Il dadaismo fu un movimento artistico e culturale d’avanguardia stimolato dal clima sociale europeo dopo la prima guerra mondiale. Era un rifiuto del capitalismo moderno, della cultura borghese e della politica bellica che si allineava con altri gruppi radicali di estrema sinistra. Questo si esprimeva attraverso l’uso di materiali artistici non tradizionali, satira e contenuti nonsense. Anche il nome del movimento, ‘dada’, era inteso come una parola senza significato. Qui sotto ci sono 10 opere d’arte iconiche che caratterizzano questo movimento artistico del dopoguerra.
Marcel Duchamp, Fontana (1917)
Marcel Duchamp è stato uno degli artisti più prolifici del dadaismo, producendo numerosi dipinti, collage e sculture infami. È anche associato al cubismo, al futurismo e alla prima arte concettuale. Ha avuto un’influenza monumentale sull’arte modernista del XX secolo e in particolare sulla scultura. Il suo lavoro ha raggiunto la maturità dopo la prima guerra mondiale, quando ha iniziato a usare l’arte come strumento di protesta culturale.
Fountain è una delle opere d’arte più iconiche del XX secolo, rappresentando un grande cambiamento nella funzione dell’arte nella società. Mentre il pezzo originale del 1917 non sopravvive oggi, Tate ha creato una replica in terracotta nel 1964. È uno dei primi esempi di sculture “lowbrow” o “readymade”, che sono fatte con oggetti trovati. Duchamp presentò la scultura al Salon di Parigi, ma fu rifiutata perché non era considerata arte.
Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q. (1919)
L.H.O.O.Q. è un altro famoso esempio di scultura ‘readymade’ di Marcel Duchamp. È stata creata a partire da una cartolina economica della Monna Lisa di Leonardo da Vinci (1503-06) su cui Duchamp ha poi disegnato dei baffi e un pizzetto di cera. L’opera presenta elementi di satira, rifiutando l’estetica dell'”arte alta”. Anche il titolo dell’opera è satirico, in quanto L.H.O.O.Q. detto in francese suona come “Elle a chaud au cul”, che si traduce in “lei è calda nel culo” e connota una sessualità di fondo all’opera.
Kurt Schwitters, Construction For Noble Ladies (1919)
Kurt Schwitters è stato un artista tedesco che ha sperimentato diversi medium, tra cui pittura, scultura, graphic design, arte installativa e poesia. Il suo lavoro è stato associato al Surrealismo, al Cubismo e al Costruttivismo così come al Dadaismo. Era anche noto per aver applicato il termine Merz al suo lavoro, un termine da lui inventato che era sinonimo di Dada come forma di protesta culturale.
Construction for Noble Ladies è un esempio dell’uso di Schwitters dell’astrazione nel collage e nella scultura. Questo pezzo di assemblaggio esemplifica anche lo stile di scultura degli “oggetti trovati”, poiché è costruito con una varietà di materiali rotti e disarticolati: un imbuto, un trenino di metallo, ruote rotte e altri oggetti di scarto. Include anche un ritratto orizzontale di una nobildonna, da cui il pezzo prende il titolo. L’assemblaggio dell’opera è grezzo, e il dipinto ha una finitura ruvida, aggiungendo ulteriormente alla sua deviazione dalle precedenti aspettative artistiche. Tuttavia, l’intero pezzo ha un’elegante asimmetria, dimostrando che anche gli oggetti di scarto possono creare un capolavoro.
Raoul Hausmann, The Art Critic (1919-20)
Raoul Hausmann fu un importante artista austriaco e un leader del movimento Dada a Berlino. Hausmann era anche un artista espressionista. Dopo aver conosciuto il movimento dadaista, incontrò altri artisti come John Heartfield e George Grosz. Durante questo periodo, si concentrò soprattutto sulla poesia e sul collage fotografico, che avrebbe avuto un profondo effetto sull’avanguardia europea del dopoguerra. La sua poesia era nota per essere particolarmente provocatoria e le sue opere d’arte molto satiriche. Era anche un amante della collega dadaista Hannah Höch.
The Art Critic è l’ardente critica di Hausmann alla superficialità del mondo dell’arte. L’opera è un collage fotografico composto da una serie di fotografie di riviste e giornali e include alcuni elementi disegnati. L’opera è considerata ‘lowbrow’ in quanto utilizza materiali e iconografia visti nella cultura popolare. Connota il fatto che, proprio come la costruzione di un collage, i critici d’arte possiedono una conoscenza raffazzonata di fatti vacui e non capiscono veramente il significato dell’arte.
Hannah Höch, Cut with the Kitchen Knife Dada Through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch of Germany (1919-20)
Hannah Höch è stata un’artista tedesca e membro del movimento dadaista. È stata la pioniera della tecnica del fotomontaggio o collage fotografico utilizzando immagini dei media popolari. Era interessata al femminismo, al genere e all’androginia nell’arte, e specialmente alla dissoluzione della dicotomia “Nuova Donna”. Nel suo lavoro ha anche esplorato il clima politico durante la Repubblica di Weimar.
Cut with the Kitchen Knife rappresenta la giustapposizione tra il dadaismo e la cultura tradizionale dell’epoca. In una parte del collage di foto sono raggruppati i membri dei gruppi politici dominanti come il governo di Weimar e l’esercito. In netto contrasto, l’altro lato dell’opera presenta comunisti, artisti e altri radicali. Höch ha anche incluso una piccola mappa che mostra i paesi in Europa che hanno permesso alle donne di votare. L’opera dimostra la ribellione dei dadaisti e di altri gruppi radicali in un periodo di rigido conformismo politico e culturale.
Raoul Hausmann, La testa meccanica (1920)
La testa meccanica è il lavoro più famoso di Raoul Hausmann. È stata realizzata con un manichino da parrucchiere, un righello, un orologio da tasca, un portafoglio, pezzi di una macchina fotografica e altri oggetti trovati. Si pensa che l’opera sia un commento su come l’umanità interagisce con gli oggetti e il mondo circostante. Il volto è completamente privo di espressione, a differenza dei volti espressivi dei capolavori culturali europei. Invece, il suo carattere è spiegato dagli oggetti esterni attaccati ad esso. La scultura mette così in discussione tutte le precedenti rappresentazioni di intellettualismo e profondità, mostrando il soggetto solo in relazione al mondo superficiale e materiale che lo circonda.
Jean Arp, Shirt Front and Fork (1922)
Jean Arp, noto anche come Hans Arp, è stato un pittore, scultore e poeta franco-tedesco. Fu un membro fondatore del movimento dadaista. Dopo essersi trasferito a Zurigo, incontrò i colleghi artisti Hugo Ball e Sophie Taeuber, che sarebbe diventata la moglie di Arp. Il trio ha poi collaborato per creare un manifesto dadaista. Il lavoro di Arp era noto per l’esplorazione dell’inconscio, i suoi elementi di satira e l’astrazione delle forme organiche.
Shirt Front and Fork fa parte di una serie di sculture in rilievo in legno dipinto che Arp realizzò negli anni venti. L’opera ha un elemento grafico monocromo, con forme morbide e organiche e una composizione semplicistica. La forchetta sulla destra è facilmente identificabile, mentre la forma sulla sinistra rappresenta la parte anteriore di una camicia, ma assomiglia anche a un grande dente o a un volto umano. L’opera rappresenta il passaggio stilistico di Arp tra un periodo e l’altro; le forme astratte dei suoi primi lavori si scontrano con il suo successivo uso dell’associazione di oggetti per scavare nell’inconscio della mente.
Francis Picabia, Optophone I (1922)
Francis Picabia è stato un pittore e poeta francese associato all’impressionismo, al cubismo e al puntinismo e al dadaismo. Ha anche sperimentato l’editoria e il cinema, e la sua carriera di quasi 50 anni può essere caratterizzata da una serie eclettica di spostamenti stilistici e mediatici. Le sue opere più famose erano dipinti con blocchi di colore, forme geometriche e astrazioni, sebbene fosse anche noto per il collage di materiali non ortodossi.
Optophone I è un esempio delle opere “macchiniste” di Picabia, che si ispiravano alle attrezzature industriali dell’inizio del XX secolo e commentavano l’accelerazione della tecnologia dell’epoca. L’opera simula gli effetti di un optofono, un dispositivo che utilizza la sonorizzazione per scansionare testi e immagini per aiutare i ciechi a identificare le lettere su una pagina. Il centro del dipinto tiene una donna nuda seduta in stile classico come se fosse stata vista attraverso l’uso di un optofono. L’opera si interroga quindi su come l’umanità incontra e interpreta l’arte.
Man Ray, Rayograph (1922)
Man Ray fu un fotografo e artista visivo americano che lavorò principalmente a Parigi. Fu un membro significativo sia del Dadaismo che del Surrealismo, producendo numerose opere che rimangono facilmente riconoscibili oggi. Era noto per i suoi ritratti astratti di donne e il suo uso di ombre e luce negativa per creare pezzi con un elemento onirico. Ha anche fotografato una pletora di artisti famosi durante la sua vita, fornendo una visione pittorica delle loro vite.
Rayograph fa parte di una serie di fotogrammi di Ray, che Tristan Tzara chiamò rayographs come l’artista. Queste opere erano realizzate con carta fotografica, sulla quale Ray poneva una serie di oggetti e poi li esponeva alla luce. La carta si scuriva dove un oggetto non era posizionato, creando l’effetto di un’ombra a luce negativa. Questi pezzi esemplificavano la nozione di Dada, poiché spesso rappresentavano oggetti banali o casuali che non sembravano collegati. I prodotti di questo metodo erano anche spesso incoerenti, poiché richiedevano sessioni multiple di esposizione alla luce ed erano quindi soggetti a condizioni esterne.
Max Ernst, Ubu Imperator (1923)
Max Ernst è stato un pittore, poeta, scultore e grafico tedesco e uno dei primi membri dei movimenti Dadaismo e Surrealismo. Era estremamente sperimentale con il suo lavoro, combinando diversi mezzi con una tecnica astratta e illusionistica. Usava anche un metodo chiamato frottage, o ‘sfregamento’, in cui l’artista mette la carta su una superficie irregolare e poi ci sfrega sopra la matita per creare un contorno modellato della superficie.
Ubu Imperator rappresenta il passaggio stilistico di Ernst tra dadaismo e surrealismo, raffigurando una trottola antropomorfa dai tratti incongruenti. Il soggetto ritrae il padre Ubu, un simbolo di autorità e avidità visto in una serie di opere teatrali di Alfred Jerry che elucidano le ingiustizie della compiacenza sotto la società borghese empirica. Il paesaggio è un caratteristico deserto surrealista con un vasto orizzonte, mentre la parte superiore presenta le nozioni parodistiche e anti-establishment del dadaismo.