El dadaísmo fue un movimiento artístico y cultural de vanguardia impulsado por el clima social europeo tras la Primera Guerra Mundial. Fue un rechazo al capitalismo moderno, a la cultura burguesa y a la política de los tiempos de guerra que se alineó con otros grupos radicales de extrema izquierda. Se expresaba mediante el uso de materiales artísticos no tradicionales, la sátira y el contenido disparatado. Incluso el nombre del movimiento, «dada», pretendía ser una palabra sin significado. A continuación se muestran 10 obras de arte icónicas que caracterizan a este movimiento artístico de la posguerra.
Marcel Duchamp, Fuente (1917)
Marcel Duchamp fue uno de los artistas más prolíficos del dadaísmo, produciendo numerosas pinturas, collages y esculturas infames. También se le asocia con el cubismo, el futurismo y el primer arte conceptual. Tuvo una influencia monumental en el arte modernista del siglo XX y, en concreto, en la escultura. Su obra alcanzó la madurez después de la Primera Guerra Mundial, cuando empezó a utilizar el arte como herramienta de protesta cultural.
La Fuente es una de las piezas de arte más icónicas del siglo XX, que representa un cambio importante en la función del arte en la sociedad. Aunque la pieza original de 1917 no sobrevive en la actualidad, la Tate creó una réplica de loza en 1964. Es uno de los primeros ejemplos de esculturas «lowbrow» o «readymade», realizadas a partir de objetos encontrados. Duchamp presentó la escultura al Salón de París, pero fue rechazada por no considerarse arte.
Marcel Duchamp, L.H.O.Q. (1919)
L.H.O.Q. es otro famoso ejemplo de escultura «ready-made» de Marcel Duchamp. Fue creada a partir de una tarjeta postal de bajo coste de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci (1503-06) a la que Duchamp dibujó un bigote y una perilla de cera. La obra contiene elementos de sátira, rechazando la estética del «alto arte». El título de la obra también es satírico, ya que L.H.O.Q., dicho en francés, suena como «Elle a chaud au cul», lo que se traduce como «está caliente por el culo» y connota una sexualidad subyacente en la obra.
Kurt Schwitters, Construcción para nobles damas (1919)
Kurt Schwitters fue un artista alemán que experimentó con varios medios diferentes, incluyendo la pintura, la escultura, el diseño gráfico, la instalación artística y la poesía. Su obra se asoció con el surrealismo, el cubismo y el constructivismo, así como con el dadaísmo. También fue conocido por aplicar a su obra el término Merz, un término inventado por él que era sinónimo de Dadá como forma de protesta cultural.
Construcción para damas nobles es un ejemplo del uso que Schwitters hace de la abstracción en el collage y la escultura. Esta pieza de ensamblaje también ejemplifica el estilo de escultura de «objetos encontrados», ya que está construida con una variedad de materiales rotos e inconexos: un embudo, un tren de juguete de metal, ruedas rotas y otros objetos de desecho. También incluye un retrato horizontal de una dama noble, del que la pieza obtiene su título. El montaje de la obra es tosco y el cuadro tiene un acabado rugoso, lo que contribuye a desviarse de las expectativas artísticas precedentes. Sin embargo, toda la pieza tiene una elegante asimetría, demostrando que incluso los objetos de desecho pueden crear una obra maestra.
Raoul Hausmann, El crítico de arte (1919-20)
Raoul Hausmann fue un destacado artista austriaco y líder del movimiento Dadá en Berlín. Hausmann fue también un artista expresionista. Tras conocer el movimiento dadaísta, conoció a otros artistas como John Heartfield y George Grosz. Durante esta época, se centró sobre todo en la poesía y el collage fotográfico, que tendría un profundo efecto en la vanguardia europea de posguerra. Su poesía era conocida por ser especialmente provocativa y sus obras de arte muy satíricas. También fue amante de su compañera dadaísta Hannah Höch.
El crítico de arte es la ardiente crítica de Hausmann a la superficialidad del mundo del arte. La obra es un collage fotográfico compuesto por una serie de fotografías de revistas y periódicos e incluye algunos elementos dibujados. La obra se considera «lowbrow», ya que utiliza materiales e iconografía de la cultura popular. Connota que, al igual que la construcción de un collage, los críticos de arte poseen un conocimiento improvisado de hechos vacíos y no entienden realmente el significado del arte.
Hannah Höch, Cortar con el cuchillo de cocina Dada a través de la última época cultural de Weimar (1919-20)
Hannah Höch fue una artista alemana y miembro del movimiento dadaísta. Fue pionera en la técnica del fotomontaje o collage fotográfico utilizando imágenes de medios populares. Se interesó por el feminismo, el género y la androginia en el arte, y especialmente por la disolución de la dicotomía «Nueva Mujer». También exploró en su obra el clima político de la República de Weimar.
Corte con el cuchillo de cocina representa la yuxtaposición entre el dadaísmo y la cultura dominante de la época. En una parte del collage fotográfico aparecen miembros de los grupos políticos dominantes, como el gobierno de Weimar y el ejército. En contraste, en la otra parte de la pieza aparecen comunistas, artistas y otros radicales. Höch también incluyó un pequeño mapa que muestra los países de Europa que permitían a las mujeres votar. La pieza demuestra la rebeldía de los dadaístas y otros grupos radicales en una época de estricto conformismo político y cultural.
Raoul Hausmann, La cabeza mecánica (1920)
La cabeza mecánica es la obra más famosa de Raoul Hausmann. Fue elaborada a partir de un maniquí de peluca de peluquero, una regla, un reloj de bolsillo, una cartera, piezas de una cámara fotográfica y otros objetos encontrados. Se cree que la obra es un comentario sobre la forma en que la humanidad interactúa con los objetos y el mundo que la rodea. El rostro carece por completo de expresión, a diferencia de los rostros expresivos de las obras maestras de la cultura europea. En su lugar, su carácter se explica por los objetos externos que le acompañan. La escultura cuestiona así todas las representaciones precedentes de intelectualidad y profundidad, mostrando al sujeto sólo en relación con el mundo superficial y material que le rodea.
Jean Arp, Frente de camisa y tenedor (1922)
Jean Arp, también conocido como Hans Arp, fue un pintor, escultor y poeta germano-francés. Fue miembro fundador del movimiento dadaísta. Tras trasladarse a Zúrich, conoció a sus compañeros Hugo Ball y Sophie Taeuber, que se convertiría en la esposa de Arp. El trío colaboró entonces en la creación de un manifiesto dadaísta. La obra de Arp era conocida por la exploración del inconsciente, sus elementos de sátira y la abstracción de las formas orgánicas.
Frente de camisa y tenedor forma parte de una serie de esculturas en relieve de madera pintada que Arp realizó en la década de 1920. La obra tiene un elemento gráfico monocromático, con formas suaves y orgánicas y una composición simplista. El tenedor de la derecha es fácilmente identificable, mientras que la forma de la izquierda representa la parte delantera de una camisa, pero también se asemeja a un gran diente o a un rostro humano. La pieza representa el cambio estilístico de Arp entre periodos; las formas abstractas de su obra anterior chocan con su uso posterior de la asociación de objetos para ahondar en la mente inconsciente.
Francis Picabia, Optófono I (1922)
Francis Picabia fue un pintor y poeta francés que se asoció con el impresionismo, el cubismo y el puntillismo y el dadaísmo. También experimentó con la edición y el cine, y su carrera de casi 50 años puede caracterizarse por una serie ecléctica de cambios estilísticos y de medios. Sus obras más famosas fueron pinturas con bloques de color, formas geométricas y abstracciones, aunque también fue conocido por el collage de materiales poco ortodoxos.
Optófono I es un ejemplo de las obras «maquinistas» de Picabia, que se inspiran en los equipos industriales de principios del siglo XX y comentan la aceleración de la tecnología durante la época. La obra simula los efectos de un optófono, un dispositivo que utiliza la sonificación para escanear textos e imágenes y ayudar a los ciegos a identificar las letras de una página. En el centro del cuadro aparece una mujer desnuda sentada al estilo clásico, como si hubiera sido vista mediante el uso de un optófono. La obra cuestiona así cómo la humanidad encuentra e interpreta el arte.
Man Ray, Rayograph (1922)
Man Ray fue un fotógrafo y artista visual estadounidense que trabajó principalmente en París. Fue un miembro importante tanto del dadaísmo como del surrealismo, produciendo numerosas obras que siguen siendo fácilmente reconocibles hoy en día. Fue conocido por sus retratos abstractos de mujeres y por su uso de las sombras y la luz negativa para crear obras con un elemento onírico. También fotografió a una gran cantidad de artistas famosos durante su vida, proporcionando una visión pictórica de sus vidas.
Rayograph es una de las series de fotogramas de Ray, que Tristan Tzara llamó rayographs en honor al artista. Estas piezas se realizaban con papel fotográfico, sobre el que Ray colocaba una serie de objetos y luego los exponía a la luz. El papel se oscurecía en los lugares donde no se había colocado el objeto, creando el efecto de una sombra de luz negativa. Estas piezas ejemplificaban la noción de Dadá, ya que a menudo representaban objetos mundanos o aleatorios que no parecían estar conectados. Los productos de este método también eran a menudo inconsistentes, ya que requerían múltiples sesiones de exposición a la luz y, por lo tanto, estaban al tanto de las condiciones externas.
Max Ernst, Ubu Imperator (1923)
Max Ernst fue un pintor, poeta, escultor y artista gráfico alemán y uno de los primeros miembros de los movimientos dadaísta y surrealista. Fue extremadamente experimental con su obra, combinando diferentes medios con una técnica abstracta e ilusionista. También utilizó un método llamado frottage, en el que el artista coloca papel sobre una superficie irregular y luego frota el lápiz sobre ella para crear un contorno estampado de la superficie.
Ubu Imperator representa el cambio estilístico de Ernst entre el dadaísmo y el surrealismo, representando una peonza antropomórfica que gira con rasgos incongruentes. El sujeto representa al padre Ubu, un símbolo de autoridad y codicia visto en una serie de obras de Alfred Jerry que dilucidan las injusticias de la complacencia bajo la sociedad empírica burguesa. El paisaje es un característico desierto surrealista con un vasto horizonte, mientras que la parte superior presenta las nociones paródicas y antisistema del dadaísmo.