soprannominata “The Great White Way”. Nell’agosto 1919, la Actors’ Equity Association richiese un contratto standard per tutte le produzioni professionali. Dopo che uno sciopero fece chiudere tutti i teatri, i produttori furono costretti ad accettare. Negli anni ’20, i fratelli Shubert erano saliti a prendere la maggioranza dei teatri dal sindacato Erlanger.
Durante questo periodo, lo spettacolo Lightnin’ di Winchell Smith e Frank Bacon divenne il primo spettacolo di Broadway a raggiungere 700 rappresentazioni. Da allora, sarebbe diventato il primo spettacolo a raggiungere 1.000 rappresentazioni. Lightnin’ fu lo spettacolo di Broadway più longevo fino a quando non fu superato, per numero di rappresentazioni, da Abie’s Irish Rose nel 1925.
In competizione con il cinemaModifica
Il cinema lanciò una sfida al palcoscenico. All’inizio, i film erano muti e presentavano solo una concorrenza limitata. Alla fine degli anni ’20, film come The Jazz Singer furono presentati con il suono sincronizzato, e i critici si chiesero se il cinema avrebbe sostituito del tutto il teatro dal vivo. Mentre il vaudeville dal vivo non poteva competere con questi film poco costosi che presentavano le star del vaudeville e i maggiori comici dell’epoca, altri teatri sopravvissero. I musical dei ruggenti anni Venti, prendendo in prestito dal vaudeville, dal music-hall e da altri spettacoli leggeri, tendevano a ignorare la trama in favore dell’enfatizzazione di attori e attrici star, grandi routine di danza e canzoni popolari. Florenz Ziegfeld produceva annualmente spettacolari riviste di canzoni e balli a Broadway con scenografie stravaganti e costumi elaborati, ma c’era poco da legare insieme i vari numeri. Tipiche degli anni ’20 erano produzioni spensierate come Sally; Lady Be Good; Sunny; No, No, Nanette; Harlem; Oh, Kay; e Funny Face. I loro libri possono essere stati dimenticabili, ma hanno prodotto standard duraturi da George Gershwin, Cole Porter, Jerome Kern, Vincent Youmans e Rodgers and Hart, tra gli altri, e Noël Coward, Sigmund Romberg e Rudolf Friml hanno continuato nella vena di Victor Herbert. Il teatro dal vivo è sopravvissuto all’invenzione del cinema.
Tra le due guerreModifica
Lasciandosi alle spalle questi intrattenimenti relativamente frivoli e facendo un passo avanti nel dramma, Show Boat debuttò il 27 dicembre 1927, allo Ziegfeld Theatre. Rappresentava una completa integrazione tra libro e colonna sonora, con temi drammatici, raccontati attraverso la musica, il dialogo, l’ambientazione e il movimento, intessuti insieme in modo più fluido che nei precedenti musical. Andò in scena per 572 spettacoli.
Gli anni ’20 hanno anche generato una nuova era di drammaturghi americani con l’emergere di Eugene O’Neill, le cui opere Oltre l’orizzonte, Anna Christie, La scimmia pelosa, Strano interludio, e Mourning Becomes Electra dimostrarono che c’era un pubblico per il dramma serio a Broadway, e il successo di O’Neill aprì la strada a importanti drammaturghi come Elmer Rice, Maxwell Anderson, Robert E. Sherwood, Clifford Odets, Tennessee Williams e Arthur Miller, così come scrittori di commedie come George S. Kaufman e Moss Hart. Anche i revival classici si dimostrarono popolari tra gli spettatori di Broadway, in particolare John Barrymore in Amleto e Riccardo III, John Gielgud in Amleto, L’importanza di essere Ernesto e Molto rumore per nulla, Walter Hampden e José Ferrer in Cyrano de Bergerac, Paul Robeson e Ferrer in Otello, Maurice Evans in Riccardo II e nelle opere di George Bernard Shaw e Katharine Cornell in opere come Romeo e Giulietta, Antonio e Cleopatra e Candida.
Con l’avvicinarsi della seconda guerra mondiale, una dozzina di drammi di Broadway affrontarono l’ascesa del nazismo in Europa e la questione del non-intervento americano. Il maggior successo fu Watch on the Rhine di Lillian Hellman, che aprì nell’aprile 1941.
1943-1970Modifica
Dopo gli anni di magra della Grande Depressione, il teatro di Broadway era entrato in un periodo d’oro con il successo di Oklahoma!, nel 1943, che andò in scena per 2.212 spettacoli. Secondo gli scritti di John Kenrick sui musical di Broadway, “Ogni stagione vedeva nuovi musical di scena mandare le canzoni in cima alle classifiche. La domanda del pubblico, un’economia in pieno boom e un abbondante talento creativo mantenevano Broadway in fermento. Ancora oggi, gli spettacoli degli anni ’50 formano il nucleo del repertorio del teatro musicale”. Kenrick nota che “la fine degli anni ’60 segnò un periodo di sconvolgimento culturale. I cambiamenti si sarebbero rivelati dolorosi per molti, compresi quelli dietro le quinte, così come quelli nel pubblico”. Degli anni ’70, Kenrick scrive: “Proprio quando sembrava che i tradizionali book musical fossero tornati di moda, il decennio si è concluso con segnali contrastanti da parte della critica e del pubblico.”
Ken Bloom ha osservato che “Gli anni ’60 e ’70 hanno visto un peggioramento della zona e un calo del numero di spettacoli legittimi prodotti a Broadway”. A titolo di paragone, nella stagione 1950-1951 (da maggio a maggio) 94 produzioni aprirono a Broadway; nella stagione 1969-1970 (da giugno a maggio) ci furono 59 produzioni (quindici erano revival). Negli anni venti, c’erano 70-80 teatri, ma nel 1969, ne erano rimasti 36.
1980sEdit
All’inizio del 1982, Joe Papp, il produttore e regista teatrale che fondò il Public Theater, guidò la campagna “Save the Theatres”. Era un gruppo senza scopo di lucro sostenuto dal sindacato Actors Equity per salvare gli edifici teatrali del quartiere dalla demolizione da parte di interessi di sviluppo di Manhattan. Papp fornì risorse, reclutò un pubblicista e attori famosi, e fornì audio, luci e squadre tecniche per lo sforzo.
Per volere di Papp, nel luglio 1982, fu introdotto un disegno di legge nel 97° Congresso, intitolato “H.R.6885, un disegno di legge per designare il distretto teatrale di Broadway/Times Square nella città di New York come un sito storico nazionale”. La legislazione avrebbe fornito alcune risorse e assistenza del governo degli Stati Uniti per aiutare la città a preservare il distretto. Di fronte alla forte opposizione e al lobbismo dell’amministrazione del sindaco Ed Koch e degli interessi di sviluppo di Manhattan, la legge non fu approvata. La campagna Save the Theatres rivolse allora i suoi sforzi a sostenere l’istituzione del Theater District come un distretto storico registrato. Nel dicembre 1983, Save the Theatres preparò “The Broadway Theater District, a Preservation Development and Management Plan”, e chiese che ogni teatro del distretto ricevesse la designazione di landmark. Il sindaco Ed Koch alla fine reagì creando un Consiglio Consultivo dei Teatri, che includeva Papp.
pandemia di COVID-19Modifica
Come risultato della pandemia di COVID-19, i teatri di Broadway chiusero il 12 marzo 2020, facendo chiudere 16 spettacoli che stavano suonando o erano in procinto di aprire. La chiusura fu estesa prima ad aprile, poi a maggio, poi a giugno, poi a settembre 2020 e a gennaio 2021, e poi al 1º giugno 2021. Anche i 74° Tony Awards sono stati posticipati e si sarebbero dovuti tenere praticamente più tardi nel 2020, ma non è stato annunciato nulla di nuovo dopo che le nomination dei Tony sono state annunciate il 15 ottobre 2020 da James Monroe Iglehart.